The Spoken And The Unspoken

Andy的第3張正式專輯,首曲"All Is Forgiven"再次展現了Andy式的情感舒發與過人的演奏技術,在快板的音樂架構之下,更顯得生動活潑。

"The Princess"是特別為Diana王妃所寫的一首紀念ballad曲,情感洋溢自不在話下。

"For God And Country"是首快板的演奏曲,輕快的節奏與高難度的吉他solo,相互交織出動人的搖滾樂章。

"Astral Fishing"是由知名鼓手Simon Phillips (Joe SatrianiToTo)所譜寫,因為Andy曾擔任過Simon Phillis的專輯吉他手,因此便將曲子搬過來套用。

"Duende"則展現了Andy的西班牙式吉他功力,令人聯想到Steve Stevens的近期曲風。

此版本特別多收錄一曲"Innocence Lost"Andy將速彈等演技做為發揮情感曲式的後盾,證明他的編曲與演奏功力高超!

Musicians:
Andy - guitars, bass, drums, vocals Mike Daane - bass
Mitch Marine - drums
Dan Wojciechowski - drums
Pete Drungle - keys
Mike Medina - bass, vocals, B3, percussion
Simon Phillips Band - (Simon Phillips - drums : Jerry Watts Jr. - bass : Jeff Babko - keys) (7,11)
Engineered by Rob Wechsler, Mike Medina(8).

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Danger Danger吉他手的Andy Timmons,可說是美國搖滾金屬吉他界裏的中流砥柱,當時下樂手都沉迷於速度的快感,這位全方位吉他大師,仍舊認為"感覺"的重要。再加上Andy曾擔任美國吉他音樂學院(GIT)的講師,足證明他實力的不凡。

 

Andy在大學時代曾主修過古典樂與爵士樂,後來更朝向藍調音樂領域發展,在如此豐富的歷練之下,不久後果然受到青睞,並且加入Danger Danger擔任吉他手一職,在發行了兩張專輯之後,Andy決定離團,開始邁向個人演奏事業之路。1995年發表的首張solo專輯"ear X-Tacy",被權威雜誌"Guitar World"喻為是一張吉他演奏經典之作,隨後更獲得EMI/Virgin與日本Sony唱片的合約,Andy的演奏事業從此便平步青雲。

 

他的音樂不同於Yngwie MalmsteenTony Macalpine的古典音階奏法,而是美式的敘情派搖滾風格,此外,他也能夠彈奏出驚鴻一瞥般的吉他神技,如專輯"ear X-Tacy 2"中的新古典速彈曲"Groove Or Die",其超高技巧的快速sweep與泛音技術,再加上電吉他最重要的乾淨悶音,不知打死多少基本功不夠,卻號稱速彈派的二流角色。

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對於需要探測聲音波封的效果器,例如自動哇音八度效果器,連接時應當儘量與吉他最先連接。哇音踏板一般需要連接在失真之前,這樣能夠較好的來控制失真,當然連接在失真之後失真的音色同樣不錯。而哇音帶來的聲音變化也與連接位置有很大的關係,在失真之前和之後是很不同的,可以試試不同的音色需要。在失真後連接 EQ 可以完全的定形音色。

 

Rever效果器需要連接在最後,這樣能夠得到最大的效果。

Chorus / Delay / Rever的連接要仔細監聽聲音的變化。

音量踏板連接在失真之前可以控制失真的強度。

連接一個消雜音效果可以減少失真和一些調製效果帶來的雜音,但是同時也會削減一些信號,根據不同的情況進行適當的調製。

TONE 鈕用於為音色加亮度深度。要製作你需要的音色可以先在中間的位置設置,然後根據不同的需要轉動和設置適合的音色位置。

 

Delay調整!

可以使用Delay來得到更大範圍的聲音。如果想有雙音,類似二重奏的效果,需要設置短延時( 50m s 或更少)並且不加 Feedback 。要得到長的帶有Rever的效果延時,那麼可以將時間設置為 100 -200m s 。設置為 300m s 可能會和你的鼓點時間配合,創建有趣的效果。 如果使用 800m s 或更長時間的延時,可以產生和聲鏈的延時效果。最後請記住,將直接聲音和延時效果聲音分離可以創造一個豐滿,立體的效果。

 

使用Chorus類型的效果!

