吉他手小潘的音樂世界

2006/01/30拍攝，2008/04/10重新整理文章，之前YAHOO不能貼影片，所以用下載的方式，現在可以，就重新編輯文章！

自拍extreme之Get the funk out solo～

我是用數位相機拍的，音質與畫質不大好，且自認彈得不是很好（與cd不同這是真的！！）～請多指教！！

Nuno編排點弦的方式其實也很簡單，但也很特別。雖然也只是談和弦內音，但卻以van halen等人運用方式不大相同。

而這首歌曲的映像點其實就是這段點弦！

但練這首的重點在於要有（跳）的感覺！可能要親自練才會有所體會！（雖然我也做的不大好倒是）。

1.        吉他出力要大，所有旋鈕要全開。

2.        音箱的出力要大，把高音和破音及音量開到很大，至少要過一半。

3.        利用右手拇指和食指夾 pick，pick 只露出一點點。

4.        向下撥弦的時候在 pick 通過弦的那瞬間順勢把拇指非常輕的擦一下弦，你可以在碰弦時把拇指向手心彎一下，或是 picking 的動作感覺向下畫一個小小的半圓。

5.        先從第三弦 G 弦開始練，左手按第七格或第九格，練完再練 B 弦。

6.        左手壓的格子到琴橋弦的尾端，這段距離的弦發出聲音，你要把這段距離除以3或是除以4，從尾巴算過來這個位址大概在拾音器中段和前段之間，這個 "點" 的位置是剛好發出泛音的位置，你的拇指也就是要在這個地方觸弦，大約有2～4個點的聲音最明顯，你要不斷嚐試出會大聲的幾個位置，可以用一星期把每個格子對應到的位置找出來，並寫下來。

7.        尖叫技巧：在右手碰弦的後的瞬間，左手應該要利用推弦大約一個全音或是推完全音之後再往下拉的狀態下作顫音抖音的動作，把這個泛音變的非常亮非常大聲非常尖叫。你再作第五格以後的泛音，拾音器應該切到最後一段，聲音的泛音會發出最大的振幅在後段的拾音器上方，感覺是和前段完全不同的。

8.        效果器可以用 distortion，會比用 overdrive 來的容易，總之把 gain 開大。

9.        多練習右手的技巧，並且練左手的顫音，多嚐試才能進步，也許幾個月，幾個星期，或是幾天你就可以掌握這個技巧。

10.   重點是在右手，你找對點了嗎？拇指和 pick 碰弦的時間有沒有抓住？姆指碰弦的時間夠久嗎？姆指接觸的面積足夠嗎？姆指的角度對嗎？姆指的觸弦動作夠輕嗎？練習的重點應該往上面這些要點增減嚐試。

11.雙線圈的琴比單線圈的琴好出泛音，Pickup的差別也會有差，如：Seymour duncan jb系列就很好做。

ESI 推出 USB吉他～

UG-1 JamMate USB Electric Guitar Pack！

這是一套USB吉他，該吉他帶有USB線，直接插到電腦上即可直接錄音了。

將吉他通過USB連接在電腦上，在電腦打開贈送的Amplitube Live軟體即可得到上百種效果器、放大器、音箱模擬效果。

主要特性：

• 將吉他上的USB線插到電腦上即可立即開始演奏
• 不需要任何效果器、放大器、音箱模擬，只要在電腦上運行贈送的Amplitube Live即可
• 內置耳放，可連接耳機
• 也可作為普通的電吉他使用

UG-1 JamMate USB Electric Guitar Pack的USB介面

UG-1 JamMate USB Electric Guitar Pack將於2006年第一季度上市，價格為249.99美元。

到底什麼在影響音色！

到底什麼在影響音色？綜合了一些看法，供大家參考。影響吉他音色的環節實在太多，我們能瞭解的，只是一部分。

吉他的木質、形狀都會影響音色：

木質絕對是可以影響音色的，主要原因是木質的硬度、密度影響琴弦震動的衰減特性，因此不同木質的音色有所不同。形狀會影響音色，即使有影響，也不會讓人有明顯的察覺。

吉他拾音器：

整個系統音色的決定因素之一。名琴的製作工藝就沒說的了，名牌好琴的音色普遍有獨特個性，這是人家制琴人、演奏大師共同創造的。拾音器是電吉他的靈魂，用做拾音器的東西很多，一般有磁鐵線圈、壓電陶瓷、電阻應變片等等。最最常見的自然是磁鐵線圈。常見有單線圈和雙線圈兩種形式。補充一點。好線圈拾音器，也要用到高純度無氧銅做線圈。線圈的匝數影響音色，匝數越多，音色越柔和甜潤，匝數越少音色越清脆。線圈的繞制方法和多個線圈的組合方法影響音色。拾音器用的磁鐵影響音色，磁場強的，拾音器出力大，信號強，弦的震動衰減速度快。磁場弱，相應信號弱點，弦的震動衰減時間長。大家可以通過調整拾音器高度來嘗試調整音色。拾音器低，出力小，音色柔和，拾音器高，出力大，音色硬朗。

弦各種牌子的弦音色差異很大：

換弦如換琴。粗型號的弦音色乾脆硬朗，適合重的失真節奏。細型號的弦軟，音色柔和，SOLO比較舒服。新裝的弦聲音散，不積聚，彈一段就穩定了，音色最好。太舊的弦失去彈性了，聲音乾。說弦的不同，也就是彈性、材料（導磁性）、粗細的不同，影響吉他音色。

擴音系統：

能令電吉他發出聲音的，不光有專用音箱，還有別的系統，比如Rack式效果器組+Mixer+專業功率放大器+專業音箱。專用音箱的電路形式主要有真空管類和電晶體類型。兩者音色上的差異，跟他們的物理特性有關。真空管電路動態大、自然帶有一點壓縮效果，超載時諧波特性以聽感好偶次諧波為主，所以音色好。電晶體的諧波特性以奇次諧波為主，超載時比較難聽。真空管超載能力相當強，能滿功率輸出，而電晶體放大器超載能力弱，所以標稱功率相同的音箱，真空管的音量可以開到大很多很多。真空管音箱可以調超載產生好聽的失真音色，電晶體音箱的失真電路，只能通過的內置效果器實現了。

