吉他手小潘的音樂世界

一把有著親筆簽名的Fender Stratocaster®吉它，在中東的小國卡塔爾拍賣售出，讓人震驚的是它被買家已280萬美元收購，打破了有史以來吉它拍賣金額的最高紀錄。

這次拍賣活動由加拿大作家音樂人兼攝影家Bryan Adams和歐洲Fender藝人關係經理Jamie Crompton共同策劃，他們希望通過拍賣，可以為印度海嘯受災人群酬得賑災款。

這把吉它的購買者是阿爾巴尼亞人Her Highness Sheihka Miyyassah，她是卡塔爾的王座繼承人，也是亞洲援助組織的主席。

之前世界拍賣吉它的紀錄是在2004年的6月24日，在紐約的Christie，一把世界著名吉它大師Eric Clapton的“Blackie”電吉它，拍得了95.9萬美元。(嗚~偶的BLACKIE輸了><)

拍賣活動在多哈的Ritz-Carlton酒店舉行，它是當晚的節日慶典活動的一部分。亞洲援助組織發言人說希望通過活動在未來10年裏為亞洲提供長期高額的援助基金，Adams和卡塔爾皇室家族成員共同參加了這一活動，當晚包括美國前總統克林頓，英國著名企業家Richard Branson等也一同到場。

一、電吉他的產生：

電吉他的歷史只有幾十年，這種樂器是在木吉他的基礎上形成的。木吉他屬撥弦樂器，這種類型的樂器，一般演奏的音量比較小，不能滿足大型演出的需要。隨著吉他拾音器的研製成功，一些吉他演奏家，開始嘗試在木吉他上加裝拾音器以滿足演出的音量需要，這種有益的嘗試產生了吉他的另一種類型：電木吉他~(兩用吉他)。

(一) 電木兩用吉他：

電木吉他在演出中，運用相當廣泛，它的演奏技巧基本上屬於木吉他技巧範圍，只是在音色和音量上有所區別。電木吉他的發聲系統由拾音器、等化器及連接系統三個部分構成。

1.         拾音器：拾音器的類型有兩種，一種是線圈式拾音器，它的聲音信號是通過琴弦切割拾音器的磁力線產生的，這種拾音器產生的音色，電子味道比較濃，一般用於電吉他。另一種形式的拾音器是由壓電陶瓷構成的，它安裝在吉他的琴橋下面，在演奏時，通過琴橋的振動使壓電陶瓷拾音器產生聲音信號，這種拾音器產生的音色與木吉他非常接近，所以電木吉他的拾音器都屬於這種類型。

2.         等化器 (EQ) ：等化器是聲音信號的調節系統，通過它可以改變聲音信號的音量、低音、中音、高音及現場等信號參數，它又分旋鈕式均衡器、三段等化器、 四段等化器及多段等化器，等化器的等級越高，可以調整的信號參數就越多，這樣就可以更好的滿足演奏者的需要。

3.         連接系統：連接系統由連線介面和連線組成，是電木吉他與音箱的連接部分，這個系統可分為單聲道系統和立體聲系統。單聲道系統由一個連線介面和一條連線組成，立體聲系統由兩個連線介面和兩條連線組成。

(二) 電吉他：

在兩用吉他產生不久，一些吉他演奏家與吉他製造商就研究了一種完全區別於木吉他的新型吉他：電吉他。

電吉他由於沒有共鳴箱，所以本身不能發聲，它的發聲完全依賴於拾音系統和音箱。這種吉他的琴體與琴頸是完全獨立的， 而且琴體比較小，這樣在琴頸上可輕鬆演奏，高達22 ～ 24琴格，再配上電吉他特有的搖把顫音系統，使電吉他的演奏範圍擴展到一個嶄新的程度。

電吉他由琴頭，弦鈕、琴頸、琴體、拾音系統、搖把顫音系統組成，下面著重介紹一下電吉他的拾音系統和搖把顫音系統。

1.         電吉他的拾音系統：由拾音器、切換開關、聲音信號調節部分、連線介面等組成。

(1) 電吉他的拾音器

電吉他的拾音器是電吉他發聲的主要部件，分單線圈拾音器和雙線圈拾音器，單線圈拾音器由一組線圈、磁柱和磁鐵構成，雙線圈拾音器由兩個單線圈拾音器串聯構成，所謂串聯就是一組拾音器線圈的結尾要與另一個拾音器線圈的開頭連接，這樣的拾音器功率要比單線圈拾音器大。標準的拾音器組合分三組和二組兩種，三組中又分：單－單－單、單－單－雙、雙－單－雙、雙－雙－雙， 二組中又分單－單、雙－雙，這些不同的組合可電吉他產生不同的音色，以滿足不同風格的演奏需要。如果我們有條件，還可以根據自己的需要更換一些世界名牌的拾音器，以提高電吉他的檔次。這些著名品牌的拾音器有：EMG、Fender－Lace Sensor、Seymour Duncan、Dimarzio ( 排名不分先後 )

(2) 拾音器切換開關

拾音器切換開關是選擇拾音器不同組合的一種裝置，無論是上述那一種組合的電吉他，通過拾音器切換開關都可以產生更多不同的組合，如果沒有這個開關，電吉他的拾音器只能同時發聲而不能產生不同的組合變化，所以拾音器切換開關是電吉他絕對不可缺少裝置，正確的使用拾音器切換開關可以使電吉他發出的音色更適合所演奏的風格。

拾音器切換開關分主拾音器切換開關和副拾音器切換開關兩種，主拾音器切換開關可以選擇主拾音器的不同組合。副拾音器切換開關在一般的電吉他上不常見，它的功能有兩種，第一種是控制雙組拾音器的組合，通過這個開關可以使組成雙組拾音器的某一個單組拾音器工作或兩個單組拾音器同時工作，第二種是控制拾音器組合時的連接狀態，使兩組拾音器即可以並聯也可以串聯，這種功能的副拾音器切換開關一般用在設有五段開關的電吉他上，而且不常見。

主拾音器切換開關分五段開關和三段開關兩種，五段開關用來控制由三組拾音器構成的電吉他，三段開關用來控制由二組拾音器構成的電吉他。

五段開關最下面的一段為第一段，可使靠近電吉他琴橋的第一組拾音器工作，這個拾音器發出的音色比較明亮，一般用來演奏重金屬節奏或明亮的SOLO部分。第二段可使第一組和第二組拾音器並聯工作，一般並聯工作的拾音器，功率比較低，發出的音色比較尖一些。 第三段可使第二組拾音器工作。第四段可使第二組和第三組並聯工作，這個段可以使電吉他發出非常優美的非失真音色，在演奏布魯斯等風格的時候，很多情況下會使用這個檔的音色。第五檔可使第三組拾音器工作，由於這組拾音器的位置比較靠上，所以發出的音色非常渾厚，一般用來演奏一些快速的失真SOLO。

三段開關可控制由兩組拾音器構成的電吉他，如Gibson 、Fender－Telecaster，這兩種不同的電吉他，它們使用的三段開關雖然外形有所不同，但基本原理是相同的。第一段可使第一組拾音器工作，第二段可使第一組和第二組拾音器並聯工作，第三段可使第二組拾音器工作。

副拾音器切換開關分兩段開關和三段開關，兩段開關的第一段可以使雙組拾音器串聯工作，第二段可以使雙組拾音器下面的一組工作。三段開關的第一檔可使雙組拾音器的下面一組工作，第二段可使雙組拾音器串聯工作，第三段可使雙組拾音器的上面一組工作。

無論什麼功能的拾音器切換開關開關，它的目的只有一個，就是改變拾音器的不同組合，以使電吉他發出自己所需要的音色，所以正確的運用拾音器的不同組合，也是電吉他演奏時，應特別注意的事項。

(3) 聲音信號控制部分

這個部分由音量旋鈕和音色旋鈕組成，音量旋鈕可以控制電吉他的音量。音色旋鈕可以控制電吉他的音色。

(4) 連線介面部分

這個部分的主要功能是把拾音器所產生的聲音信號，通過連線傳入音箱使電吉他發聲，它的形狀有座型和柱型兩種。

2.         搖把顫音系統

這個系統是電吉他特有的裝置，通過它即可以調整電吉他的弦長，使電吉他處在準確的音高狀態下，又可以使電吉他產生顫音及各種特殊的聲音效果。這種系統有兩種不同的形式，第一種是傳統型顫音系統，第二種是FLOYD ROSE型。

(1) 傳統型顫音系統

傳統型顫音系統由搖把、琴弦定位器、定位器螺絲、定位器彈簧、顫音座、顫音座彈簧、顫音座彈簧固定器及彈簧固定器螺絲組成。

傳統顫音系統的搖把屬於單向系統，只能向一個的方向運動，它的主要功能是改變顫音器的角度，使琴弦由張緊的狀態到鬆弛的狀態，從而改變電吉他的音高。如果輕微搖動，則會產生顫音的效果。

琴弦定位器在電吉他上共有六個，它們分別控制六根琴弦。琴弦定位器在傳統的顫音系統中，用螺絲和彈簧固定在顫音座上，通過調整定位器螺絲的松和緊，可改變它們的前後位置，以調整電吉他的弦長，還可以通過調整定位器上的兩個螺絲來改變琴弦距指版的高度，使電吉他的手感滿足自己的演奏需要。

顫音座的功能有兩種，第一個是固定琴弦定位器，使電吉他保證準確的弦長，以滿足最基本的演奏要求。 第二個是配合搖把來改變琴弦的鬆緊狀態，以達到特殊的演奏要求。在使用第二個功能時，顫音座必須配合顫音座彈簧和彈簧固定器來完成，彈簧固定器一般通過兩個固定螺絲，固定在電吉他背面木槽的下壁上，通過2～3條顫音座彈簧把彈簧固定器和顫音座連接起來，這樣在改變搖把的上下位置時，顫音座也隨之產生變化，以改變琴弦的鬆緊狀態，待這個動作完成後，顫音座彈簧會把顫音座拉回原來的位置。

(2) FLOYD ROSE型顫音系統

FLOYD ROSE顫音系統在傳統顫音系統的基礎上，增加了琴弦的前鎖、後鎖及微調系統，從而解決了傳統顫音系統在使用搖把演奏時的跑弦現象。傳統顫音系統在搖把使琴弦處在最鬆的狀態時，弦鈕部分和顫音器部分的琴弦會有一些移位現象，待顫音器把琴弦拉到原來的狀態時，這些移位現象不能完全消失，從而使琴弦出現跑弦的現象。

FLOYD ROSE型顫音系統為了解決這個問題，增加了前後弦鎖。用前鎖代替電吉他的琴枕，在琴弦定位器上設置了琴弦後鎖。待琴弦調准後，用弦鎖把琴弦鎖住，從而徹底解決了，琴弦在任何狀態下的移位現象。為了解決琴弦在鎖住後出現的音高誤差，還在顫音器上增加了微調系統，以調整琴弦的音高。

FLOYD ROSE型顫音系統的另一個特點是它的安裝結構， 傳統顫音器的背面在安裝時，緊貼著電吉他的琴面，從而使顫音器只能進行單向運動。FLOYD ROSE型顫音系統在安裝時，在電吉他的琴面上加工一個比較深的木槽，從而取消了琴面對顫音器運動的阻礙，使顫音器可進行雙向運動，這樣通過搖把的運動不僅可以使琴弦的音高降低，還可以使琴弦的音高升高。