變化一般是Mono(單聲道)Stereo(立體聲)。使用單聲道時,提供了濃厚的效果音色。立體聲時,可以得到廣闊的聲音效果。

使用 Flanger 效果器來創造一個短延時效果!

ChorusFlangerDelay效果基本的電路都是相同的。所以【有時】可以產生相同的效果,將 Flanger Resonance 設置為 0 可以產生一個合唱效果。將 Flanger 所有的控制都設置為零位置可以產生一個單個的短延時效果。

 

結合短延時和長延時!

如果你連接一個Flanger和一個Delay,你就可以為聲音加上一個Flanger創造的短延時和一個長延時效果。兩個延時可產生與眾不同的混響效果並且聲音廣闊豐滿。

 

與其他樂器同時使用Chorus時!

當一個吉他手和一個鍵盤手一起使用Chorus效果時,聲音將變的不清晰。這種情況時,如果鍵盤或合成器或電鋼琴是帶有合唱的,那麼吉他使用乾淨的“沒有效果 的音色。

 

在失真前使用一個八度!

這樣可以產生非常厚重的失真效果。保持一定的音高,將八度連接在與吉他最近的效果器上。

 

使用單顆Boost音箱失真!

可以使用一些破音效果器來推音箱的增益失真來得到更大的失真度和音色,或者可以使用單顆來推動另一個單顆的音色。

 

使用兩個破音單顆( Low gainHigh gain

使用Low gain作為推者,設置Low gainDrive低一點, Level多一點。設置High gain為正常的破音。彈節奏只需調High gain的效果器。彈 SOLO 時,將Low gain音色設置的尖亮。記住在這種情況的使用中可能會出現噪音或者回授,注意調的情況。

 

使用一個EQ或者Compresor

一個EQ(等化器)或者Comp(壓縮)同樣可以作為一個很好的推進器來使用。使用EQ將提高增益和不同頻率的指標失真。使用Comp同樣可以通過 TONE ATTACK 的變化得到與眾不同的失真音色。

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出生於1945330的艾力克萊普頓多采多姿的音樂生涯始自18歲時自組的Roosters,接著加入因培育出Eric ClaptonJeff BeckJimmy Page這三大吉他手而被封為『傳奇性的搖滾團體』的Yardbirds1965年轉往藍調先驅John MayallBlue--reakers樂團,翌年與Jack BruceGinger Baker組成樂壇首支強力搖滾三人團Cream1968年搖滾樂壇萬眾矚目的第一支超級樂團Blind Faith誕生,艾力克萊普頓亦名列陣中,1970年再組Derek & The Dominos,但在這些團體轉換期間,艾力克萊普頓也抽空幫約翰藍儂(John Lennon)Delanie & Bonnie抬轎伴奏。艾力克萊普頓雖然參加或組成過這麼多的團體,可是樂團壽命都不長,原因多是由於團員間意見不合或因為每位團員都大有來頭導致自大的心理,於是艾力克萊普頓萌生單飛發行個人專輯不再組成大堆頭樂團的意念。

 

1970年艾力克萊普頓正式推出首張個人同名專輯,不過同時他也為著Derek & The Dominos的團務繁忙。在該團解散與商業成績不如以往加上感情因素的打擊使艾力克萊普頓卻沉溺於毒品之中,在朋友的關心之下歷經3年才拋此惡習並且在倫敦彩虹劇院盛大展開他的重生演唱會,不論樂迷或是樂界好友像Pete TownshendSteve Winwood…等等都欣見他重回舞臺,後來這兩場演唱會實況也曾發行CD

 