單體(喇叭)的性能對音箱音色有影響，也是頻響範圍、靈敏度、衰減特性共同作用的結果。通常採用紙盆喇叭，取其靈敏度高、回應快。還有許多種別的材料的喇叭，音色有所不同。

音箱的箱體結構不同發出的聲音都不一樣，大家可以用吉他箱和貝司箱比較一下。如果吉他信號通過Mixer系統放大，那音色就不像專用音箱出來的那麼個性分明。所以，吉他直接進Mixer的不多，一般加音箱模擬器。

效果器：

電吉他音色的千變萬化，全是效果器的功勞。

我個人認為，失真類的效果器還是單顆類比電路的好，它會反應出Picking觸弦的力度甚至左手按弦的虛實，還有很多微妙的細節，綜合的就沒有這樣敏感吧？(當然這很見仁見智)，但是我自己覺得，效果看要求決定，並非串的越多越好，有一個好失真、一個Delay（或Rever或Chrus）就足夠了。消雜音器的使用實在是無奈的舉動，它會使音色大打折扣。人家大師的音色固然好，但也許不是最適合你的音色，何況也很難調出來一模一樣的。所謂好音色，就是自己喜歡的音色。

Pick不同硬度、不同材料、不同形狀，對音色的影響很明顯：

厚的、硬的撥片，觸弦會產生嘎雜的聲音，聽起來很有趣。薄而軟的撥片，弦音柔和。角度小的撥片，就比角度大的撥片音色尖銳。

信號線及導線：

好的信號線，噪音非常的低，音色平衡度好，對高頻沒有太大的衰減，影響信號線質量的有很多方面，包括芯線的材料、各線層的結構。傳說中好信號線的每一根線絲是用高純度的單晶體無氧銅拉制成的。線層的結構大有學問，是各個名線廠家的不傳之密。在發燒音響中，線材對音色的影響相當大，價格也有天價的。好信號線，至少要內阻小、寄生電容小、結實、柔軟，達到這些要求的，就會低噪音、音色真實。使用中信號線要儘量短點，有助於降噪。

環境：

在各種環境中，相同的設備配置和設定，出來的音色都不一樣。房間的大小、形狀、衰減特性影響音色，音箱系統的擺放位置、高度、方向影響音色，在露天場合也類似。

就算是我們的所有條件跟大師的都一樣，恐怕也無法得到跟大師一樣的音色，因為人才是關鍵，彈琴的手法和個人的聽覺還是不一樣。

U2樂團介紹

主唱：Bono，吉他：Edge，貝司：Adam，鼓手：Larry

U2做為八十年代傑出的"Guitar Band"，一直以音樂散佈政治理念，扮演著在沙漠中追求理想的人。U2不單是音樂上的革命家，更是和平運動的擁護者。他們的作品完全集中在"社會的/政治的"（Sociable/Political）視覺上。因此"U2"所展現的風範儼然就是"和平運動"（Peace movement）的追隨者。

起源於愛爾蘭的U2組合從1977年就開始了他們的音樂生溽，當時樂團主要成員還都在都柏林上中學。其中，Bono (即Paul David Hewson，1960年5月10日出生於都柏林，樂手)，The Edge (即David Evans，1961年出生於埃塞克斯，吉他手)，Adam Clayton ( 1960年3月13日出生於英格蘭牛津郡，男低音)以及Larry Mullen Jr(即Laurence Mullen，1961年是10月31日出生於都柏林，鼓手)，最初一段時間曾演奏過滾石及海灘男孩樂團的精典曲目，

1978年的夏天，當時正是punk搖滾在歐洲大陸風行之時，因此很多人認為"U2"就是一般的punk樂隊，但Bono否定了這種說法，而認為自己是一隊前衛樂隊，目標是朝著"Sociable Band"的方向前進，因此他們取"U2"作團名是取其"中立"（Neutrality）之意。"U2"的團名也是幾經波折才定下來的。成立之初，取名"回饋"（Feedback），後來改為"The Hype"。最後定名為-"U2"！10年來，U2的陣容一直沒變，4位成員的配搭無懈可擊。主音Bono激揚妖氣的唱腔，Edge急劇飛弛的吉他，Adem富有靈氣的貝司，Larry獨一無二的鼓擊，這一切一切都源自於U2十多年來成員之間的真摯友誼之中......

1982年U2推出《WAR》專輯，為該團在英國獲得了第一張冠軍專輯。唱片中的單曲《Sunday Bloody Sunday》一推出就遭到英國電臺的封殺。故且不論這首歌是否被電臺誤解，不容忽視的是這首歌確已沾有血腥味，歌詞陳述了戰爭的後果就是橫屍遍野、家破人亡。另外我們從《Like a song》也可以看出"U2"是一個民族意識十分強烈的藝術團體，他們不希望發生戰爭，他們祈求的是和平盛世，他們認為世間之所以會有爭鬥，就是因為詞中所說的"Angry words won't stop the fight.Two wrongs won't make it right"。詞句醞釀得十分成功的要算《Seconds》這首曲子，它把萬物生生不息比作一個常態現象。這是U2政治色彩最濃厚的一張唱片。

1987年的《THE JOSHUA TREE》推出時，無人不虎視耽耽地靜觀對這張專輯的評價。當然，這是U2歷年來最暢銷的專輯，也是U2最具流行元素之作。唱片仍然是Brian Eno和Daniel Lanois監製，專輯從"冷漠與消沉"著手，因此它的封面與內頁都是以荒涼的沙漠為主題。唱片內收集了U2有史以來最代表的幾首作品：Where the streets have no name、Istill haven't found what i'm looking for、With or without you等。以消極心態創作的"I still haven't found what i am looking for"就是講一位竭盡心力想追求一個理想王國的人，百般苦尋卻無結果。U2假像的天國就如《In good's country》裏所說的，儘管她落漠荒涼，卻還是希望她是自由的國家，能拯救子民。《the joshua tree》是U2的一個轉捩點，也是U2從愛爾蘭、英國走出全世界的一張唱片！