(3)弦鈕的鎖弦系統

這種鎖弦系統與FLOYD ROSE型顫音系統的區別是把琴弦前鎖的結構，設置的特殊的弦鈕內部，從而解決弦鈕部分的琴弦移位現象。由於弦鈕鎖弦系統的出現，使顫音器上的微調系統失去了存在的價值，所以這種系統在顫音器上沒有微調系統，只有鎖弦系統。由於不設微調系統，使這種系統的體積要比FLOYD ROSE型顫音系統小。

組團時間: 1971

很少有樂團能像QUEEN那樣徹底地體現70年代世界搖滾舞臺的豐富多采。QUEEN就像一個綜藝大廳一樣，完美將華麗搖滾，前衛搖滾，古典音樂及重金屬熔為一爐。

這個來自英國的四人樂團致力於發掘華麗和誇張的藝術風格，創造出一種帶有濃厚歌劇色彩的搖滾樂形式，主唱性感而如同唱詩班的嗓音，層層鋪墊的鍵盤和絢爛花哨的吉他solo是他們的標誌。

QUEEN的音樂具有非凡的想像力，雄壯而帶有一絲詭異，而且風格變化多端，你可以從他們的音樂中聽到幾乎所有歐洲音樂形式（傳統和現代）的影子。不過，QUEEN如此博大的音樂居然全部是用傳統的搖滾方式表達出來的，多年來，他們的專輯一直宣稱“從未使用過合成器”，這忠誠地保留著LED ZEPPELIN時期硬搖滾樂團的特點，儘管到80年代，樂團也開始嘗試了更多的鍵盤，但始終沒有碰過電子樂，因為電子樂正是那些“真正的搖滾”樂團所不屑的。

值得一提的是，由於主唱Freddie Mercury是一個徹底的同性戀者，致使樂團的整體風格偏於奢華，編曲經常仿造古典音樂的那種華麗氛圍，這集中體現於他們的名曲Bohemian Rhapsody。Mercury是一個花哨的同性戀者，他總是在洗手間裏從事不雅之舉，直到他1992年因愛滋病去世。他的性態度充分體現在QUEEN的音樂中，這點可以從他們那朦朧的歌詞中看出來。具有諷刺意味的是，QUEEN那首關於同性戀的讚歌We Are The Champions卻成了弘揚體育精神和奧運冠軍的經典慶賀曲目，直到現在在各種體育盛會上我們還能時常聽到這首歌——不過這也得歸功於Mercury那富有傳奇色彩的生平和歌劇色彩濃厚的舞臺表演方式，他使得QUEEN在70年代中期成為最廣為人知的樂團之一。在英國，直到90年代中期，QUEEN仍是知名度和受歡迎程度僅次於BEATLES的搖滾樂團。

儘管QUEEN的名聲很響亮，但他們似乎很少得到樂評和媒體的好評。不斷的批評並沒有削減QUEEN的知名度，甚至一直到80年代末，QUEEN仍然擁有除了美國之外的大量歌迷。在美國，樂團的顛峰時期是在80年代初期，也就是在他們在上一個十年裏發行了一系列相當成功的專輯之後的一段時間裏，雖然這些唱片在當時無一受到好評，但它們的銷量卻大的驚人。QUEEN的音樂影響深遠，在20年來的幾代硬搖滾/重金屬樂團身上都能找到影子，從METALLICA到SMASHING PUMPKINS。

QUEEN最初是由迷幻硬搖滾樂隊SMILE演變而來。1967年，吉他手Brian May和鼓手Roger Taylor加入了SMILE樂團，當樂團的主唱Tim Staffell於1971年離隊後，May和Taylor與來自前WRECKAGE樂隊的主唱Freddie Mercury成立了這支叫做QUEEN的樂團。過了幾個月後，貝司手John Deacon加入了近來，於是樂團開始進行一些排練。大約兩年過後，當樂團的四個人都從大學畢業後，他們就抓緊時間進行創作、排練和演出。1973年，他們發行了由Roy Thomas Baker擔綱製作的第一張專輯Queen（皇后），並開始了他們的第一次巡演。Queen（皇后）中的音樂都是一些很直接的硬搖滾/重金屬，在當時並沒有引起過多的注意。

1974年發行的專輯Queen II卻在英國取得了意料不到的成功。專輯發行前，樂團在英國電視臺著名的音樂節目Top Of The Pops中表演了歌曲Seven Seas Of Rhye，歌曲本身和表演都非常出色，不久後這支曲子就沖到了排行榜的前10名，並使Queen II專輯上升到了排行榜的第五名。為了配合專輯的發行，QUEEN開始著手在美國進行巡演，主要是為MOTT THE HOOPLE作暖場。QUEEN那種花哨而帶有迷幻氣息的舞臺表演無疑也贏得了美國觀眾的認可，專輯在美國排行榜上也達到了43位的好成績。

接著樂團發表了專輯Sheer Heart Attack，其中的單曲Killer Queen很快成為英國排行榜的亞軍，而專輯本身也在排行榜上達到了同樣的位置。這張專輯在美國的成績也頗為不俗，為1975年的專輯A Night At The Opera的巨大成功奠定了基礎。

A Night At The Opera是QUEEN樂團最為經典的專輯，樂團為這張專輯的製作耗費了巨大的精力，有報導稱這是搖滾樂史上製作費用最高的一張專輯。其中著名的單曲Bohemian Rhapsody（波西米亞狂想曲）成了QUEEN的招牌曲目，在酷似歌劇唱詩般的華麗配樂中不斷加入大段的重金屬吉他riff和solo，這正是QUEEN的典型風格。

歌曲的製作過程也體現了QUEEN那種典型的精益求精的態度，他們用了3個星期的時間來進行錄製工作，而且在歌曲的音軌上加入了大量的背景配音，以至於在錄製完成後，母帶的有些地方磁粉已經薄到可以看穿的地步。QUEEN在Bohemian Rhapsody的錄影帶中首次嘗試了概念化的方法，並孤注一擲地在其中投入了巨額資金，不過QUEEN得到的回報也是相當可觀的：這首單曲在英國排行榜上迅速升到冠軍的位置，並且在這個位置上停留了足有9個星期，並最終打破了英國單曲排行榜上冠軍停留時間最長的記錄。在美國，這首歌和整張專輯也獲得了巨大的成功，進入了排行榜前10位並同時成為白金單曲和白金專輯。甚至在十多年後的1992年，這首Bohemian Rhapsody還在美國單曲排行榜上獲得過數周的亞軍成績。　

在A Night At The Opera之後，QUEEN嘗到了什麼是超級巨星的滋味，他們也得到了這種地位所能帶來的一切好處，他們無休無止的舞會和窮奢極侈的生活方式成為搖滾樂壇永遠的傳奇。然而這一切並絲毫沒有影響到他們前進的步伐和高效率的工作。在1976年夏天，QUEEN在倫敦的海德公園舉行了一場免費音樂會，觀眾的到場人數創造了新的記錄。幾個月後他們發行了熱門單曲Somebody To Love，收錄在專輯A Day At The Races中。這張專輯可以說是A Night At The Opera的一個產品，不過仍然取得了優異的成績，在英國排行榜上成為冠軍，並在美國升到了第五名的位置。

在接下來的五年中，不知疲倦的QUEEN打造了成打的熱門單曲和數張白金唱片。由於在全世界贏得了如此多歌迷的喜歡和崇拜，他們遭到了某些評論家的抵觸，尤其是當他們表示出對待PUNK運動的那種極端惡劣的保守態度之時。 不過歌迷對QUEEN的專輯還是照買不誤，囊括了兩首Top 5單曲We Are The Champions和We Will Rock You的專輯News Of The World（世界新聞）在1977年成為排行榜前10位的專輯。1978年的專輯Jazz（爵士樂）幾乎重複了同樣的成功，其中的單曲Fat Bottomed Girls和Bicycle Race成了國際熱門單曲，儘管公眾對樂隊舉辦的一個女性裸體自行車賽的花招表示了極大的不滿。

在80年代初，QUEEN仍然保持著相當受歡迎的地位，1980年他們發表了專輯The Game（遊戲），音樂風格發生了一些變化，他們加入了更多柔性慢歌和輕快討巧的歌曲，已經離開重金屬頗有一段距離了。單曲Crazy Little Thing Called Love和Another One Bites The Dust的再次成功使The Game專輯登上了美國排行榜的冠軍寶座，這對於QUEEN來說是一次突破性的成功。不過，當人們發現這不過是一張乖巧討好的專輯時，他們開始失去了對QUEEN的興趣，樂團原本忠實的擁護者不少都改弦易幟，尤其是在美國，其直接後果就是他們在同年晚些時候為電影Flash Gordan錄製的純器樂配樂專輯得到的反應異常的冷淡。1981年，在David Bowie的幫助下，QUEEN成功在新浪潮音樂的洶湧波濤中站穩了腳跟，單曲Under Pressure登上了英國排行榜的冠軍位置，這也是他們繼Bohemian Rhapsody以來的另一首冠軍單曲，收錄在1981年出版的精選專輯Greatest Hits以及1982年的專輯Hot Space中。不過Hot Space專輯並沒有引起人們多大的熱情，因為這仍是一張輕鬆取巧的專輯，既不那麼流行又不那麼高雅。1984年的專輯The Works中表現出更多的搖滾成分，不過人們對它的反映仍舊不溫不火，專輯中只有單曲Radio Ga Ga獲得了一定的成功。這些不成功的經歷使他們決定離開Elektra公司而轉簽Capitol公司。

眼見自己在美國的市場日漸萎縮，在英國也是獨木難支，QUEEN決定打開另外的市場，他們把目標放在了拉丁美洲、亞洲和非洲，而這些地方潛在的巨大市場往往是搖滾樂團所忽視的。

1985年，由於在援救非洲難民的Live Aid巡演中表現出眾，QUEEN再次走進了英國觀眾的視線，次年，QUEEN發行了新專輯Kind Of Magic，但是專輯對美國市場的衝擊以失敗而告終。1989年的專輯The Miracle在美國也遭到了同樣的打擊，雖然這張專輯中的搖滾成分已經有所增加，但仍然缺乏真正的力量。不過1991年的Innuendo終於一炮打響，為樂團在美國贏得了名譽，在達到金唱片的同時進入了排行榜的前30名，當然，這比之他們在歐洲的成功還是小的多，在英國，他們輕而易舉地取得了排行榜冠軍的寶座。這張豐富多采的專輯重新拾回了QUEEN當年的風采，既有力道十足的重金屬之作，又有典型QUEEN風格的歌劇式搖滾。不過這張出色的專輯現在被認為是樂隊迴光返照的作品，因為巨大的陰影正在逐漸籠罩著這支不凡的樂團。

1991年，QUEEN不再像以往那樣活躍，而這時關於主唱Freddie Mercury身體狀況的謠言也是漫天亂飛，在11月22日，他終於向外界證實，他染上了愛滋病。兩天后，Freddie去世了。