1974年艾力克萊普頓發表的《461 Ocean Boulevard》不僅象徵他走出陰影重新出發,在音樂上更跳脫以往只以藍調為根基的搖滾而融入牙買加的雷鬼樂,使得風格煥然一新,其中一首翻唱自雷鬼宗師巴布馬利(Bob Marley)的歌曲"I Shot The Sheriff"成為艾力克萊普頓唯一冠軍單曲。在1974-81年間艾力克萊普頓幾乎年年推出新作品,他長久建立的吉他風格也越發受人肯定與學習,這時期作品當以《461 Ocean Boulevard》以及1977年底發行的《Slowhand》專輯為代表,而《Slowhand》正是他參加Yardbirds以來的昵稱,也是他吉他彈奏最為人稱道的特質-感情躍然指尖,《Slowhand》專輯裏的"Wonderful Tonight"應該是一般樂迷最熟知的一首抒情搖滾曲。司RSO(隸屬Polydor旗下)的合約也終止,1982RSO替他發行了精選集《Time Pieces》,收集了1970-79十年來11首代表單曲,也結束了艾力克萊普頓音樂生涯的前半段。

 

1982年艾力克萊普頓宣佈加入華納唱片公司,首先錄製的是《Money And Cigarettes》專輯,製作人仍舊是長久以來的夥伴也是洛史都華的製作人Tom Dowd,因此樂風尚仍延續前作,並不像其他歌手因轉換東家而風格丕變,Slide GuitarRy Cooder在專輯中鼎力相助是另一重大發現。單曲"I've Got A Rock N' Roll Heart"仍然順利進入排行前20名。

 

1985年《Behind The Sun》專輯才算是藍調風格轉變的開始,因為他請到兩位當紅製作人,一位是帶領創世紀合唱團成功跨入流行界、又以個人作品《No Jacket Required》得到葛萊美最佳專輯的菲爾柯林斯(Phil Collins);另一位是重金屬團範海倫(Van Halen)的製作人Ted Templeman。菲爾柯林斯著重節奏但基本上仍以艾力克萊普頓的吉他與藍調根基為主; Ted Templeman則將他在範海倫1984專輯裏成功運用鍵盤、合成器使他們得到商業上空前成功的經驗帶入《Behind The Sun》,發行的兩首單曲"Forever Man""See What Love Can Do"都是他的大作,不過在商業上卻沒有范海倫優異的表現。而在伴奏樂手方面,托托合唱團(ToTo)的團員與佛利伍麥克(Fleetwood Mac)Lindsey Buckingham都趕來相助,讓這張專輯幾乎成了音樂老將開同樂會一般。

 

一張風格相近的專輯《August》在1986年發行,主要還是菲爾柯林斯的製作(不過這次又將老友Tom Dowd找回來參與部份製作),延續著上張吉他合成器的嘗試。其中翻唱另一位藍調吉他手Robert Cray"Bad Influence"和與提娜透納(Tina Turner)合唱的"Tearing Us Apart"被認為是艾力克萊普頓在吉他之外,演唱上最令人激賞的歌曲。

 

艾力克萊普頓的下張專輯《Journeyman》讓樂迷等待三年才發行,在這三年裏艾力克萊普頓首先為梅爾吉布遜的賣座電影《致命武器》(Lethal Weapon)系列擔任吉他伴奏,後來更因主題曲和史汀(Sting)、艾爾頓強(Elton John)合作。不過艾力克萊普頓參與整張電影配樂卻是米基洛克(Mickey Rourke)的《鐵拳浪子》(Homeboy),這是他與配樂大師Michael Kamen攜手之作。另一方面以前的唱片公司也因他在樂壇闖蕩25年為他發行一系列的精選集,其中最受矚目的是記錄他各個時期(1963-88)創作的四張一套全集《Crossroads》,眾多樂評紛紛給予最高評價。

1989年底《Journeyman》發行,製作人換為以吉他起家的Russ Titleman,試圖捕捉艾力克萊普頓賴以成名的吉他之音,不過整張專輯搖滾/流行味頗濃,伴奏陣容上加入David Sanborn的薩克斯風、Gary Burton的鐵琴以增加融合爵士風味。合音部份Phil CollinsChaka KhanDaryl HallGeorge Harrison都前來跨刀,使歌曲呈現不同風貌。

 