87年的《the joshua tree》，三年來的磨練U2終於帶來了樂迷望穿秋水的顛峰作品《ACHTUNG BABY》。這張唱片無論是台前還是幕後都匯合了一群樂界精英分子，除以往御用的Brian Eno/Daniel Lanois/Steve Lillywhite更加請來金牌監製Flood。可以說這張唱片是雲集了一群世界級的音樂巨人的一部經典巨作。也是U2無論是以前還是現在都無法超越的一張專輯。唱片的每一首作品都具有發行單曲的條件。也是U2第一次有意識擺脫搖滾樂隊的框框，將諸多的摩登電子元素融會到樂隊的"band sound"中去，在樂曲的層次上更是細意雕琢，令人回味無窮。既有充滿藥味的迷幻作品，也有令人盪氣迴腸、催人熱淚的勵志歌曲。《ACHTUNG BABY》標誌著U2已成功的步入九十年代的新音樂潮流行列。

同年，在英國的利姆裏克市獲得選秀比賽的冠軍之後，U2被知名的音樂經紀人Paul McGuinness看中，並很快與CBS愛爾蘭唱片公司簽約。他們的第一張專輯《EP U2:3》中收錄的單曲《Out Of Control (1979)》登上了愛爾蘭流行歌曲排行榜的榜首，後來U2還以一曲《Another Day (1980)》再次佔據排行榜首位。不過這期間他們與CBS英國唱片公司的合同期已到，可以與愛爾蘭地區以外的任何唱片公司簽約，於是他們成為Island唱片公司旗下的樂隊。他們在英國首次推出的單曲《11 O'Clock Tick Tock》由Martin Hannett製作，儘管樂迷的反響良好，但卻未能登上排行榜。與此同時，他們的另外兩支單曲《A Day Without Me》和《I Will Follow》卻銷量不佳，但這並未影響他們為推出第一張專輯《Boy》做準備，這張專輯由Steve Lillywhite製作，是對他們自己青年時代的一個紀錄，儘管曲風感人而且催人向上，但還是受到了一些樂評人士的指責。這種指責之聲隨著U2當時在英國全境進行的現場演出而越來越強烈。儘管如此，Bono令人難忘的嗓音以及樂隊極富激情的表演還是向世人顯示，他們是1981年最有發展潛途的樂隊。在前往美國進行巡迴演出之後，U2又回到了英國，這時他們的單曲《Fire》已被列入英國流行音樂排行榜的前三十名，另外一支也引起較大反響的單曲是《Gloria》。

同時，U2新推出的專輯《October》也深受樂迷喜愛，他們為這張專輯賦予了宗教色彩，使其更加具有震撼力。1983年2月，U2憑藉單曲《New Year's Day》登上英國流行音樂排行榜前十名，據稱這首曲目的主題是希望，是根據波蘭團結工會發起的政治運動創作的。這一專輯的主題將宗教與政治衝突有機的結合起來，其主打歌曲《Sunday Bloody Sunday》尤其成為U2樂隊最令人難忘的曲目之一。另外一首名為《Under A Blood Red Sky》的單曲也給人留下了深刻的印象，並在英國流行音樂排行榜上名列第二位，這首單曲還首次使U2躋身美國流行音樂排行榜第28名。1984年夏天，U2開始計畫進軍搖滾歌壇。Bono與Bob Dylan聯手首次在後者的音樂會上亮相，同時U2還組建了自己的Mother唱片公司，其宗旨是在愛爾蘭發掘更多的音樂新人。其間，由Brian Eno及DanielLanois合作製作的《The Unforgettable Fire》顯示出U2樂隊已更加成熟，這一單曲使得U2在美國流行音樂排行榜上的位置更加靠前，而且還獲得了巨大的商業成功。另外一支單曲《Pride (In The Name Of Love)》更加強烈地顯示出U2音樂中獨特的激情和人文風格，這種風格已漸漸成為U2的代表風格而為樂迷所熟悉和接受。

U2樂隊致力於慈善事業的情懷在他們隨後做出的一系列舉動中更加明顯地反映出來，他們參加了愛爾蘭自救運動舉行的各種公益活動，與國際大赦組織進行合作，並參與了Little Steven反種族隔離歌曲《Sun City》的演唱。在這同一時期，U2樂隊開始了全球巡迴演唱之旅，並完成了他們下部專輯的錄製工作。這張名為《The Joshua Tree》的專輯在1987年3月推出，它鞏固了U2的樂壇地位，使U2成為世界最受歡迎的樂隊組合之一。這張專輯在英美連續佔據排行榜前列，顯示了U2樂隊新的更為寬廣的聲音以及深入人心的抒情旋律。專輯中的兩首單曲《With Or Without You》和《I Still Haven't Found What I'm Looking For》共同登上了美國流行音樂排行榜的首位。自這一具有里程碑式的專輯之後，1988年對U2樂隊而言是相對平靜的一年，Bono與Edge出現在了Roy Orbison執導的影片《神秘女孩》中，而U2樂隊演唱的歌曲《Desire》也成為他們第一首在英國獲得排名第一的熱門單曲。

另外由於受到專輯《The Joshua Tree》成功的影響，U2樂隊面臨著後續推出同樣出色專輯的巨大挑戰，為此他們花了很長的時間商討此事。在此期間，U2樂隊的成員曾參與了紀念Cole Porter專輯的錄製工作，在這張名為《Red Hot + Blue》的專輯中他們演唱了一首節奏很快的歌曲《Night And Day》。1991年底，U2樂隊演唱的歌曲《The Fly》入選英國排行榜，並很快成為榜首歌曲，它重複了U2樂隊《Desire》單曲的成功。歌曲《Achtung Baby》則延續了U2樂隊的音樂風格，它強調了U2在國際搖滾音樂上地位。批評人士雖然仍對Zooropa和側重舞蹈的Pop進行毫不留情地嘲諷，但U2樂隊卻是現代搖滾樂領域最受歡迎的樂隊之一，他們在體育場的演出總是吸引無數的樂迷。

到了九十年代中期，Bono將他的許多時間花在了歌曲創作方面，他與Edge一起為007影片《黃金眼》創作了插曲。此外在巴黎舉行的MTV頒獎典禮上，Bono痛斥了法國總統希拉克，這在當時成為轟動一時的新聞。Bono非常明顯對法國所進行的核子試驗感到十分不安，但他在走上舞臺接受頒獎時還面帶笑容，他的從容表現欺騙了所有在場的觀眾，但他隨即就拋出了諷刺之詞。Bono說：“多好的城市！”(觀眾喝彩鼓掌)，“多好的夜晚”(接著喝彩)，“多好的炸彈”(觀眾有些莫名其妙但爆發出了笑聲)，“多大的錯誤”(觀眾的反應十分困惑)，接著Bono說：“你們有個多麼總統卑鄙的總統”(零星地爆發出噓聲)。