1992年春天，樂團餘下的成員在溫布利體育場舉辦了一場紀念音樂會。這場向全世界直播的現場音樂會的觀眾數目達到了一億以上，演出的陣容除了QUEEN的三個成員外，還包括了David Bowie，Elton John，Annie Lennox，DEF LEPPARD和GUNS 'N ROSES，這場演出為Freddie生前設立的基金會募到了數百萬美圓，這些錢都將用於愛滋病的研究。這場演出也使1975年的單曲Bohemian Rhapsody再次風光，升到了美國排行榜亞軍的位置。

Freddie死後，樂團成員保持了一段時間的沉寂，1993年，Brian May發行了他的第二張個人專輯Back To The Light，距離他的第一張個人專輯已經有十年了。Roger Taylor在THE CROSS樂隊發表了一些作品，而John Deacon則決定洗手不幹了。但三名成員在1994年還是重新聚到一起共同錄製合成Freddie的遺作，這些歌的主唱部分都是Freddie在病床上錄製完成的。1995年，這張名為Made In Heaven的專輯得以發行，由於它特殊的紀念意義，這張專輯在全球範圍尤其是歐洲引起了搶購狂潮，毋庸質疑，這已經是QUEEN的最後一張錄音室作品了。

QUEEN對於八、九十年代的重金屬樂隊有著一定的影響，它獨特的歌劇式搖滾為後來的前衛金屬指引了方向。他們華麗的舞臺表演和奢侈的生活方式也常為後人所效仿。不過樂團最後的悲劇也是一道令人震撼的警鐘。

如果沒有音箱，那麼，哪怕是世界上最昂貴的琴，也只是一個“啞巴”。對於電吉他來說，音箱不但是它的“喉舌”，也是獲得良好聲音的奧秘之一。

Ø 電吉他音箱是什麼

電吉他和木吉他最大的不同是裝有專門的拾音器，其內部由永久磁鐵和線圈組成的，通過琴弦振動切割磁力線而產生與音頻頻率相同的電子信號。不過，這樣得到的電子信號是很微弱的，如果直接把它接到揚聲器上，根本無法變換成聲波。只有將這些微弱的電流進行放大，才能夠驅動揚聲器實現電聲轉換，而擔當這項工作的設備正是電吉他音箱。

Ø前級放大和功率放大

一般的家用高傳真喇叭和擴大機是分開的，但是吉他音箱的設計者為了保證聲音的同一性以及搬運的方便，一般都將放大器部分和音箱做在一起，即使不是在同一個箱體內，設計者也多半會通過零件將兩者固定在一起。音箱內置的放大電路一般由前級放大和功率放大兩個部分組成。前級放大針對從拾音器線路中輸出的微弱信號進行整形放大，常常附帶有音調（EQ）和失真（Booster）電路，是高超的吉他手製作音色的秘訣之一。功率放大負責的內容是將由前級電路處理過的信號放大到足以驅動揚聲器發聲的大小，實現最終的電聲轉換。

Ø一體化和分體式

所謂一體化音箱就是指將前級、功率放大電路和揚聲器安裝在同一個木質或樹脂質箱體內的類型，現在市面上一般銷售的也都是這種。

分體式則是指將電路部分和揚聲器分開安裝的類型，由於增加了箱體的成本，一般都屬於高級品。

最近幾年，設計者為了滿足樂手們獲得多種不同音色的要求，便將前級放大電路單獨做成外置的產品，使用數位處理電路來類比各類音箱的聲音特點，如Line6 POD等音箱模擬類效果器。有了這樣的外置前級放大器之後，如果你想在錄音室裏獲得Marshall或者Peavey 5150音箱的聲音，就不需要找人去搬你的音箱了。

Ø 真空管、電晶體、數位電路

電吉他音箱的放大電路按照所使用的核心元件的不同，可以分為3大類：在前級放大以及功率放大電路中使用真空管的音箱，音色最為溫暖和樸實，是搖滾和藍調樂手的摯愛；使用電晶體的音箱，重量較電子管的輕，音色比較銳利，壽命也更長；利用數位方式進行放大的產品問世不久，普遍具有耗電量低、聲音乾淨的優點，一般都內置有多種合成效果器。

不過，這三類音箱又不是截然分開的，設計師們往往利用這些元件各自的特點加以組合。比如，有些音箱的前級電路使用電晶體，而功率放大電路則使用真空管；也有使用數位處理器（DSP）作為前級，加上真空管功率放大的類型。

Ø揚聲器

經過放大電路放大的吉他拾音器信號被送到揚聲器中央的線圈中，產生不斷變化的磁場，這個磁場與揚聲器本身的磁芯磁場相互作用，推動揚聲器錐盆運動，隨之引發的空氣振動便使人耳聽到了聲音。

揚聲器是整個電聲轉換的末端，對聲音的質感（諧波）和量感（低頻）有很大影響。揚聲器的尺寸通常都用英寸來表示，直徑在8～15英寸之間的產品最為多見，1英寸約等於25.4釐米。

Ø背向敞開式和密閉式

這兩個術語是指揚聲器音箱的不同結構。顧名思義，背向敞開式音箱的後部是敞開的，而密閉式音箱的箱體則是全封閉的。前者以Fender的音箱最為典型，後者則是Marshall音箱的特點之一。

Ø輸入輸出介面

根據具體型號的不同，音箱輸入輸出介面(input)的數量與樣式會有所不同，不過一般都裝有一到兩個輸入介面（分為高阻抗和低阻抗）、效果器loop端子（可串接外置的效果器）、外接揚聲器介面（連接另一部音箱）和耳機輸出端子。一般採用大兩芯的非平衡介面，錄音室使用的型號也有使用XLR平衡輸出的。

當需要獲得更寬廣的聲壓面時，外接揚聲器介面(output)就派上用場了。你可以通過這個介面和專門的音箱線，連接另外的揚聲器音箱。不過，這時你應該計算一下阻抗值，因為當兩部音箱的揚聲器並聯時，放大電路所驅動的阻抗值就會減為原來的二分之一。如果你的音箱放大器不支持那麼低的阻抗的話，放出的聲音是不會太好的。關於這個問題，你可以看看音箱方面的專業書籍，對於一個吉他手來說，那也是一項很好的“修煉”。

通過前級放大器雖然可以調出一些不同的音色，但如果要大範圍的修正音色則必須使用外置效果器，通常為單顆或數位的踏板吉他專用效果器。在串接這類效果器時，可使用效果器loop，這樣就能在儘量保證音箱原有音色特點的前提下，減低聲音劣化的程度。連接的順序是：環路送出端子（Fx Send）——效果器輸入端子（Input）——效果器輸出端子（Output）——環路送回端子（Fx Return）。

最近幾年，隨著家庭工作室的興起，吉他音箱也發生了變化。限於居住的環境，樂手們往往無法像在錄音室裏那樣用話筒揀拾音箱聲的方法來錄音。所以，吉他音箱的設計者就從前級放大電路中引出一個信號，使吉他手可以直接將這個信號送到數位MTR（多軌錄音機），最大限度地保持音箱所具有的音色特點（實際上是對聲音影響最大的前級電路的音色特點）。

介紹完關於電吉他音箱的一些基礎知識後，為了使大家在實際使用中能夠很快掌握這些知識，我們假設您現在是一位剛剛開始使用吉他音箱的初學者，面對這台從未接觸過的設備，你應該怎麼做才能調出讓人滿意的音色呢？

第一步：使用好一點的導線！使用帶有遮罩層的信號線連接吉他的輸出端和音箱的輸入端，如果你使用的線材質量較次或者遮罩層太薄是很容易受到外界電磁信號干擾的。

第二步：打開音箱的電源開關。雖然這是一般的常識，但吉他音箱和普通的家用電器還不是完全一樣，特別是當你使用的音箱是真空管音箱時，打開電源開關後，真空管還要經過一個“預熱”的過程才能工作，這是由真空管的工作原理決定的，如果打開電源後馬上演奏，次數一多，管子就會提前老化。在電源開關按下去10秒鐘以後，再打開STAND BY開關，就可以正常工作了。如果是使用電晶體或者數位積體電路的吉他音箱，則不需要預熱，因此一般也就沒有STAND BY這個開關了。

第三步：如果你使用的這部音箱是以前從未接觸過的，你有必要先確定一下這部音箱的音色特點。請先將調整音色（EQ）的各個旋鈕（一般有3個：HIGH、MID、LOW，分別控制高頻、中頻、低頻）調到“5”的位置（正中央）。如果你音箱的音調電路帶有增益（不是單純的衰減電路），那麼你應該把每個旋鈕都擰到12點的位置，使電路既不對各個頻帶的信號進行放大，也不衰減。

第四步：多數的吉他音箱都有兩個或兩個以上的電頻增益控制旋鈕，即便是最便宜的個人練習型號也不例外。這兩個旋鈕被叫做Gain和Volume，也有叫成Volume和Master Volume的。顧名思義，Gain主要用來控制輸入信號的初始放大量，即在前級電路中產生失真類的特殊音色；而Volume則用來控制最終音箱放出的音量大小。你可以把Gain調得很大以獲得足夠的失真，而Volume卻未必需要多大，關鍵要看現場的擴音情況。在這一步的調整中，你仍需將Gain調到“5”的位置，而Volume則看你當時想聽多大的音量。如果你感覺失真度還不夠的話，你可以慢慢地增加把Gain調大，但這時音箱所發出的聲音也會隨之急劇增大（因為總的放大量變大了），所以有必要把Volume旋鈕調小一點。總之，這一步調整的目的是製作出讓自己滿意的音箱失真（與使用效果器而獲得的失真音色相區分），同時也必須注意最終音量和失真度的平衡關係。

第五步：在完成了上一步音箱失真的調試工作後，我們再回過頭來利用音調電路對失真音色進行細微的高中低頻修正。

在大部分音箱上都有對高頻（HIGH）、中頻（MID）和低頻（LOW）這三個頻段進行音色調整的功能。

音調處理是一件相當複雜而且瑣碎的工作，很多錄音師往往需要花上幾年的時間才能對各種樂器的調音方法摸的比較透，吉他音箱的調整雖然沒有那麼麻煩，但也是很費時間的。所以，為了能讓你和大家的耳朵滿意，一定不要吝惜時間和不斷的嘗試，有時候你明明調整的是高頻（HIGH），而聽感上發生變化的卻在中頻（MID）。某些型號的吉他音箱還裝有調控超高頻部分的Presence旋鈕，以及能使高頻更加清晰的“Bright Switch”開關。但是，如果濫用這兩個控制器，會很容易使聲音變得“清瘦”，還可能帶來讓人討厭的噪音。所以，一般只在光靠HIGH、MID和LOW三個控制器無法調出令人滿意的音色時才作為“最後的手段”來使用。

第六步：經過上面這一番“折騰”之後，為了使聲音具有一定的空間感，我們可以調整一下音箱的混響控制器（Reverb）。

一般來說，越是高級的吉他音箱，所附加的各種調整參數越是豐富，不過調整的難度也就更大。比如，像Roland VGA－7那樣科技含量極高的吉他音箱，甚至可以通過內部的數位電路運算（DSP）來模擬各種吉他型號和不同的拾音器音色。如果你對現在從音箱中發出的聲音還不滿意，你可以返回到剛才的第三步，根據指出的幾個要點再來一遍。