艾力克萊普頓漫長的音樂歷程與居高不墜的名聲有一半來自現場精湛的吉他表演,進入九○年代後的第一張專輯就是他1990-91年間於倫敦皇家亞伯廳的多場現場實況紀實《24 Nights》,當然在此之前他已經發行過將近十套的現場專輯,艾力克萊普頓喜歡現場即興表演由此證明。

 

19913月老來得子的艾力克萊普頓痛失骨肉,年僅4歲的Conor從窗戶失足墜樓,這個打擊幾乎讓他再度一蹶不振,不過將近50歲的艾力克萊普頓將他思念之苦寄情歌中,於是產生"Tears In Heaven"這首歌,它首先被收錄於電影《迷途枷鎖》(Rush)的原聲帶中,這也是艾力克萊普頓全程參與的配樂作品。 1992年發行單曲後很快得到白金唱片並蟬聯亞軍,同年3月份他錄製MTV音樂台相當受歡迎的不插電小型演唱會(Unplugged)時再度表演此曲,不論是現場或是後來發行的《Unplugged》專輯,大家都深切感受到艾力克萊普頓發自肺腑真情演唱。

 

1992年發行的這張《Unplugged》專輯不僅是該年度葛萊美『最佳專輯』得主,也是MTV Unplugged專輯中商業銷售最佳的一張。自此之後許多知名的歌手紛紛答應MTV音樂台邀請到現場證明自己不靠錄音室特殊技巧處理的演唱實力。此專輯裏另一首名曲"Layla"也三度進榜並且進入前20名,在葛萊美獎中繼"Tears In Heaven"得到『年度歌曲』與『年度唱片』後,拿下『最佳搖滾歌曲』獎。

 

艾力克萊普頓音樂的根來自於年代久遠的黑人藍調,自Robert Johnson以降Elmore JamesMuddy WatersB.B. KingWillie Dixon …等大師都對他有決定性的影響,甚至從當吉他手還沒改行唱歌時就以藍調為根基的吉他演奏而成名,1994年度同時獲得葛萊美最佳傳統與現代藍調專輯的《From The Cradle》就是艾力克萊普頓尋根回到孕育他成長的四○年代藍調搖籃,不僅吉他、連唱腔都刻意模仿上述一些藍調大師,這是一張向藍調致敬的專輯,嚴格說來並不是我們後來熟悉的艾力克萊普頓。

 

1992年及93YardbirdsCream合唱團相繼被引進入搖滾名人殿堂,勾起樂迷對此兩個團的懷念,於是唱片公司又陸續整理艾力克萊普頓Cream時期的作品發行許多精選,填補了新創作日漸減少的艾力克萊普頓。1996年艾力克萊普頓尋找新的音樂方向,發表"Change The World"單曲,它收錄在約翰屈伏塔(John Travolta)主演的《第三類奇跡》(Phenomenon)中,樂迷們驚訝的發現艾力克萊普頓與節奏藍調界的天王製作人Babyface合作,而這首歌完全是Babyface的風格,只有唱腔上還類似"Tears In Heaven"。既是由單曲製造機做出的歌,不意外地它輕易進入排行前10名,葛萊美獎上『年度唱片』、『最佳流行男歌手』再度囊括,艾力克萊普頓亦成得獎常客。同年他參加好友Stevie Ray Vaughan的致敬專輯錄製,一群藍調好手齊聚一堂玩音樂不僅在藍調榜上稱雄,葛萊美年度搖滾演奏獎也頒給這些老頑童們,稍後其中樂手如B.B. KingDr. John也和克萊普頓一起參加電影《福祿雙霸天續集》 (Blues Brothers 2000)的演出。

 

艾力克萊普頓八○年代以來一直尋求音樂的創新,經過十年的摸索,九○年代似乎有較明確的方向,像"Tears In Heaven"歌謠式的慢板作品十分討喜,但是他卻不已此為滿足,才又會與Babyface合作,雖然一樣是抒情曲,但更接近時下流行的R & B曲風。到1997年艾瑞克有感于電子樂的蓬勃發展,在幾乎相當低調的狀況下找來新浪潮時期的尖兵Simon Climie(二重唱Climie Fisher的一員)以TDF名義發表專輯《Retail Therapy》,內容自是以Simon拿手的電子樂為主。