U2樂隊1998年重新錄製的歌曲《Sweetest Thing》在當時英國熱門單曲榜上排名第三，此後U2樂隊發行了其首張金曲回顧轉輯。2000年3月，Bono為電影《百萬英鎊旅館》譜寫的插曲正式發行，插曲是U2樂隊專門演唱的新歌《The Ground Beneath Her Feet》，歌詞由拉什迪所寫。這首歌同時被收入了U2樂隊的專輯《All That You Can't Leave Behind》，在這張專輯中，U2樂隊避開了電聲樂器，轉而使用了八十年代後期的搖滾風格伴奏。

依首張精選輯的收歌慣例，U2合唱團11月5號即將面市的最新精選大碟“U2: The Best of 1990 -2000”也將推出同時收錄包括"Summer Rain"、"Your Blue Room"在內的14首B面單曲的限量盤。

限量盤的B面單曲特輯中有10首是混音版，包括Paul Oakenfold混音的"Even Better Than the Real Thing"，另一位紅牌DJ William Orbit為精選輯的新歌"Electrical Storm"擔任混音，而新歌的原始版本則將納入B面單曲特輯中

在U2的音樂生涯裏，的確經歷過許多的風風雨雨。有過叱吒風雲的輝煌時期，也有過唯唯諾諾的低潮階段。無論如何，時至今日的"U2"經過十多年來的千錘百煉，已成為世界流行樂壇的殿堂級名字。從初期《Boy》時的Post-punk風格，到《October》的熱血搖擺，《War》中滲如的深刻社會意識，《The unforgettable fire》的首次與Eno合作，過渡到《The jos huatree》的轉捩點，《Achtung baby》的高峰時期，《zooropa》時的前衛意識，進而到專輯《pop》的舞曲革命思想。回顧U2的音樂歷程，的確變了許多許多，唯一不變的是U2一向以來的不死音樂信念和他們四人永恆不變的真摯情誼！

對於那些要掌握吉他的主音吉他手來說，必須發展演奏技巧使其能演奏出他想像中的東西，任何音符連接。一個連續的佈局應能有效的運用設備中的已存在的能力，而不是分割地學習每一個技巧。

一、技巧練習：

練習使改進特定技巧的工具。他們能使你致力於單個技巧，使你能很快地掌握。通過正確的練習，能使你在幾星期或幾個月，而不是幾年，獲得成功。

1.        減速：慢慢地演奏，不要出錯。你的手指將依你的訓練而移動。如果你快速練習，甚至100次，你能說在101次時，你突然就能正確而清晰地演奏嗎？然而，假如你正確地練習100次，你可以保證接下去的一次一定是完美的。

2.        避免心理障礙：假如你過分集中注意力，你會緊張、焦慮，這種壓力會使你犯更多的錯誤，反過來有加重了焦慮。不要壓迫自己。保持平穩而流利的節奏。與節奏結合的自然運動會阻止心理障礙的產生。

3.        注意練習的目的：既然練習使按提高某種技巧而設立的，你應該明白練習的目的使什麼，然後在你練習的時候，集中注意力。

4.        不要在某一練習上用太多時間：如果你練習某種技巧太多的時間，你實際上會開始走向反面。最好是在練習之後放鬆肌肉。演奏一些不同的東西，然後再回到原來所練習的，就會發現原來並不難！

二、基礎動作之左手：

1.        大拇指位置：左手有兩個基本位置，一是將大拇指放在琴頸後；二是將大拇指勾住琴頸頂部。大拇指放在琴頸後面這種位置給你的手指更多的活動空間，並能更準確地控制。用在需要更寬琴格上的爬音階或即興樂段。另一種指位可以更有力量並控制推弦。

2.        手指運動：你需要移動手指越遠，到達目的的時間會越長。因為距離等於拍子，將手指貼近琴弦～懸在一釐米左右處。當你垂弦或勾弦時，不要讓一個手指離弦太遠。等到發生這種現象，再改就很難了。

3.        手指的流暢性：練習在下一個音符來臨時抬起先前的手指。將幫助提高左手的圓滑與流暢，更加自然地移動指位。

4.        手指的準確性：養成習慣，讓每一個手指按在相應的節上，而不是節與節之間的空間。這使你左手更加堅定而正確。用手指指尖。

三、手指獨立性練習：

左手的每個手指在移動時不影響其他手指，被稱為“手指的獨立性”。有了很好的手指獨立性，你的手指將會更加放鬆，而新的音符形式能很快地被掌握。把音箱調到清晰無失真的音色，使你能瞭解手指所做的。大拇指用“頸後式”。慢慢地練習，保持穩定的節奏。關鍵是準確度和控制力，而不是速度。

注意：把手指貼近弦，正確按位置，用手指尖練習，當下一個來臨時，抬起每一個手指。

四、顫音練習：

是指快速交替演奏兩個音符。將演奏較低那個音符的手指固定在品位上。顫音是集中在某一特定音區中的一系列推弦和鬆弦。在你將推弦至所需音高時(通常不到半音約1/4)，輕輕的放弦，然後推弦至所需音高，如此反復。必要時，用食指制音相連的弦。

五、垂音至新的一根弦：

可以不用演奏預先的音符而使用垂音的方法演奏。注意它發出的聲音是多麼平穩。必要時，用食指制音相連的弦。

六、連續性練習(練習音階)：

一個“連續”是指一系列旋律思想重複演奏，除非必需降一音程或升一音程開始演奏。以三個音符組（三連音）連續的音階是很好的左手練習。

七、推弦練習：對於主音吉他來說，推弦和顫音是必需掌握的最重要的技巧。練習時，演奏第一個音符，然後推弦至所需要的音高。推弦時，大拇指在琴頸頂部的位置。

八、轉動到臨近弦：

通常即興演奏使用同一格的兩個音符，但在兩根相連的弦上(如1弦5格及2弦5格)。演奏時，不要讓弦同時發出聲音。必須轉動你的手指到新的弦而離開先前的弦，不要離開指板。離開指板換弦會使兩個音符之間有一個停頓，而因此聽起來不流暢也不準確。但要注意悶音。