不過，有時候限於時間和你所擁有的音箱的素質，你應該做一些適當的妥協，畢竟幾千塊錢的音箱和你在唱片中聽到的上萬元音箱所發出的聲音肯定是沒法比的。

樂隊成員：

Noel Gallagher

出生日期:1967年5月29日樂團的詞曲作者，也是樂團第二主唱，主音吉他，普遍認為他是主導樂團方向的人，是他給樂團帶來輝煌和榮耀，據說他一星期可以寫二十首歌，他通常在晚上寫歌，"如果第二天我還能記起來，那就是好歌。"

Liam Gallagher

出生日期:1972年9月21日 樂團主唱，也演奏手鼓，會彈鋼琴，Noel的弟弟，在新專輯中終於能第一次聽到他寫的歌：Little James。

Gem Archer

吉他手，1999年10月取代Bonehead加入Oasis。他最喜歡的Oasis歌曲是Shakermaker，他認為那首歌體現了Oasis的實質。在加入Oasis之前，他是Heavy Stereo樂團的主音歌手和吉他手，那是一支70年代glam rock 風格的樂團，沒取得過世界範圍的成功。

Andy Bell

出生日期：1970年8月11日，貝斯手，1999年11月取代Guigsy，在這之前他在Hurricane#1樂團中任吉他，鍵盤及和聲。他還是Hurricane#1樂團中主要歌曲的詞曲作者。加入Oasis後三星期他就和其他隊員一起在費城演出了。

Alan "Whitey" White

出生日期：1972年5月26日，鼓手。1995年Tony McCaroll被踢出樂團後，Noel在錄音棚聽到Alan的鼓聲，就決定讓他加入樂團了。不過他還是演奏了一首Beatles的歌才得到了Liam的首肯的。

前樂隊成員：

Paul "Bonehead" Arthurs 自Rain還未改名為Oasis時就在隊中的老隊員, 1999年夏天離開Oasis ,因為"想做一些生命中的其他事情" Paul "Guigsy" McGuigan 同樣在Oasis存在前就是Rain的隊員，在Bonehead離開兩週後退出，也是相似的理由----想多點時間和家人在一起。

Tony McCaroll 1992年到1995年四月Oasis的鼓手，因為內部分歧而離開(可能被認為其技術不夠，也可能是因為和Liam的爭執)。

1991年，英國曼賈斯特樂團成立，不過當時還叫Rain。隊員：Bonehead，Guigsy 以及 Chris Hutton(主唱)。Chris 離開後，Guigsy的同學，看過他們幾場排練的Liam決定加入，之後Noel加入，但宣稱必須成為樂團的靈魂人物，進行所有的詞曲創作；做出樂團所有的決策......這些條件被接受後，Oasis~一支當時還微不足道的樂團就成立了。

1993年,Glasgow--他們在俱樂部中演奏了半小時，而就是這半小時得到了Creation唱片公司的青睞，演出結束後和他們簽下了六張專輯的合同。

1994年春--推出的第一張單曲Supersonic(Noel說這名字完全沒有任何意義)登上各排行榜第一的位置，第二張單曲Shakermaker也一樣成功。但Noel並沒有被勝利弄暈了頭，“這一切是發生地很快，可如果這就是壓力的話，那就多給我一些吧。”之後專輯'Definitely Maybe'成為英國有史以來最暢銷的專輯迅速登上各排行榜第一。這一年他們贏得了英國最佳新人團體獎。

1995年--單曲'Roll With It' 和Blur的新作同一天發行，從此英國搖滾樂史上的兩大樂團之爭開始了。那時發生了一件不那麼愉快的事：Noel公然宣佈希望Blur的兩個隊員死于愛滋病。雖然Noel做了道歉，但他們還是輸了這場單曲之爭：在排行榜上僅次於Blur。但這場戰爭還未結束，Oasis的新專輯(What's the Story) Morning Glory?又和Blur 的新專輯同時發行，這一次Oasis終於揚眉吐氣(What's the Story) Morning Glory?成了自Beatles的'Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band' 後英國最暢銷的專輯。在美國和歐洲也有重大突破。有的人認為Oasis的成名全在一夜間。而Blur卻是辛辛苦苦一步步才取得的成就。只是他們都忘了他們所談論的是音樂。在這一年鼓手Tony McCaroll 被踢出樂團，據猜測有可能是他在酒吧中和Liam的一場爭鬥引起的。這一年他們贏得了英國最佳專輯，最佳組合獎，wonderwall得到最佳歌曲的提名。

1996年--他們贏得MTV音樂獎的最佳組合及最佳歌曲獎（wonderwall），儘管他們沒有出席晚會。他們還得到MTV音樂獎最佳搖滾樂團的提名，但輸給了Smashing Pumpkins 。D'Arcy（Smashing Pumpkins 成員）說：“我很抱歉，因為Oasis應該得獎，因為他們是自Beatles以來最好的樂團。”但人們開始懷疑Oasis的穩定，因為 Gallagher 兄弟倆的爭執已不是什麼秘密了。有一次Noel說：“還好我們不是生在美國，因為我會用槍把他的腦袋打下來，但問題是，我不能開槍打他，因為我媽媽會殺了我。”但他們非但沒有解散，還掀起了一場新的Oasis狂潮。

1997年--'D'You Know What I Mean?發行的第一天就售出了160.000 張，但這並沒有什麼。'Be Here Now' 發行的第一天售出了350.000 張，成為英國發行第一天售得最快的專輯，雖然總量並沒有(What's the Story) Morning Glory?成功(全球銷量兩千萬)。

1998年--在舉行了一場可以算得上成功的巡迴演出後，經過和歌迷的衝撞以及由於在飛機上的不規矩行為而被宣佈為不受歡迎的乘客等一系列事件，Oasis只是以在家中看世界盃足球賽打發時間。後Noel為電影"x檔案"寫了一首歌，在這幾年前電影“烏鴉續集”也請過他寫歌，但遭到了拒絕，因為那時Noel只想為Oasis寫。

1999年--他們開始了新專輯的製作。四月，到法國錄音。八月，在專輯完成後Bonehead宣佈退出，其實他在三月份就決定了。兩週後Guigsy也離開了Oasis。年底的時候，樂團宣佈了新成員，在芝加哥的錄音棚他們第一次參加了樂團的演奏。

2000年--二月，單曲'Go Let It'發行後直登英國各排行榜榜首，成為Oasis第五張榜首單曲。三星期後專輯'Standing on the Shoulder of Giants' 發行，也成了榜首專輯，當被問到是否覺得專輯名稱太長時，Noel說“那時我們發行'(What's the Story) Morning Glory?'的時候他們也是這麼說的”。

三月，Oasis開始了他們的環球演出。五月，Noel宣佈不再參與Oasis的環球演出，直到今年夏天後在英國的演出。據說可能是因為和弟弟Liam的矛盾。但環球演出還將進行，代替Noel的是Matt Deighton，他和Gem一起演奏Noel的部分。至於Noel的和聲部分，在義大利米蘭的演出中，Liam把話筒對準了觀眾，讓他們替Noel唱。他一出場就對狂叫的歌迷說：“好了，沒人死了，冷靜些，我們開始吧。”當聽到他們喊Noel的名字是，他說：“Oasis是一個整體，不是一個人，要叫就叫Oasis吧”。應當承認Matt Deighton幹得還不錯，而且據說大多數義大利人甚至沒察覺Noel不再那兒。但是，沒有Noel，Oasis怎麼還會和以前一樣呢？

Oasis 是近十年來英國最受歡迎和最受評論家承認的樂團之一；他們在將英國的guitar-pop 推向頂峰的過程中起了不小的作用。

這個來自曼徹斯特的演唱組沿襲了 Stones 和 The Who 的粗糙灰暗的形象，融合了 Beatles 的曲調並帶有明顯的英國抒情色彩的主題。他們將這一切用吉他的吼叫聲串起來。而他們的挑釁式的譏笑可以和 Sex Pistols 的叛逆與 Stone Rose 的傲慢自大媲美。

起初，組合是由 Liam Gallagher，Paul "Bonehead" Arthurs， Paul McGuigan和 Tony McCaroll 幾個同學組成的. 他們最初是為 Stone Roses 做吉他伴奏。當 Noel Gallagher 回到曼徹斯特是發現他的兄弟成立了一個樂團後便提出要加入。但是前提是他能夠完全的控制這個組合，其中包括創作所有的歌曲；樂團的其他成員同意了他的提議並將樂團更名為 Oasis。

80年代流行金屬風行的時候，DOKKEN是其中的一支主要力量。主唱Don Dokken具有俊朗的外形和高亢的聲線，吉他手George Lynch的風格是沉重而富有活力的，在他們的聯合下，樂團在整個80年代創造了不少出色的流行金屬作品，有幾張專輯的銷量都達到了白金唱片。

實際上，從音樂本身來看，DOKKEN與BON JOVI、GUNS N' ROSES、POISON這些樂團是不同的，它更接近於RATT和MOTLEY CRUE的風格，雖然流行，但吉他Riff仍然具有足夠強硬的金屬感覺。

DOKKEN最早的雛形出現於70年代末，那時George Lynch和鼓手Mick Brown是在一起玩大的，在Don Dokken加入後，他們成立了The BOYZ樂團。

1981年，Don遷居到西德並與當地的Carerre唱片公司簽約，於是George和Mick也跟著來到西德，此時樂團更名為DOKKEN。兩年後，樂團發行了首張專輯Breaking The Chains，雖然專輯在美國並沒有引起注意，但在歐洲卻獲得了很大的成功。雖然此時樂團的風格還比較幼稚，但正如多數流行金屬樂團一樣，他們的首張專輯至今仍然是最令人興奮和激動的一張。

在成功進行了德國巡演之後，DOKKEN和Elektra唱片公司簽約，而Jeff Pilson也作為第一個固定的貝司手加入了樂團。

1984年，樂團的新專輯Tooth And Nails(這張推薦！太棒了！)終於大獲成功，隨著Alone Again，Into The Fire和Just Got Lucky這些歌曲在MTV和電臺的滾動播出，整張專輯在美國突破了百萬銷量。

在跟隨老牌金屬樂團SCORPIONS結束了巡演之後，樂團在新的一年裏錄製了他們的第三張專輯Under Lock And Key，和上一張專輯的命運相同，在幾首暢銷單曲（In My Dreams和It's Not Love）的推動下，專輯銷量突破了一百萬張。

1987年的新專輯Back For The Attack同樣是一張白金唱片，此時的DOKKEN已經躋身於世界級樂團之列了，他們活力十足的音樂對任何歌迷來說都是難以抗拒的，對於日本歌迷來說更是如此。對於歐美樂團來說，日本一直是一個龐大的市場，而且歌迷的狂熱程度甚至更是有過之而無不及，有些樂團甚至在一段時間裏把日本當作主要市場，例如Yngwie Malmsteen和HELLOWEEN。

日本良好的音響設備和狂熱的歌迷也成為金屬樂團錄製現場專輯的最佳選擇地，JUDAS PRIEST和DEEP PURPLE都曾在東京錄製經典的現場專輯，現在輪到了DOKKEN，他們同樣在日本錄製了一張非常精彩的現場專輯Beast From The East。