然而同樣的組合出現於1998年,艾力克萊普頓近10年來全新歌曲的專輯《Pilgrim》中,音樂上沒有TDF的電子化,因為畢竟它是艾力克萊普頓的個人專輯,但在節奏、樂器上卻力求簡化,鼓的安排就是電腦程式的結果,他同時請倫敦錄音室管弦樂團來伴奏。單曲"My Father's Eyes"為他再得到葛萊美『最佳流行男歌手』獎。至此,艾力克萊普頓已完全走出他早期藍調人的範疇而往搖滾、流行到未來的電子世代繼續前進。

 

1999年,二十一世紀前,艾力克萊普頓將他在華納唱片時期--收錄從1981的《Another Ticket》之後一直到1998的《Pilgrim》為止的精彩作品--集結以精選發行《跨世紀精選》(Clapton ChroniclesThe Best Of Eric Clapton) 包括他最新的兩首電影歌曲,分別是《落跑新娘》(Runaway Bride)當中的"Blue Eyes Blue"和布魯斯威利、蜜雪兒菲佛合演的喜劇新片《KISS情人》(The Story Of Us)主題曲"(I) Get Lost"

 

1999年他也在SantanaSupernatural》專輯中演出的"The Calling",再度拿下了一座葛萊美獎。

2000Eric ClaptonB.B. King合作了專輯《天王競飆》 (Riding With The King),一個被稱作『吉他之神』,另一個是芝加哥『藍調之王』,這兩個幾乎相差20歲,卻同樣是藍調/搖滾史上最重要的英雄人物,1967年首度在紐約Au Go Go俱樂部同台演出,整整30年後才又在1998年比比金與13位當代流行、搖滾好手對口合唱的專輯《Deuces Wild》中再度合作,不過對於兩位天王來說,只合作一首歌就如同隔靴搔癢般,無法淋漓盡致地發揮兩人神乎其技的工夫,因此兩位英雄會在2000年合作灌錄最新專輯《天王競飆》就不難理解了,這張專輯不但獲得雅俗一致的推崇,還獲得了2001年葛萊美獎《最佳藍調專輯》。

如今他馬上帶著新專輯《Reptile》重返樂壇,這張作品呈現出Eric Clapton獨特的功力,他將不同的音樂類型與不同時代的音樂,融合為一張帶有現代風格、跨越時間繁籬的作品。

 

搖滾樂史上唯一能三次進入搖滾名人殿堂的,只有Eric Clapton一人(分別以 The YardbirdsCream團員、以及個人之身份),他將繼續以他的音樂讓全球的樂迷驚豔。Eric Clapton這樣一位元音樂天才,走了一輩子的迢迢音樂旅程,而《Reptile》專輯的發行,可代表他旅途中最新的一個章節。

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他是後達達主義樂派frank zappa的主奏吉他手。他是名吉他手joe satriani的愛徒。他待過重搖滾whitesnakedavid lee roth等樂隊。。。他是-steve vai

1960年出生於紐約長島的吉他英雄steve vai13歲起便以吉他手的身份自組樂團,並受到恩師joe satriani的提攜與指導。由於天賦異稟,加上後來他至著名的柏克萊音樂學院學習爵士樂和古典樂,使得當時年紀輕輕的他就擁有令人驚歎的高超技巧。早在steve18歲時就受早期的前衛搖滾大師frink zappa賞識,成為該團的吉他手。 1985年接替yngwie malmsteen成為alcatrazz樂團之吉他手。1986年又為前van halen主唱david lee roth擔任吉他手、1989年加入whitesnake協助完成"slip of the tongue"專輯…總總音樂歷程,讓他在自已個人專輯中常展現各種不同的音樂類型。