快速演奏是大多數吉他手想達到的，但是如何正確的提高速度？很多人理解不正確，也沒有好的方法，這裏結合國外的文章來談談~~文章參考《rock guitar》一些觀點，願大家如願的達到高速演奏的境界。

快速演奏大體分為指彈和匹克彈法，今天討論匹克的奏法。

提高速度的4個基本原則是：慢速反復，每日練習，節拍器和鼓機的使用，以及系統化的訓練。

慢速練習是不可少的，逐步提高是個關鍵，節拍器設在低速，一直到你能反復彈沒錯誤，當你提高速度不要超過10％，比如從60到66，當感到困難的時候，降低5％。每天都要鞏固前一天成果，慢慢提高，如果你彈高速很困難，就不要在提速，這將是有害的。安全的演奏是很重要的，如果你可以演奏120的，在100的速度彈，你會覺得輕鬆和安全，切記速度只是你學習吉他的一項內容，需要學的還很多呢，和聲，編曲，即興演奏等等。

大師說過：你以150的速度彈solo，丟音和髒音很多，聽起來不如120速度乾淨的演奏快！！！

如果你反復練習後 112的速度還是不能乾淨的演奏，可能是你的基本技術錯誤，去找個老師教學。

據說250的速度是個極限，如何找到你自己的極限？必須系統的練習，不要太快地開始你每天練習，如果你不能慢彈，你也無法速彈。利用節拍器和鼓機，提高自己的節拍感，不要單純的練爬格子和音階，要結合節奏和旋律一起練，節奏也非常重要，結合軟體，調整軟體速度練習節奏和旋律。首先要把節奏彈乾淨，彈準。

要利用對比的音樂特性，沒有對比，你得到的只有單調，光有速度的音樂就像是雜技演員的技巧，沒有音樂性可言，慢速的技巧也不容易，很多慢速的推弦技巧，慢三連音的技巧，延音的技巧都不容易。很多的曲子，運用的速度很快，但是沒有對比，還有很多髒音和丟音，聽著想流水一樣，無味，無感覺。這可能是練習時的錯誤和編曲的簡單。zakk練習就很系統，也是從很慢的速度練習起的，很快很乾淨。大家多聽一些吉他大師的快速樂句，最好能哼下來，找到一種自己的感覺。

最後說在多其實練吉他只有一個字：【練】！

雙手點弦電吉他大師Stanley Jordan講解~

作者：Stanley Jordan (於官方網站翻譯，但網站掛了？)

“觸摸”,或”雙手點弦”的技巧可以提供我們發掘吉他無限的可能。  最早有記載的吉他手用這一技巧的是50年代的Jimmy Webster。現在在吉他手中已經是很普及了。點弦是：用手指錘擊琴弦打在指板上，可以以一隻手產生發音。你不需要勾或掃弦，因為琴弦撞擊指板的力量導致琴弦產生震動，雙手都可以，你還可以同時用雙手點弦，同時演奏獨立的部分。

能夠用這種方式發出聲很容易，但想掌握這個技巧無限的可能性就是另一回事了，它給了你以前只有在鍵盤上才可能有的複雜的音樂性，你可以自己演奏bass和和弦的同時來演奏你的主旋律，你還可以演奏複雜的曲子，一些像巴哈的兩部和三部分的創作，在一個樂隊的幫助下，你可以同時用你的雙手飛快和清晰的演奏主音。

 很多你們的第一次嘗試都是擴展你們在吉他上以現有的知識，學習鋼琴的演奏法，但你很快會發現你手中的樂器已經完全煥然一新。

 你可以在差不多所有的吉他上用這一技巧(有些需要小的調整)，我已經成功的在Fender Stratocaster，Gibson Les Paul and ES-175s，Travis Beans，和其他琴上演奏過。我甚至在一些古典吉他演奏過。理論上來說，用來演奏點弦的樂器應該是電吉他，要有一個非常準確的琴頸，好的銅條強有力的拾音器，良好的延音。在所有這些要求中，琴頸和銅條的好壞最關鍵。

 很多人問我”我在我的琴上試過了，但是不行…”，其中很大的原因是缺乏適當的校正。其中最重要的一點是弦要低。弦要差不多貼在銅條上(但並沒有真正接觸到)。這是能否彈的乾淨、快和延音最關鍵的地方。當弦很低時，非常輕的一點就會產生清脆的音色。

 到底把琴弦調的多低才適度呢?  極端的底! 如果弦於12格的距離大於一個硬幣的厚度，那可能就太高了。在你能夠熟練掌握這招後，你可以再根據自己的喜好來調高弦的高度，但現在，還是越低越好。

 指板，銅條的高度必須要非常精准，才能在弦很低的情況下卻不會打弦。 如果你有問題，看看琴頸是不是直的。一點的調整也可能是需要的。然而，電吉的好處就是一些打弦的聲音不會被拾音器拾到，也不會傳到音箱裏。檢查一下銅條的狀況；如果它們不是非常均勻的被磨損，你不會達到你需要的弦高。如果銅條有磨損。換銅條可能是個好主意~無論你是怎樣的演奏風格。他很可能帶給你從地獄到天堂的轉變。如果你決定要換，告訴他你所需要的調整，把你的弦高調到你中意的高度，帶給他看，就說”我想要我的弦能在這個高度，而且不打弦”

 如果琴橋上有分別糾正琴弦高度的saddle，這是一大優勢；它允許你把每一根弦設在不同的高度，這樣就減輕了每一根弦不同的拉力和音量。(固定琴橋的好處就是你可以更快的調整弦高).

 音準也是很關鍵的，因為現在你可以同時在琴頸的兩端同時演奏，要細心的檢查一絲音準的不同，當音準正確時，你雙手的和聲會聽起來更甜蜜，你的和弦的聲音也會更清晰。

如果這些關卡都被你突破了，再想想這個更難的問題。一般情況下，你靠的是右手的撥或掃弦來發音，而左手按住弦。你可能在左手不用的時候還悶住弦，防止不需要的雜音。但是點弦…這一點是很難做的，因為弦很低，你可以非常輕易的點到你本不想點的弦；其實它所需的就是輕輕一點。我建議你把手指儘量保持垂直，當點弦時儘量垂直從上方向下用力，這樣就不會碰到別的弦了。

 即使是很乾淨的指擊，你也會導致其他弦產生的共震，所以你需要用什麼東西來幫你把弦悶住，你可以把什麼東西綁在一格的位置上，不要緊，只要輕輕的附在弦上，就起到了消音的效果.