這張專輯可以說是流行金屬界最出色的現場專輯，因為它除了具有良好的音質和熱烈的氣氛外，隊員的技術發揮更是異常穩定。

在日本現場專輯發行後，Don試圖嘗試一些更柔的東西，而George則希望把音樂做得更複雜，於是他們終於分道揚鑣。Don和UP FROM THE ASHES樂團聯合起來，以個人名義在1990年發行了一張專輯，同年George Lynch的新樂團LYNCH MOB（包括了DOKKEN的鼓手Mick Brown）也發行了一張專輯，兩張專輯都沒有能夠獲得成功。不過LYNCH MOB的專輯在幾年之後逐漸獲得了一些金屬迷的尊重，因為其中George有著超乎尋常的精彩表現，而且他的音樂也比DOKKEN要重得多。

樂團不幸地選擇了錯誤的時候進行重組，也就是1992年，重組後他們一直被Grunge壓著，直到1995年才得以推出新專輯Dysfunctional，這張夾雜了Grunge和另類搖滾的怪胎沒有獲得任何人的好感。

1996年樂團加入了CMC公司，同年的Unplugged專輯One Live Night和1997年的Shadowlife專輯仍然是柔弱乏力和不知所云的。

面對無望的DOKKEN樂團，吉他手Goerge Lynch終於再次離開樂團，重組了自己的LYNCH MOB樂隊。替代他的是UP FROM THE ASHES樂團的吉他手John Norum，顯然他的技術和創造力無法和Goerge相比，所以不久後就被開除了。新的吉他手，著名的Reb Beach（曾為Alice Cooper和WINGER樂團演奏）替代John Norum加入了樂團，樂團的發展有了新的希望，DOKKEN在1999年的最新專輯Erase The Slate又回到了簡簡單單的流行金屬，伴隨著世紀末的重金屬回潮，這張專輯也獲得了一定的成功，至少它讓我們再次看到了十幾年前揮灑自如的DOKKEN樂團。

之後，DOKKEN發行了新的現場DVD Live From The Sun，不過由於Reb Beach離開了樂團去發展自己的個人計畫，DOKKEN不得不再次找來John Norum並錄製了新專輯Long Way Home。由於John Norum依舊表現不佳，他再次被開除。幸虧Jeff Pilson想起以前認識的吉他手，前WARLOCK樂團的Jon Levin，雖然他已經多年沒有彈琴，但還是很快適應了這份工作。

樂團的新專輯Hell To Pay於2004年7月發行，DOKKEN的路還要繼續走下去！

在60年代的英國樂壇以“Beatles”樂團為發端的搖滾樂新時代裏可謂群雄並起，爭奇鬥豔。除了“Beatles”和“Rolling Stones”樂團， 最有個性，也最引人爭議的就是“The Who”樂團 了。

 “The Who”樂團於1964年在倫敦成立，它的4位成員是：主唱Roger Da- ltery；貝司手John E- ntwistle；鼓手Keith Moon；Peter Towns- hend則是的核心人物，是吉它演奏家和詞曲作家。

在樂團生涯的數年中，經理人換了許多，樂團名稱也相應換了數次，而樂團成員卻始終如一，配合默契。在兩位經理人的先鋒創意下，樂團正式定為“The Who”，逐漸確立了A Sonic Brighton的音樂風格，以音色異常嘈雜喧囂的個性特徵立于樂壇。

1965年，樂團憑藉一曲《I can't Exp- lain》登上了英國流行歌曲排行榜，之後的幾張專輯《My generation》，《The Who's Sell Out》以及《Magic Bus》也有不錯的成績。

The Who 對搖滾樂所作的最重要的貢獻 在於他們創作並主演的搖滾歌劇《Tommy》，它開創了流行藝術更為廣泛的領域。當1967 年這部歌劇在紐約上演時，立即引起了人們的關注。

在以後的蒙特利爾搖滾藝術節上，它可謂出盡風頭。 70年代，The Who 作品不斷問世，但在專輯《Who Are You》推出僅1個月後，Keith Moon由於服用過量麻醉劑身亡，這給樂團蒙上了難以消減的哀傷。樂團難以重振昔日雄風，在1982年最後一次大規模的巡迴演出後，樂團成員各奔東西，離開了這個曾帶給他們辛酸和榮耀的團體。

一支典型的流行重金屬樂團，流暢的旋律和優美的和聲是樂團的特徵之一。

音樂中的優美旋律令樂迷們對重金屬音樂有了新的認識，無數熱血青年受DEF LEPPARD音樂的引領步入重金屬的殿堂，而這一點也成了一些評論家和重金屬狂熱者攻擊的目標。

音樂發展到今天，已經漸漸偏離了本性，流派類別之爭非常激烈，搖滾看不起流行，流行當PUNK是垃圾，其實大可不必如此。音樂原本就只是一段供給人欣賞的旋律加節奏的合成體，因此只應該有好音樂和不好音樂之分，而不應該硬性的歸結流派。

任何一支樂團或歌者都是有其自身特點的，如何分的那麼清楚？？有些樂團甚至是無法化入任何流派的 (小弟認為小紅苺就是其中之ㄧ)，因此，一支樂團只要他的音樂動聽入心，那他的音樂就絕對有理由得到尊重。Def Leppard就是Def Leppard 風格。

Def Leppard成立於1977年的冬天，前身ATOMIC MASS樂團，1978年7月18日樂團第一次登臺演出是在謝菲爾德的中學韋斯特菲爾德，他們的報酬是一位老師自掏腰包的5英鎊。1978年 Def Leppard在自己創建的公司推出首張同名專輯《Def Leppard》，由於資金原因，這張EP唱片只製作了1000份拷貝，時至今日，這張唱片已成為搖滾迷們渴望已久的藏品。

隨後Def Leppard開始走向成功，並成功殺入美國。

然而一系列的災難降臨到樂隊身上，吉他手酒精中毒病故，鼓手酗酒被開除，鼓手ALEN發生交通事故，左臂被齊肩切斷，但ALEN以驚人的毅力和頑強的意志重返樂團，利用腳和手的合拍性苦練特地為他定做的電子鼓 (還打的很屌咧！)，並成了樂團的靈魂人物，ALEN用這種超強毅力和音樂執著寫了真正的搖滾精神。

華麗現場搖滾樂團Kiss用自己卡通、奇特的裝扮，成為70年代眾多年輕人競相追逐的偶像。

Gene Simmons以及Paul Stanley在Wicked Lester樂團的基礎上成立了Kiss樂團。他們通過《Rolling Stone》雜誌刊登廣告雇傭了鼓手Peter Criss、以及吉他手Ace Frehley。在每次演出時，Simmons裝扮成為蜥蜴般的魔鬼，Stanley則面塗星型，Frehley則是外星人裝扮，Criss是貓人打扮。

在樂團的第三次現場演唱會之後，電視製作人Bill Aucoin幫助他們和Casablanca公司簽約。不久就發行了三張專輯：1974年的《Kiss》、1974年的《Hotter Than Hell》以及1975年的《1975》之後進行了一系列的演出。

1975年的現場專輯《Alive》，樂團瞄準了主流聽眾群體，這張專輯成為了專輯排行版的的第七名，創造了入圍單曲版前20名的單曲“Rock and Roll All Nite”。正是這只單曲將70年代年輕人的目光轉移到了樂團身上，Kiss也成為了70年代最具影響力的搖滾樂團之一。1976年的專輯《Destroyer》是樂團首張獲得白金銷量的專輯，主要得益於Criss的單曲“Beth”，這只單曲是Criss獻給自己妻子的，名列單曲版的第七名，也是樂團的經典之作。

1976到1979年是Kiss樂團最“火”的歲月，樂團創造了一連串的白金級專輯，包括1976年的專輯《Rock and Roll Over》，1977年的《Love Gun》以及《Alive II》，1979年的《Dynasty》。在此期間，Kiss樂團就是創造利潤的機器：市場上都是Kiss的面具；Kiss的桌棋遊戲；關於Kiss樂團的喜劇書籍以至於關於Kiss的電影《 KISS Meets the Phantom of the Park》；各地的Kiss歌迷俱樂部數量更是成百上千。

儘管Kiss每年平均都推出2、3張專輯，但這仍然不能滿足樂迷的需要，這使得樂團不得不於1978年分別推出樂團成員的總共四張個人專輯！

在80年代初，樂團的知名度開始下降。1980年Criss離開樂團開始自己的單飛生涯，Eric Carr接替了他的位置。

1981年的專輯《Elder》顯示了樂團音樂風格的轉變：這張歌劇式的專輯請來了管弦樂隊和唱詩班，毫無疑問這是一張失敗之作，只賣出了五十萬份的銷量。Frehley第二個離開樂團，他的位置由吉他手Vinnie Vincent取代。

之後的專輯《Creatures of the Night》同樣也沒有獲得黃金級的銷量。樂團發現是應該有所行動的時候了，他們開始自己管理樂團的經營，1983年的專輯《Lick It Up》終於獲得了白金銷量。在接下來的時間裏，樂團頻繁更換吉他手並發行了一系列成功的專輯。

1993年的《Hard to Believe》，是一張另類作品，其中包括了Nirvana樂隊的單曲“Do You Love Me?”。1994年的專輯《KISS My Ass》就更加的偏向主流音樂。

1996年Kiss樂團的幾位元老成員：Simmons, Frehley, Stanley以及Criss因為錄製專輯《MTV Unplugged》又走到了一起，1998年推出了專輯《Psycho-Circus》，這張專輯收錄了樂團70年代的眾多經典之作。

Slash's Snakepit 樂團介紹

槍與玫瑰在1991年發行了著名的Use Your Illusion，又在1993年錄製了PUNK翻唱專輯The Spaghetti Incident。然而此時樂團卻出現了裂縫。Slash自己組建了一支樂隊Slash's Snakepit，由鼓手Matt Sorum，吉他手Gilby Clarke，貝司手 Mike Inez 和主唱 Eric Dover組成。

Slash和Dover在兩星期之內為籌畫中的專輯寫出了12首歌。當Rose聽到這些歌時曾想要來為槍與玫瑰所用，但由於先前當Slash把歌曲的DEMO給Rose時已被拒絕，所以他沒有答應Rose的要求。

1995年這支樂隊發行了專輯It's Five O'Clock Somewhere。而巡演陣容則稍有不同，請來了Brian Tichy和James Lomenso。

1996年，樂團又以新面孔Slash's Bluses Ball參加了在布達佩斯舉行的BLUES音樂節，樂團成員有主唱Teddy Andreadis，節奏吉他 Bobby Schneck ，薩克斯 Dave McClarem，貝司手Johnny Griparic和鼓手 Alvino Bennet。

此時關於槍與玫瑰的狀況已是流言四起。當時的Slash仍是槍與玫瑰的一員，但他對擔任當時世界上最走紅也最具爭議的樂團的主音吉他手已感到厭倦，他發覺Snakepit反而能給他更自由的空間。在為期兩年的馬拉松般的Use Your Illusion世界巡演之後，他對Snakepit的小場演出興趣十足。

1996年，Slash終因不願和Axl Roses一起走工業電子音樂路線而離開了樂團。但他表示只要Rose重新回到以吉他為主的搖滾路線，他仍願意回到樂團。

1999年，Slash重組Snakepit樂團並再次換血，新陣容有鐵嗓主唱Rod Jackson，吉他手Kerri Kelli，貝司手Johnny Blackout，前Venice鼓手Matt Laug，和鍵盤手Teddy Andreadis。