雖然在steve vai的個人專輯中多以硬式搖滾、重金屬曲風為主,但仔細聆聽,會發現其中多包含爵士、放克、古典等…多種感覺與味道。而除了音樂性外,steve在吉他技術上更可奉為當代吉他手的規臬與典範。由日本"young guitar"雜誌每年的吉他手票選,前三名中必有一名為steve vai。彈奏技巧上無論"速彈""點弦"、至"都已達到如火純青的地步。特殊的"抖音"技巧與獨出一格的吉他音色更突顯他的個人風格。

在他的個人專輯中,幾乎每張的風格都不太一樣。有些專輯中收錄的歌曲,是屬於比較實驗性的作品,初次接受可能有人會不太習慣。但由此證明steve vai是個勇於創新的人,不斷向新的曲風、嘗試邁進。

80年代中期,steve vai開始希望有一把不同於一般型號的吉他。他需要一款真正屬於自己的吉他,一款不光音色好,而且漂亮的吉他。於是ibanezjem系列吉他誕生了。同時,steve vai也便順理成章的成為了ibanez jem系列的代言人。

在廣大搖滾樂迷眾所周知的1990年那張經典吉他專輯《passion & warfare》中,steve vai將吉他演奏技巧發揮到淋漓盡致。steve vai以他良好的音樂素養和讓人望其項背的技術贏得了“現代吉他上帝”的美譽。在《passion & warfare》的封面上,steve斜背著一把57弦的ibanez jem。於是現在7弦吉他成為了一種潮流。steve vai對使用7弦吉是這樣解釋的:一天我在彈一把jem,忽然想到如果有第7根弦會不會更有趣。

2001年,steve vai帶來全新的15首曲調,發行了吉他樂界史無前例的套裝現場專輯,展現steve vai的概念藝術計畫。而此構想,早在97年澳洲巡迴演出時,就有了初步的架構。他想要用不同國家中的傳統文化音樂,來反射自己創作原素,表現在各國演唱會中。

99年時,他發表了"the ultra zone"專輯後,展開世界巡迴演唱會,突然臨時決定了當年的計畫與構想。因此搜集了150張飽含各國民族文化的專輯,走過32個國家,表演104場秀,於是誕生了"alive in an ultra world"專輯。而steve vai在巡迴過程中,就運用各個當地傳統文化音樂為基礎,並也顧慮到文化思考,藉由心靈的想像生活,演奏出構造的真實世界,發揮出演奏家詮釋民族的調性。

此次專輯裏的曲目,都是為當時演出國家而臨時寫的樂曲。他們沒有很多時間排演,許多音樂章節都是每天即興編寫,steve vai與團員做出最佳表演。因有些國家的版權問題和硬體技術上的問題,他在寫曲之中,不斷地重新編寫和錄製,在巡迴演唱會中要克服許多困難,才能得以實現計畫

范和吉他巫師Joe Satriani以及同為超級吉他手Eric Johnson開始了一系列名為G3的巡迴演出。演出取得了巨大的成功,並灌制演唱會專輯《G3 Live》。

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世界上不管任何的音樂風格,甚至最最基本音樂,有離不開兩個東西,就是節奏和調式,其實就是一個簡單的律動,加上不同調高,音樂就出來了~

這裏我們就節奏,有些初學者,一直困惑,為什麼我總是彈不好曲子,我音階背的很熟悉了啊~~ 

其實往往人們和重視調式,音階,忽略了構造它們的筐架,那就是節奏,節奏可以說是表現一個音樂形象的基本手段,不光是在音樂中有節奏,生活中很多的地方也有節奏,

地鐵中,車廂中有規律的響聲,軍人齊步走時候整齊,等等。。。人們聽到節奏,就淺意識的會跟著興奮,動起來的~

節拍,我們每個人都會有感覺的,比如我們聽歌,有時候自然而然的有規律點頭,點腳等,這就是在打拍子了,根據你聽到的歌曲你就會體會到裏面有種律動把你帶進去~

 

全音符,2分音符,4分音符,8分音符,16分音符,切分音,3連音等,都只根據這些最基本的律動演化而來的~~

 