 好了，在你嘗試點弦這一技巧之前，換了你的弦，舊弦在點弦時會更遲鈍。弦一定要乾淨而且音準要精確，弦的粗細問題：當我剛開始時，我用 .008和 .009的弦，現在我用 .010的，有時候我會換回一套 .009的弦，但把.009換成.010，因為更有力度，延音效果也更好。輕的弦和低弦高使點弦更容易，但是音色聽起來就更薄一些。這就要見仁見智了。

 洗乾淨手和剪剪指甲也是好主義，當你的手指垂直擊打琴弦時, 指甲如果長了是很麻煩的，我推薦在嘗試點弦前用常規的技巧來熱身，如果你又正好是鍵盤手，可能在鍵盤上熱身效果更好。很自然的，雖然不是類似的樂器，但是彈鍵盤用力的方法會起很大的幫助。點弦技巧會導致一定的音量丟失，所以電吉更合適，強有力的拾音器更好。把你的音量放開，學著憑感覺彈，這樣可以增加你對力量的控制力，如果你的拾音器可以調整，把他們調高，離弦越近就對震動更敏感。

好了，現在你的琴已經為點弦而調試好了。你的弦換了，手也洗了，你已經準備就緒。你怎麼握琴呢？就用你自己最舒服的姿勢就最好。你可以站著，坐著把吉他放在左腿或右腿上，或者你可以把吉他架在架子上，一個很重要的事項：保持放鬆，尤其是你的雙手，保持雙手放鬆的關鍵是讓姆指放鬆。雙手都由姆指固定在琴頸上。當然，以後你會學會右手的位置會因為演奏的需要而變化。

 你的指頭應該落在琴格之間，就像你平時按弦的位置.  你的右手更像是垂直在指板上，所以你可能想把你的琴頸擺在高一些的位置，這樣你就不會為了把右手扳直而很累了。把右手手肘向前移，幫助你保持小臂和手腕的垂直，為了防止得關節炎，不要把手腕彎曲超過10度。記住保持右肩要放低，降低肩部的壓力，保持姿勢的平衡。

 最基本的點弦動作是點擊和保持，你的手指垂直向下把弦點擊到指板上，不要動，保持住，讓這個音符響的越長越好。想斷了這個音，輕輕的抬起手指，儘量垂直，這個動作必須要非常輕，你幾乎不用抬起指頭；主要是放鬆了它，讓弦自然的恢復。

 錘擊的動作主要來自你的手指，而不是手腕，如果你已經養成用手腕發力的習慣，你的手指會很快變的僵硬，這樣會嚴重影響你的速度，你可以用雙手的四指，你甚至可以用你的姆指，但現在我建議你先從手指開始。

 現在有這麼個問題，所謂的”點”或”觸摸”都太簡化了，因為我們所要說的是一整套相關的技巧。你需要其他技巧使你的音樂表達能力更豐富。一個非常好用的技巧是”滑弦”，點弦跟著在按住弦的同時滑弦，記住你的手指應該是垂直下落擊弦。

 垂音和勾弦是最簡單的，在彈一段上行段時，點第一個音，但之後，點後面的音但不要放開之前的音，連著垂音，保持手指不要動。 在同一弦上彈下行段時，用勾弦。同樣，第一個音還是同樣的點，但這次點完了你要放開它，在彈下一個音前讓指頭已經落好。當放開前一個音是把手指向一旁拉開，這樣就成了勾弦。一般情況下，右手手指向一弦撥，左手向六弦撥，當然，不要碰到不必要的弦。

當從一根弦換到另一根弦，無論是上行還是下行，第一個音要撤的晚，這樣音符就會延續到下一個音，這樣就彌補了音符之間的空隙，同時模糊了弦與弦之間不同的音色和音量。這個技巧要花些時間。不管怎麼樣，要想彈完美的Legato樂句是很難的，因為換弦比起在同一根弦上彈還是非常不同的，為了使一個Legato樂句盡可能的平滑和舒暢，所有的音符需要在同一根弦上。

 弦越低，換弦的麻煩就越小，因為從擊弦到發音的時間被縮短了，換弦也更快了。這也降低了音符之間的空隙，一根弦上的Legato技巧也更容易了，當弦非常低時，你可以彈的飛快如水銀落地。

 如果一段Legato樂句有多於四個音符，你可以用雙手，兩手交替，一前一後，如果需要的話。

 還有最後一件事，在我們彈之前；雖然你可以在任何調子下用點弦技巧，多數吉他手可能從正常調子開始(EADGBE)，但是，我用EADGCF。

1弦和2弦都升了半音，這樣所有的弦間的音程都是完全四度。我發現這樣使指板變得更容易了，也更有邏輯性。

雙手點弦這個技巧還有很多名堂，但現在你學會了最基本的了。這個練習應該能讓你的手活動開。雙手同時彈差開八度。練習這個直到你能舒服準確和乾淨的點弦。

很多年沒拿到紅包了 (從我國小畢業開始，案！十多年咧) ~~~我已經忘記那種喜悅~~

也忘記是何時開始包紅包給家人，好像高三開始吧！ (誰規定小孩不能包紅包)

不過現在就幻想如果我有紅包！

首先：

1.分七，三帳！

2.七分裡面的 2分留著過年吃大餐看電影， 1分 買琴的消耗品，1分買 日常用品 (大便總要擦擦屁吧！如果在吃飯，抱歉喔^^)，1分 買唱片VCD，1分 買狗類用品，1分 買電腦升級用品。

3.銀行上班時把剩下三分存進去，繼續當生活費！

當然如果夢想成真，今年真有壓歲錢的話就開心了，不過....說不定只有1000元！哈哈哈！

祝大家紅包多多喔！^^

幾乎市面上的效果器作用都介紹到了，對於初學效果器的朋友相當有幫助！但有些市面上的一些效果器有些只是名稱不大一樣，但卻只是換湯不換藥而已(日本人就愛搞這招！)

一、壓縮（COMPRESSOR）：

壓縮的作用在於調節各音的響度使之音量達到均衡，它可以防止你彈奏得過強或過弱。壓縮單元一般稱為壓縮器，它裝有特別的放大線路，當你彈得太弱時，它可以提高增益（音量電頻）；當你彈得太強時，它可以降低增益。