在2000年10月發行了專輯Ain't Life Grand。這是一張純粹的硬搖滾專輯，它是Slash堅持Blues Rock路線的宣言。

The Cranberries(小紅莓樂團)介紹

一個來自愛爾蘭 (以英語為主要語言的歐洲音樂重鎮)的另類知名搖滾樂團組合，可以算是20世紀90年代初在英國另類流行圈裡較為成功的一支樂團，與U2、Sinead O'Connor、Enya等一樣，都是帶領愛爾蘭音樂走向世界的重要力量。

The Cranberries受到人們喜愛與女主音Dolores是分不開的， 在成立以前，三個主要成員Noel， Mike和Fergal都是在一個名叫"The Cranberry Saw Us"的樂團中幹了大約半年，後來，這個樂團的主唱Nial因為個人的原因，決定退出，為了不影響樂團的正常發展，他把他的一個好朋友推薦給了樂團，這個人後來成了小紅莓樂團最重要的人物，她就是Dolores (桃莉絲)，全名為Dolores Mary Eileen O'Riordan，在嫁給巡迴演出經紀人Don Burton後，改名為Dolores Mary O'Riordan Burton，她出身於一個天主教家庭，三歲起就開始唱歌，因此念就了一副天使般的嗓子，十幾歲的時候，她已開始彈鋼琴並且自己作曲，另外也有了組建樂團的一些想法，於是上帝的安排，使Dolores與這幫急於找到一個新搭檔的傢伙走到了一起，她一流的演唱水準很快就得到了另外三人的認同，高亢有力的嗓音及其獨特的愛爾蘭花腔可以說是樂團的招牌，她獨特的咽音發聲，更是受到後來的一些女歌手相繼的模仿，如：王菲等人，為了有個新的開始，他們一起組建了新的樂團，取名就叫The Cranberries，時間是在1990年5月…

樂團起初在英國的影響不大，但是單曲《Linger》在美國成功地成為1993年熱門歌曲…這使樂團在英國也取得巨大成功，1993年，The Cranberries的首張專輯《Everybody Else Is Doing This,So Why Can’t We?》發行，至今銷量已超過700萬張。單曲《Dreams》也曾被王菲翻唱成《夢中人》…

ROBER SMITH，一個創造了THE CURE那瘋狂、異常的音樂世界的歌手，一個在十四歲大還穿著校服時，就因其惡行為被開除學校的男孩，一個夢想在永不停止的音樂聲中尖叫狂笑，在懸崖絕壁上蹣跚漫步的瘋子。

SMITH，一個來自CRAWLEY的男孩，如今已賣出了兩千四百萬張唱片，而且是一個只需要在MTV上剪短頭髮，就能讓許多人感到痛苦的男人，他把他個人的一切都神秘的隱藏在他那引人注意的蜘蛛網般的黑髮和血紅的嘴唇後面，而對於聽過他的音樂的人來說，不管是一直用他的歌聲伴隨著你的人聲,還是偶爾走過他的道路，你都會感受到一個魔幻般的世界…

SMITH的路程開始於1959年四月二十一號的BLACKPOOL，但還在他幼年時全家就搬到了CRAWLEY.他個人的思想也就萌芽於城市的邊緣，六歲時，他從他的哥哥RICHARD開始學習吉他和弦，十四歲時與同學LOL TOLHURST，MICHAEL DEMPESY一起組成了名為EASY CURE的樂隊，他們的第一DEMO，包括一首有點模仿ALBERT CAMUS的"THE OUTSIDER"的名為"KILLING AN ARAB"的歌曲，到了POLYDOR唱片公司的CHRIS PARRY的手中，被這首歌深深打動的 PARRY，在1978年12月通過獨立唱片公司SMALL WONDER為THE CURE出版了一張限量發行的單曲唱片，而當時離開 POLYDOR，組建了FICTION RECORDS時，也同時把THE CURE帶到了新公司，直到現在。

1975年二月，FICTION再版了"KILLING AN ARAB"，樂團也開始了巡迴演出，他們個性分明，富有哲理充滿迷幻的音樂向其時流行一時的PUNK樂隊發起了挑戰，SMITH為THE CURE的音樂建立起了一個與眾不同的標誌，隨後THE CURE出版了第一張個人專輯"THREE IMAGINARY BOYS"。這張專輯中THE CURE第一次表示了他們在音樂中的基本態度！來自郊區的年輕人對市區的反感和對抗。

在1979年，ROBER SMITH為自己的演唱生涯打開了成功之門，不止是經歷了漫長的巡迴演唱會，並錄製了兩支單曲"DON'T CRY"和"JUMPING SOMEONE EESE'S TRAIN"。而且當THE CURE與 IOUXSIE和THE BASHEES共同舉行巡迴演出期間，ROBERT SMITH常常一晚要出場兩次，除了在THE CURE中演出，還要在THE BANSHEES中出任吉他手和詞曲創作者，而當MICHAEL DEMPSEY被SIMON GALLUP取代，又加入了鍵盤手MATTHIEU HARTLEY後，THE CURE在1979年末，也登上了一個新的歷程。

隨後THE CURE出版了第二張專輯"SEVENTEEN SECONDS"，這張專輯使THE CURE在黑色歌特式的音樂創作方面開闊了新的領地，並出現了樂團的第一首熱門歌曲"A FOREST"。憑藉這首歌，專輯進入了排行榜前二十名，THE CURE也成為了一這真正的熱門樂隊，並在歐洲和亞洲舉行了一次巡迴演唱會，但就在這期間，MATHIEU HARTLEY 離隊，THE CURE又回到了三人組合。

大概是因為樂團成員的頻繁更換，這是樂團對未來產生了莫名的恐懼，害怕失敗，害怕解散，甚至害怕沒人為他們發行以後的專輯。

1981年的"FAITH"中強烈的幽閉感和對此的恐懼體現了樂團當時的心態，所幸的是這張專輯爬上了英國排行榜的第十四，比前兩張專輯更為成功。單曲"PRIMARY"也同樣取得了成功，儘管樂團並未擺脫那種歇斯底里的情緒對他們的影響。

1982年推出的PROGRAPHY卻成為了八十年代最具標誌性的唱片之一。但這也似乎預示著樂團將走上不可避免的一步，在巡迴演唱會即將結束時，一切終於發生了，SIMON GALLUP宣佈離隊，同時LOL TOLHUREST也拒絕再作為樂團的鼓手，而要改做鍵盤手，但這次THE CURE挺過來了，在吸引了新鼓手STEVE GOULDING後，THE CURE在年末推出了一首新單曲，帶有舞曲風格的"LET'S GO TO BED"就在此時，另一位對THE CURE有著重大影響的人TIM POPE在拍攝這首歌的MTV時出現了，TIM POPE是一位與眾多樂團合作過的MTV導演，他說："THE CURE也許是你所能遇到的樂團中最愚蠢的合作夥伴，但他們又是最充滿智慧的樂團。"

在1983年的"THE WALK"成為排行榜第十二名後，SMITH終於知道他已經擺脫了錄製"PORNOGRAPHY"時的絕望與憤怒，而能夠以一種正常的思想去探索更多的未知的音樂。SMITH花了更多的時間與失去了吉他手THE BANSHEES，在一起並錄製了一張名為"HYAENA"的專輯和一張現場演唱會錄音EP.但同時，THE CURE在吸收了新鼓手和貝斯手後，以一種全新的姿態出現在公眾面前，並推出了THE CURE最著名的一首歌"THE LOVECATS"，這首帶有爵士風格的歌曲登上了排行榜第七名，這次成功不但表明SMITH的歌曲創作達到了一個新的高潮，而且也為他們贏得了更多的歌迷，但這些成功並不意味著THE CURE已經完全忘記了曾長時間盤踞在他們心中的緊張和恐懼。

1984年推出的"THE TOP"就是對此的一段回憶，這張專輯給人的感受如同是一輛疾馳的過山車在絕望中穿越過性和死亡，就在"THE TOP"上到專輯榜第十名時，其中的一首單曲 "THE CAPERPILLARS"，一首描寫在黑暗與絕望中的短暫甜蜜的歌曲也上到了單曲榜第十四名，不久THE CURE又有了新的變動，ANDY ANDERSON和PHIL THEORNALLEY先後離隊，自行發展，取代他們的是鼓手BORIS WILLIAMS和吉他手PORL THOMPSON，同時原來的貝斯手SIMON GALLUP也回到了隊中。

1986年五月，樂團為打開美國市場在美國出版了一首單曲"THE HEAD ON THE DOOR"，這似乎成了成功的前兆，美國媒體顯然被ROBERT SMITH的個人神秘魅力所吸引，稱他為"THE MALE KATE BUSH(男人中的KATE BUSH)"，而當SMITH剪掉他一頭蜘蛛網般的頭髮時，人們還為此感到沮喪。

到了1987年，樂團又有了新的成員鍵盤手ROGER O DONNELL，而此時THE CURE也成立十年有十年之久了，在這十年中，他們共售出了八百萬張唱片，為了紀念這一切，THE CURE出版了一本名為"TEN IMAGINARY YEARS"的書，詳細記載了這傳奇般的十年。

樂團的下一張專輯是一張名為"KISS ME KISS ME KISS ME"的雙唱片，整張專輯充滿了無盡的想像力和喜怒無常的感情，不論是痛苦還是幸福，THE CURE的演繹都是如此的出色，隨後推出的四首單曲"WHY CAN'T I BE YOU?""CATCH""HOT HOT HOT!""JUST LIKE HEAVEN"成為了美國各地獨立電臺的熱門曲目，THE CURE也突然成為美國最走紅的樂團之一。

但1989年，樂團與LOL TOLHURST的關係變得越來越糟，這直接導致了TOLHURST的離開，對於THE CURE來說，這也許是最不應該發生的事，畢竟TOLHURST從樂團建設時就在樂團中，他的離開是每個人都不願看到的，也許是受此事的影響，樂團的新專輯名為"DISINTEGRATION(瓦解)"，這是一張帶有著神秘和憂傷的專輯，在熱門單曲"FASCINATION STREET" "LULLABY" "PICTURES OF YOU"和"LOVE SONG"的驅動下，"瓦解"升到了BILLBOARD的第二位，為此THE CURE 在美國進行了巡迴演出，但在演出結束後，ROGER O DONNELL離開了樂團，取代他的是PERRRY BAMONTE。

1990年樂團出版了一張名為"MIXED UP"的混音專輯，包括了熱門歌曲"NEVER EOUGH"和PAUL OAKENFOLD的經典歌曲"CLOSE TO ME"和翻唱混音版，更令人興奮的是樂團在次年的二月的英國音樂頒獎典禮上獲得了最佳樂團獎。

不過最令THE CURE感到自豪的是他們在1992年推出的"WISH"。這張專輯獲得了前所未有的成功，不僅僅是因為被眾多的樂評人認為是他們最好的一張唱片，而是因為ROBERT SMITH在這張專輯中通過一首首歌曲將他多變的性格和夢想完完全全的表達出來，並建立起了一個完全屬於他本人和THE CURE的世界，就如他自己所說的"我們做的越久，就會和別人離的越遠"。在商業上WISH也獲得了巨大的成功，英國的第一名和美國的第二名，還湧現了熱門歌曲"FRIDAY I'M IN LOVE " "HIGY" "A LETTER TO ELESE"。