要想駕禦音樂,就首先馴服自己的節奏,要達到隨心所欲在一條線上的律動,你可以無所顧及彈出變化音,幾幾分音符,連音,分切等,就好象你想出來,就能出來,想進,就進得去的感覺。

 

在音樂中我們要明確的知道強弱關係,這個很重要,知道強弱關係就能時刻的知道自己在什麼位置上,以至不容易導致脫拍子,當我們聽歌曲的時候,我們可以心理默數“1234”“ 123”

如,聽歌的感覺跟著它數“1”(重音)“2”“ 3” “ 4”,如果我們能很舒服的能跟下去,那究說名這個歌是4/4拍的,如果跟不下去的話,總感覺很卡的話,那就可以試試“1”(重音)“2”“ 3”,就可以了~(一般Slowrock比較普遍),當然還有奇怪的幾幾分音符,那都是很少的~

 

還有就是節拍器,我不只一次的強調,這個東西的重要性,無論你在練琴,彈曲子,節拍器都是必須的,它是你的引導者,這樣,就對你的節奏感會有很大的幫助,有個很好的節奏感,把你隨便扔進一個樂隊,你能很快的就容入進去,養成一個好的習慣以後學琴會越來越簡單,相反要是壞習慣的話就會越學越窄~還要花大量的時間去修正它們~呵呵~就這些,個人的一點原創想法,希望對大家有點幫助~

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很多的朋友總是在問:

1,我怎麼能彈的更快啊?

2,什麼琴才是最好的琴?

3,我的琴是```我應該配什麼音箱?```````

無數的問題。

 

我想很多的朋友對於琴,音色來說還有一些誤解。包括我自己。

 

其實我自己首先對於怎麼能彈快的認識是這樣的:我們彈琴,首先做的是音樂。而不是運動員。速度的快慢只是就我們手法的熟練程度,技巧本能反映的一個體現。不一定快就是好(個別彈的快會有很爽感覺的人除外)。

比如世界上很多的大師,在音樂的形體上是以美而著稱,純粹的快並不能讓他們成為真正的大師。比如我們比較熟悉的STEVE VAI,他的快,我想在這裏也沒幾人能及。但他的音樂,單從音樂上看,並不是整個曲子都是飛快的速度。我們認為他很多好的曲子,都是以一個很優美的動機擴展開來的。最明顯,我也很喜歡的包括:LOVE FOR THE GOD等等,聽了之後的感覺就是:VAI現在是個很棒音樂家了!而並不是因為他的技巧而感動。

 

還有就是音色,以前的我也總有一個追求:我如果能擁有一把很棒的琴該多好;我要是能有一個堆單顆和一大堆MESA該多好`````後來我覺得,音色這種東西,每一個都有它自己的特點,哪怕只是一把500元的吉他,一顆505效果器,一個大陸產15W音箱,只要你喜歡用它去ROCK.喜歡用它去表達,那麼你就會在他們的組合中找到你最喜歡的音色,既而用它去表達你心中的一切.只要你的音樂夠好,你夠律動,你夠優美.那麼這個音色就是你特有的,只要是有你個人特點的音色,那麼它就是好的音色!現在一直覺得"優美的音樂勝過驚人的設備."

 

如果我沒記錯,前一段時間齊秦演唱會上,看到了DIGITECH RP50,張信哲演唱會上也只使用了被大家很看不起的GNX3而已。

 

一直有個問題,那就是我有一個某某琴,我該配什麼樣子的音箱呢?這個問題其實很難回答,因為我們不知道您想得到一個什麼樣子的音色!因為每一個音箱都有它的特點,比如FENDER.你一定用它來玩METAL,那一定覺得不太對勁,所以我想說的是,不如把問題改一下:"我想玩某某音樂,什麼樣子的音箱(或者效果器,琴)更適合呢?"說到這好象和我上面所說的有些矛盾,其實它並不衝突,假如您用著很不好的器材,但彈的很純粹的BLUES,誰會說您這不是地道的BLUES?

 

對於音色,是要深深的印在你的腦子裏,清楚的知道自己想要的是什麼.而再去刻苦的研究,再去尋找.~~

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