壓縮效果一般可以通過以下三個方面來調節：

1.        閥值（threshold）：決定什麼時候對信號進行壓縮或不壓縮。設定閥值後，壓縮只對大於閥值的信號進行壓縮。

2.        時間（release time）：設定壓縮發揮作用的時間。

3.        延音（sustain）：對信號進行延長。

4.        ATTACK：主要作用是控制觸弦時的音頭力度大小。(難以解釋~)

二、限制（Limiter）：

原理跟壓縮器一樣，只不過ratio設的很高(例如200:1)，可使吉他音量超過Threshold(門檻)後，就不會再增加。

三、消噪音（NOISE GATE）：

原理跟壓縮器一樣，只不過ratio 設定到無限大。所以當吉他音量低過Threshold (門檻)後，NOISE GATE開始把所有的聲音砍掉，這樣可以控制噪音。作用就是將信號雜訊吸掉，讓吉他的音色變的乾淨。但注意，過多的加入會影響演奏時的力度表現和聲音的尾音。

四、哇音（Wah-Wah）：

Wah-Wah踏板實際上是一個帶通濾波器。當它被置於一定位置時，可以用來控制音調；而不斷踩動它時，則會由於高低音的交替增減而產生出特殊的效果。當你把wah-wah踏板的前端踩下去時，高音就會增加；把後端踩下去，低音就會增加。也就是說，哇音可以將信號的某個頻段進行放大或縮小。

五、失真（distortion）：

對於電吉他手而言，失真效果是最重要的效果，因此要對它做比較詳細的解釋。(這裡先介紹原裡~不想理解可跳過！有機會會在po一篇關於失真的介紹！)

失真效果主要有：

超載(Overdrive)、失真（distortion）、法茲(Fuzz)、金屬(Metal)等等。超載是用來模仿音箱的音量開最大聲時產生的自然的失真音色，失真度不大，保留了吉他原有的特性，沒有多少延音；法茲比失真來的粗糙，混亂；金屬則製造出堅硬粉碎般失真。

所有的失真/超載效果器的原理都是通過對信號的大量增益，讓線路達到飽和，從而實現非線性放大並產生失真的。電吉他原來的信號類似一個正弦波，我們現在假設讓這個信號通過一個失真效果器，先把失真度調到最小，然後慢慢開大，於是波形上下兩端開始出現剪切，這時吉他音色發生了一些變化，出現了奇次的偕波，繼續調大失真度，這時正弦波已經變成方波了。也就是說失真度大小是和輸入信號大小成正比的，由於超載效果器是工作在臨界失真狀態附近，這時吉他音色將隨著你撥弦力度而變化，你越用力彈，信號就越大，失真也就越厲害。吉他信號的是隨著時間而衰減的，但是失真卻能使吉他信號減弱程度變小。

影響失真音色還有一個重要因素就是失真的硬和軟，硬的失真聽起來特別結實，偕波成分比較豐富，顆粒比較小，像粉碎了似的，例如：Metallica的音色。BOSS MT2一類的金屬效果器就是硬失真。

軟的失真聽來不那麼刺耳，彈低音弦時顆粒較大，嘎聲不明顯。硬和軟在波形上的體現是方波角落的鋒利程度，硬失真的方波比較尖，棱角分明，而軟失真方波為圓角狀。讓我們來想像一下兩種極限情況吧，失真波形如果無休止的硬下去...棱角越來越鋒利...最終將成為真正的方波，這是一種很刺耳的音色；反過來，失真要是軟得不能再軟的話，這時方波的邊角實際上已經不存在了，波形變成了最光滑的半圓波，這時吉他的失真感已經完全消失，但是仍然存在著持續音，這種音色聽起來有點像壓縮效果器產生的音色，也有點像某種情況下大信號通過真空管音箱發出的音色。

PS：硬度並不等於失真度，失真度影響的是延音的長短，硬度影響的則是偕波成分的多少。硬失真和軟失真，同樣在比較低的失真度下，硬的失真聽起來更明顯。

還要注意的一點就是波形的頻率，在同樣的失真實際硬度下，不同頻率的正弦波失真後的聽感完全不一樣，越低頻率的信號失真後主觀上聽起來覺得越硬，頻率越高的信號波長越短，越接近方波角落的圓角半徑，偕波成分就越少，因此聽起來感覺就來得更軟。我們還要考慮到吉他實際的波形比正弦波要複雜的多，它包含著各種頻率的泛音成分，一些超載效果器就利用了這點，像Ibanez TS-9效果器，它便是讓更多的中高頻信號通過削波電路，從而產生更軟更光滑的超載失真，所以我們聽起來感覺彈低音弦時不像用失真效果器時那麼粗糙。

在雙二極體削波電路中，失真的硬軟程度是由電晶體P-N導通的反應情況決定的，矽二級管正嚮導通電壓約為0.5V，鍺二級管約0.2V，LED更高好像是1.5v，當二極體兩端的正向電壓從0v慢慢增加，一但達到能使二級管導通的電壓時，矽管是“突然的”，一下子導通，而鍺管卻是在它那狹小的不導通範圍內“漸漸的”的導通，由於LED是要發光的，因此它的導通速度將非常的慢。

削波失真的種類有好幾種，像FuzzFace效果器是讓三級管飽和削波，大多數失真/超載效果器都是靠二極體來削波的。而RAT效果器卻主要是利用運放本身產生失真的，由於運放的反相輸入端只有47歐姆和560歐姆電阻並聯後接地，反饋電阻是100k歐姆，這時運放將無法達到理論上的增益，於是便出現了運放飽和失真。運放飽和失真聽起來是很飽滿的，這正是RAT效果器音色的特點。信號從運放輸出後經過兩個背對背二極體的削波電路對音色進行調整，Vintage RAT效果器用的是1N4148矽管，Turbo RAT效果器用的是LED，Turbo RAT效果器的失真度小、輸出量特別大就是因為這個。

還有通過真正的真空管產削波失真效果器的，這些效果器電路形式都一樣。由於電子管燈絲耗電量很大，所以要用變壓器供電，陽極電壓一般只有12V，而不是真空管功放中那高達幾百伏陽極電壓。信號先經過運放高倍數增益，再通過一、兩級拇指式三級電子管或五級管放大產生飽和失真，最後經過音調電路處理輸出。