1993年對THE CURE來說是喜憂參半的一年，樂團出版了多張現場演唱會專輯，包括唱片和錄影帶，並將其中一部分收益捐贈給了國際紅十字會，至此，樂團在全世界已經售出了超過兩千三百萬張唱片，但樂團成員的頻繁變動的問題仍在繼續。PORL THOMPSON也離開了樂隊。

而1994年則無疑是艱難的一年，儘管樂團和FICTION唱片公司在一場與LOL TOLHURST的官司中最終獲勝，但這也嚴重分散了他們的精力，而就在樂團即將推出新專輯的前夕， BORIS WILLIAMMS向媒體宣佈了離隊的消息，樂團在無奈之下只有在一份報紙上刊登了這樣一篇廣告"著名樂團徵求鼓手(非重金屬)。"而最終竟先後有至少七名鼓手在樂團新專輯的錄製過程中被使用。

直到1995年春天，這一問題才得以解決，JASON COOPER成為了樂團的正式鼓手，另一方面，ROGER O DONNELL也回到了隊中。

1996年二月，樂團終於推出了名為"WILD MOOD SWINGS"的專輯，正如他們在92年的"WISH"中將他們零散的音樂靈感融會成一個完美的整體一樣，在 "WILD MOOD SWINGS"中，THE CURE將他們的音樂推向了一個新的領域，表達著欲望與沮喪的共存，正如標題所顯示的，THE CURE歌迷邀請進了一個充滿想像力的巨大的空間在那，一切都會在瞬間改變，安全，危險，幸福，憂傷都沒有任何界限，在舉行完"SWING"巡迴演唱會，並第一次在美國的電視網上演出之後，樂團決定來一點小小的改變，他們推出一張名為"FIVE SWING LIVE"的限量發售的EP唱片時，沒有按照慣例在唱片店發售，而是在他們的INTERNET網址上向那些深愛他們的歌迷出售，這也使得這張唱片成為了一張罕見的收藏品。

1997年一月，ROBERT SMITH被邀請參加了在紐約麥迪森廣場舉行的搖滾名人殿堂五十周年紀念會，同時參加的還有DAVID BOWLE，LOU REED，FRANK BLANK，FOO FIGHTER和BILLY CORGAN，SMITHE還與DAVID BOWLE在一起合唱了七十年代的名曲"QUICKSAND"。同年夏天，THE CURE到了美國參加在LOS ANGELES舉行的KROQ WEENIE ROAST 音樂節。在那，他們受歡迎的程度甚至超過了OASIS，BLUR，FOO FIGHTER和OFFSPRING這些大紅大紫的新樂團，ROBERT SMITH在舞臺上還宣佈即將發行一張收集了從1987到1997年的所有THE CURE的單曲的精選集，作為THE CURE從一直默默無聞的地下樂隊到一支名聞天下的殿堂級樂隊的全過程的紀錄，在這張名為"GALORE"的精選集中收錄了THE CURE過去十年中最著名的歌曲，以及一首名為"WRONG NUMBER"的新歌。

在THE CURE二十年的演唱生涯和兩千五百萬張唱片銷量的背後，THE CURE依然是他們遍佈全球的歌迷心中的力量源泉，作為一支非主流音樂的先驅者，他們深深影響了許多後來的樂團，如SMASHING PUMPKINS"和"THE CRADGANS" 等。

就像所有偉大的搖滾樂團一樣，THE CURE用音樂在搖滾樂的歷史上烙上了他們的印記，成為一代人的代言人！

WoodStock1969音樂節 - 3 days of Peace and Music

Days Of Love And Peace，還記得Woodstock搖滾音樂節嗎， 在1969年8月15 日，第一次的音樂節舉行，Jimi Hendrix, Santana, Sly and the Family Stone, Joan Baez, Janis Joplin等眾多藝人參加了這次為期三天的搖滾音樂節，約有40萬以上的年輕人參加，其特徵是反習俗的服裝與行為，自由戀愛，毒品，以及在泥漿中打滾兒。

在1969年8月15 日，有著45萬以上的年輕人，聚集在Woodstock，美國東北部一個人口不足一萬的小鎮。 以“和平”和“音樂”的名義在此狂歡。從此，Woodstock成為搖滾樂的聖地。

1994年，遵循當初25年一次的諾言，Woodstock音樂節再次舉行。不少當年的嬉皮士、現在的美國社會中堅，脫下襯衣、西裝和領帶，在這裏與他們的下一代一起狂歡。

1999年，或許是以紀念伍德斯托克30週年的名義，或許是以其他名義，Woodstock音樂節再次舉行。懷舊的衝動需要精力與熱情來支撐，所以“Woodstock99”真正成為年輕人的狂歡。

這張<<3 days of Peace and Music>>DVD就是1969年的現場 LIVE 剪輯版! 發行後即獲當年最佳音樂記錄大獎，成為世界音樂愛好者(還應該說是自由與和平愛好者)的珍藏之作。

Ø        歷史：

三十年前，最後一批滿身泥垢的年輕人撤離了馬克思‧雅斯格泥濘的牧場，它宣告了一個歷史上最不同尋常的音樂節的結束。同時，對於其具有何種歷史意義的爭論也就此開始。真誠的“信徒”稱其為一個時代的頂峰，認為它對人類思想的解放作出了巨大的貢獻；而“挑剔者”則將它視為一個天真無邪的時代的滑稽收場。

1969年舉辦WOODSTOCK MUSIC AND ART FAIR吸引了四十五萬觀眾。三天的時間裏，他們在蘇利文縣的牧場締造了一個嬉皮士的獨立王國。在這裏，人類的感知世界被徹底地打開，吸食毒品是合法的，性愛是自由的。音樂節於當年八月十五日下午五點零七分正式開始，持續至八月十八日上午結束。它引發了紐約州有史以來最嚴重的交通堵塞，通向紐約州的高速公路被迫關閉。美國相當多的州縣在此之後立法以禁止類似活動的再次舉行。

在為期三天的音樂會期間，共有5162件治療病歷備錄在案，其中包括797件屬於濫用毒品引發的病症。儘管沒有嬰兒出生的記錄，但當時在現場的阿布魯醫生透露至少有八例流產的情況。在這份記錄中，有兩人因吸毒過量而死亡，還有一位被拖拉機誤碾的比紮。當年秋天，蘇立文縣大陪審團宣佈，拖拉機司機因為沒有足夠的證據無法確認，被免於指控。另一件由州律師辦公室開展的調查持續至1970年初，結果是音樂節組織者必須向12000至18000人退還票款，這一萬多人買了票，但因當時交通嚴重堵塞而沒能到達現場。

和其他為數不多的歷史事件一樣，“WoodStock”已成為某類文化現象的代名詞。正如“水門”（WATERGATE）暗示著公眾信任危機，“滑鐵盧”（WATERLOO）代表慘烈的失敗，“WoodStock”指向的是彌漫於六十年代的縱欲及享樂主義。

WoodStock由此而成為象徵反叛精神的搖滾樂的聖地，儘管1994年和1999年純粹為商業目的而舉辦的後兩屆音樂節已完全喪失了“60年代精神”，但無數反叛的青年還是能從搖滾樂中找到他們永遠的訴求。

Ø        背景資料：

WoodStock音樂節，全稱“Woodstock Rock Festival“，是目前世界上最著名的系列性搖滾音樂節。最早舉行於1969年，主題是“和平、反戰、博愛、平等”。規模與陣容史無前例，而且這也是歷來少見銅臭味兒的一次音樂節，標榜“音樂與藝術的結合”。之後舉辦的無數次音樂節大部分是想實踐Woodstock精神，積極籌辦公益性演唱會，同時抒發了年輕人對音樂的狂熱。

Woodstock的出現與當時的時代背景有很大關係，60年代中晚期，戰後的思潮很激烈，年輕人有足夠的見解卻不被重視，挫折感與避世感頓生，他們渴望一種與世無爭、和平、平等的世界，消除貧富差距、反建制，Woodstock應運而生，而它的超前成功又使青年人重拾信心，在Woodstock精神中加入一條積極上進的因素。

1969年，到至今已經有30多年的時間了，而且給人類（或者是美國人）留下2個深刻的記憶。當時在冷戰的情況下戰勝前蘇聯，並有一個叫Armstrong人在人類史上第一次登陸月球，而在月球上無法看到的名叫Woodstock地方在`3 Days of Peace & Music`口號下舉行了盛大的音樂節。人類在為越來越進步的科技而歡呼之時，另一方面有很多人為音樂而歡呼，是一個非常有趣的一年。在Woodstock音樂節之前美國已經舉行過很多搖滾音樂節，但提起足球就能讓人想起世界盃一樣，一談到搖滾音樂節那大家肯定會說到Woodstock音樂節。

為什麼呢？1969年美國內外社會矛盾非常多，人權問題、針對參加越南戰爭而出現的反戰爭示威等等，所以當時美國社會非常混亂。60年代初的年輕一代反叛精神比較弱，二戰以後出生的baby boom時代人參加所謂`Flower Movement`，而且之後被人們稱之為hippie族。他們整天喊著反戰、愛情、和平，但他的真正意義並不是積極參加到社會，而是回避者、追求夢幻世界的消極階層。雖然是這樣的背景，但4個年輕人自己出錢並策劃舉辦了1969年8月15日Woodstock音樂節。

音樂節的名字來自即將要舉行的場所地名Woodstock，但實際上因為當地政府和居民的反對，演出一度陷入被取消的危機，但住在臨近地方的叫Max Jasger的人提供了自己的農場，所以經過很多曲折演出終於如期舉行了。Woodstock音樂節舉行的3天時間裏（實際演出到18日早上應該算是4天），Woodstock聚集了數十萬名（實際可能在45萬以上）觀眾一同盡情欣賞演出，幾天的演出屬於他們自己的共和國、解放區。當時的政府對此活動非常不滿，而且輿論的態度也不是很好，但hippie為主的觀眾在惡劣的天氣和環境下沒有發生任何事故，反而他們還過癮了屬於自己的小世界。與最近舉行的亂糟糟的Woodstock演出相比，我們可以隱隱約約能猜測出當時觀眾們的世界觀。當時最著名的很多藝人們參加了當時的演出。

Jimi Hendrix因唱了類似嘲笑美國的音樂，所以得到了觀眾的歡呼，而Janis Joplin的熱情歌唱也給觀眾留下深刻的印象。大家能聽到Crosby, Stills & Nash和Neil Young的美妙合音和folk女王Joan Baez的豪爽的歌聲，而且現場音響中還傳出黑人fokl的醇厚的歌喉。演出中有美國人非常喜歡的Grateful Dead初期柔軟的迷幻般的歌曲，還有Jefferson Airplane的初期出道歌曲。Melanie也不能不說，而且從英國專程來參加的Ten Years After和The Who在演出之後更加出名了。之後以3張LP銷售的演出實況專輯（CD是2張）感覺像是Joe Cocker以完全自我形式歌唱Beatles的`With a little help from my friend`，一起與觀眾共呼吸並直接反映了Woodstock音樂節的氣氛，而且把Mountain, CCR, Canned Heat, Santana, Iron Butterfly, Sly & The Family Stone等所有風格的搖滾音樂加入到一起。但是提出音樂和和平的短暫3天過去以後，隨之大家慢慢就回到了從前的生活，這可能也是Woodstock音樂節所留下的遺憾。雖然在當時的年代裏很多人都認為此演出很無聊，但給那一代和下一代人們留下了神話般的記憶，這可能是因為舉辦者的單純目的得到了大家的共鳴。沒有商業性的目的，而且在急進的世界觀中展開，所以在3天的時間裏大家感受到了最純潔搖滾的自由世界。

對搖滾的純潔熱情和對和平的渴望，這就是Woodstock音樂節！

Santana樂隊1969年的烏茲塔克音樂節上，一股火暴的熱帶風情征服了數已百計的觀眾，這就是Santana樂隊和他的拉丁音樂，他們為世界搖滾樂注入了火一樣的熱情。

Santana樂隊1966年在三藩市組建時其實是一個布魯斯樂隊，當時的樂隊成員除了領導者Corlos Santana以外，還有鍵盤手Gregg Rolie、吉他手Tom Frazer、鼓手Rob Harper和貝斯手David Brown。通過一段時期在海灣地區的演出，逐漸傾向於拉丁風格。

不久，Frazer和Harper離隊，鼓手Michael Shrieve和打擊樂手Mike Carabello加入，新的樂隊組合仍然繼續完善著他們的拉丁風格搖滾樂。1968年到1969年，Santana樂隊先後參加了三藩市費爾莫禮堂演出和烏茲塔克音樂節，這些為Santana樂隊成為職業化的世界一流搖滾樂隊奠定了堅實的基礎。

同是69年，Santana樂隊簽約於哥倫比亞唱片公司，12月，樂隊首張同名專輯高居排行榜第四位，並銷出100多萬張。1970年，同樣賣出百萬張的第二張專輯《Abraxas》高居 排行榜達六個星期。而1971年的《Santana Ⅲ》更是打入排行首。這一切使世界搖滾樂迷發現熱情的拉丁音樂魅力之所在。

正當樂隊順利發展的時候，Santana樂隊成員們卻開始蠢蠢欲動。1971年，Brown、Areas和Carabello相繼離開了樂隊，樂隊因為無法支持而解散。但是Corlos Santana卻仍然以他卓越的才華和對拉丁音樂的熱情，繼續著他的有演藝事業，72年錄製了《Corlos Santana And Buddy Miles Live!》專輯，並獲得了排行榜第八位的成績。

Santana是一個了不起的音樂家。進入70年代，他被爵士樂深深的吸引並影響著。從他的專輯《大旅舍》、《歡迎》和沒《睡蓮》中，都可以感覺到帶有爵士風味的拉丁風格搖滾樂。

70年代Santana在搖滾樂壇上一直長盛不衰，他的專輯《節日》、《內心秘密》《銀夢》和歡《樂的搖擺》充分顯示了他對搖滾樂、爵士樂及拉丁音樂有著很深的理解，而全美及世界的巡演又使Santana擁有了成千上萬的擁戴者。

進入80年代，Santana仍然出現在各地舞臺上，他的專輯也倍受矚目。Santana也是一個傑出的吉他演奏家，1989年他的個人專輯《為薩爾瓦多的布魯斯樂》獲得了葛萊美最佳搖滾樂器樂演奏獎。直到今天Santana依然是世界搖滾樂壇上極為重要的人物之一, 是他將拉丁音樂用搖滾形式搬上了舞臺, 以火樣的熱情不斷衝擊著世界,為世界搖滾樂的風格化,寫下了不朽的篇章。

Neil Young是唯一可以和Bob Dylan相提並論的民搖藝人，而事實上，Neil Young在很多地方要優於Bob Dylan。他可以坦然面對批評，專輯銷量這些問題。他還擁有更長的藝術生命，從六十年代末一直到今天，他一直忙於創作、錄音、演出。最為重要的是，Neil Young從未停止過對搖滾樂的探索，從早期的Rockabilly、Blues一直到Hardrock。但是他最喜愛的還是民搖、鄉搖。

Neil Young大量的作品影響了幾代人，甚至一些絲毫沒有創作能力的grunge樂團都樂於自稱源於他的影響。

Neil Young的音樂觀念核心始終是強烈的獨立意識。他近乎心甘情願地否認期望、潮流以及所謂的趣味。他是個搖滾英雄，但絕不會向名譽和地位低頭。他的歌曲個性鮮明或帶有濃烈的政治氣息。他為自己民謠搖滾和歌手兼詞曲作者身份而感到自豪，同時又摒棄他們，不斷超越著自己。然而他絕不是傳統意義上的折衷主義者。他盡可能地以音樂形式的發展作為自己創作的唯一目的，而不是簡單的嘗試，這個過程至今仍在持續中。

Neil Young什麼時候追求什麼樣的音樂風格從來都是都是無關緊要的。任何音樂都會因為他獨特氣質的介入而立刻身價倍增，任何一個有他參與的樂團都會成名~~Buffalo Springfield、Crazy Horse、Crosby，Stills，Nash And Young。　　

Neil Young1963年隨Squires樂隊一起出現在加拿大民謠樂壇而開始了他的演唱生涯。

1964年，他定居紐約，加入了Mynah Birds樂隊。不久後，因對Mynah Birds成績感到不滿，他和樂團貝司手Bruce Palmer共同前往洛杉磯尋求發展。在洛杉磯，他倆和Stephen Stills組建了Buffalo Springfield樂團。樂團的成功導致了一系列危機開始讓Neil Young感到厭煩，他於1968年4月退出樂團。

1969年1月，他推出了以他的名字命名的首張專輯，但未能進入排行榜。不久後，他將一支當地叫作The Rockets的樂團改名為Crazy Horse，並在他們的協作下推出了第二張專輯《Everybody Knows This Is Nowhere》，專輯成為他第一張金唱片。4月，Neil Young開始和Crosby, Stills and Nash合作，並且最終加入了樂團，幫助樂團發行了著名專輯《Deja Vu》。新專輯在

1970年上市後立刻風靡大街小巷，高居排行榜首位，並成為當年最暢銷的搖滾唱片。

Neil Young在加入樂團後一直還保持著獨唱藝人的身份，同年，他在單曲“After the Gold Rush”、“Only Love Can Break Your Heart”中出色表現確立他歌手兼歌曲創作者的巨星地位。

1971年，他離開了Crosby, Stills and Nash。一年後，鄉村搖滾專輯《Harvest》成為了他的第一張冠軍專輯，專輯單曲“Heart of Gold”成為了他唯一的一支冠軍單曲。他很快再次對得到的讚美厭倦了。他徹底改變了風格，專心投入電影“Journey Through the Past”的原聲音樂工作。這種嘈雜、衰敗為主題的影片顯然不是他純美民謠音樂的表現物件。結果可想而知，Soundtrak專輯《Time Fades Away》被媒體一致公認為簡直糟糕透頂。Neil Young陷入了事業的低谷。

1972年，有感于朋友Danny Whitten吸毒過量身亡這一慘況，Neil Young著手創作了以毒品為體裁的陰冷專輯《Tonight's the Night》，但被查禁，發行遙遙無期。無奈之下，他創作了另外一張同樣困惑悵然的專輯《On the Beach》。

1975年，《Tonight's the Night》最終獲准上市，而在此時，他已經徹底走出了低谷，這一切可以從他和Crazy Horse合作的硬搖滾專輯《Zuma》一覽無疑。

1976年時的Neil Young正處在迷惘的節骨眼上，一系列的專輯雖然都取得了很好的成績，但總是讓人覺得，這些不是他想要的東西。那一年，在雙重唱專輯《Long May You Run》的宣傳演出中，他開除了合作者Stephen Stills。

1978年，Neil Young在和歌手Nicolette Larson合作創作完成《Comes a Time》的同時還在緊鑼密鼓的準備鄉村搖滾專輯《Homegrown》和他的三張專輯的精選集《Decade》。一邊是繼續前行，一邊是懷舊，Neil Young當年混亂的心態可見一斑。1978底，Neil Young和Crazy Horse再次合作，開始了名為“Rust Never Sleeps”的大型巡迴演出。

1979年，《Rust Never Sleeps》專輯發行上市，得到了極高的評價，當時甚至有人將這張專輯認為是對PUNK搖滾的一次堅決回擊。同年秋天，Neil Young推出了雙CD現場版的《Live Rust》和現場演出錄影帶《Rust Never Sleeps》。《Rust Never Sleeps》的巨大成功重新找回了Neil Young以前的感覺，但他再一次做出了令人吃驚的舉動。

1980年，他推出了全部由原聲樂器伴奏的合輯《Hawks & Doves》，滿專輯的保守思想讓人大倒胃口。一年後，Neil Young的重搖滾專輯《Re*Ac*tor》再次以失敗告終。不久後，他和加盟剛剛成立的Geffen唱片公司。Geffen公司給了他提供更多的製作經費和創作自由。Neil Young創作了專輯《Trans》，一張依賴電腦等先進錄音設備的全新專輯。結果再次令人失望，媒體對這種音樂表示迷惑不解甚至不屑一顧。

1983年，Neil Young又突發奇想，錄製完成了更為現代人陌生的老掉牙Rockabilly專輯《Everybody's Rockin’》。八十年代中期，Neil Young先後錄製了鄉村音樂專輯《Old Ways》，新浪潮風格的《Landing on Water》。

1988年，他重返Reprise公司，著手創作布魯斯、管樂為主的專輯《This Note's for You》，該專輯由於嘲諷搖滾明星過分商業化的MTV的頻繁播放而大獲成功。同年底，他再次和Crosby, Stills and Nash合作專輯《American Dream》，但是遭到了極底的評價。

1989年，Neil Young推出專輯《Freedom》。

1990年，他重組Crazy Horse，創作了70年代後以來最為優秀的專輯《Ragged Glory》。在此後的促銷巡演中，Neil Young雇傭Sonic Youth做暖場樂隊。由於Sonic Youth的號召力，Neil Young逐漸得到了另類搖滾的青睞。

他最終在Sonic Youth的建議下在1991年推了一張噪音搖滾的小唱片，以配合現場版專輯《Weld》的發行。《Weld》和Sonic Youth使Neil Young成為了後來風光一時的另類搖滾grunge的教父之一。但是，Neil Young在1992年再次放棄了另類搖滾。

在1992、1993兩年前後推出《Harvest Moon》、《Lucky Thirteen》，反響一般。1994年，《Sleeps with Angels》成為Neil Young九十年代的事業頂峰，被一致公認為那一年的傑作之一。

1995年，Neil Young開始和Pearl Jam合作，錄製發行了“賠本賺吆喝”的專輯《Mirror Ball》，媒體對它的評價不錯，但銷量平平，遠沒有達到預期的商業目的。更慘的還是Pearl Jam，因為在製作過程中的疏忽，專輯違反了某些法律條文，結果，Pearl Jam的名字被嚴禁出現在專輯封面中。

1996年夏天，他再次和Crazy Horse合作了專輯《Broken Arrow》。三年後，Crosby, Stills and Nash And Young這支解散多年的超級樂隊宣佈重組。

2000年春天，老Neil Young推出了他進入二十一世紀的首張專輯《Silver and Gold》。

備註：

《Decade》（1976）（66-76精選集）（Double CD）

Neil Young的十年民謠作品的精華集，裏面幾乎搜羅了他整個60-70年代的所有優秀民謠作品，還包括他早期在Buffalo Springfield時期的創作作品，非常具有收藏價值！