六、均衡、等化器（EQ）：

均衡效果主要是用來對調節信號的某一部分音頻加以擴大或減小，也就是我們常說的對低頻、中頻和高頻進行調節。它可以改變吉他的整體音色，也可以擴大音量。(想更詳細了解請參考EQ（等化器）各頻率聽感感覺以及音色範圍效果 一文)

在吉他音箱上也會有調節旋鈕，對於treble、middle、bass我想就不用解釋了，但對於Presence旋鈕還是要解釋一下的。Presence旋鈕是用來調節超高頻的，它可以在不增加厚度的情況下增加高音。

七、混響（Reverb）：

混響是指一個封閉空間裏的大量回聲，即使聲源已停止發聲，它仍可以使聲音持續一段時間。在任何封閉的空間裏，混響都可以自然產生。

人工混響單元通常用以給音樂增加“現場”感。

混響效果器基本上都有一個depth（深度）旋鈕，用以調節被延時信號與原信號在音量上的關係。好一點的也有一個控制延時時間的旋鈕。例如，如果要模仿離反射面較遠的地方的自然混響，可以把延時時間開大一些。

八、延時（Delay）

可以將聲音按原樣重複出來，間隔時間、次數、程度都可以進行調節。它的基本計算公式如下：60÷歌曲速度×1000=1拍。

假設有首歌曲是TEMP=120，根據公式可得1拍的時間是500ms，你可以根據此數值來設定延時音出現的時間。當然這只是參考用，(順便提一下，小弟我最欣賞調Delay最優的吉他手即是U2樂團的吉他手)

九、合唱、水聲（Chrous）：

原理是用Time Modulation(時間調節)的原理，將延遲時間調到0.01-0.04秒，如此把吉他訊號的頻率部分 (pitch)，加以週期性的改變，可以是聲音變的飄渺柔和。

十、飄忽、飛機聲（Flange）/相移（Phase）：

原理與chorus相同，用Time Modulation(時間調節)的原理，將延遲時間調到低與0.01秒以下，如此把吉他訊號的頻率部分(pitch)加以週期性的改變，可以得到像飛機一樣來回"咻咻"的音色。而Flange和Phase唯一不同處是在於Flange把被Time Modulation(時間調節)處理過後的訊號，放在乾淨的吉他訊號之後，而Phase則是在乾淨的吉他訊號之前和之後都放有被Time Modulation 處理過後的延遲訊號。

十一、八度音（Octave）：

作用是加一個高或低一個或兩個的八度音在原有的聲音上。

十二、移調（Pitch shifter）：

可以將原有聲音的音高變高或變低，也可以在原有的聲音基礎上加上一個相差任何度數的聲音。有些也可以用踏板來控制音高的變化，如Digitech的 Whammy踏板。

十二、和聲（Harmonizer）：

可以根據原有的音高，加上正確的和聲音程，例如加上三度、五度、七度等。大多數的和聲效果可以自由選擇所需的調性。(有時這功能會被一起做在八度音效果器裡。)

十三、顫音（TREMOLO）：

雖然之前已PO過【電吉他的調整】一文，但這篇是介紹【方法與順序】，一把琴如果調整好的話可是很好彈喔！且也比較難跑音！

1.調整NECK曲度：

用手指同時壓住第六弦於指板的第1格與第17格或最後一格，查看第8格的銅條，此時銅條與第6弦的底部約留0.25mm即一張紙厚度的距離(並非完全貼緊)。如果NECK彎曲，則要用工具調整！

2.調整弦高：

弦在標準音準的狀態下，各弦的底部離第十七格鐵條的頂部約為2.0mm或第12格處1.5mm~ 2.0m m ，用拇指輕輕撥弦檢查指板各處有無打弦狀況，酌量增加弦高。

3.調整八度音 (弦長比例)：

弦在標準音準的狀態下分別調整各弦弦長，調準空弦音及12格處的自然泛音，再測第12格音準，若偏低則縮短弦長；若偏高則增加弦長，調整時，測完12格音高後，把該弦放鬆調整Bridge處的前後，重複以上步驟直至6條弦的空弦與12格的音準皆正確為止。

4.調整Bridge高度：

一般搖桿座的作底應與琴身表面保持平行，若向上翹或向下凹，調整琴背後的彈簧張力強度，調整時需注意螺絲起子轉半圈即調音一次，直至搖座底部與琴身平行同時弦的音準正確為止。

5. 調整pick-up高度：

壓住最後一格，依各廠牌各型號拾音器的使用說明而定，弦太靠近拾音器會造成吸弦，反而減少延音，大致上大於2.5mm~ 3.00m m。

6.其他各細部保養：

定期擦拭指板油與弦油，(指板油可以久一點在上)弦鈕上的螺絲需注意是否太鬆，各個調整部位的螺絲與關節定期上油，若有生鏽的部分可塗上少許凡士林。

A guitar hero and monster!!

金屬界最著名的吉他手之一Zakk Wylde以其獨特的風格、出眾的才華以及毫不妥協的個性一直受到金屬迷與金屬吉他手的尊敬。Zakk於1967年1月14日生於Bayonne，在新澤西州的Jackson市長大（不知世界上有沒有叫ESP、Ibanez、Fender、Gibson、Washburn的城市！）。他本名Jeffery Philip Wielandt，父母名叫Jerome Wielandt，有個姐姐名叫Amy。Zakk的父親給了他一個昵稱叫“Flip”，是其中間的名字Philip的簡稱，他的朋友和家人就是這樣叫他的。Zakk八歲開始學吉他，因為不感興趣很快就放棄了。後來Zakk上了傑克遜紀念高中，高中讀九年級時十四歲的他又拿起了吉他，跟他的高中足球教練的兒子LeRoy Wright學彈吉他，也是受到這個傢夥的影響。勤奮的Zakk主要還是自學，通過刻苦的練習和聽帶子掌握技巧，剛學吉他那兩年，每天都彈琴8到12個小時。他學過Led Zepplin、Al Di Meola、John McLaughlin、AC/DC和Black Sabbath等人/樂團的作品，這些樂團/樂手也是他非常喜歡的，還有Van Halen、Jimy Hendrix、Randy Rhoads、Dave DiPietro，以及令人感到震憾的Frank Marino等。後來爭強好勝的Zakk為了學到他老師所說的在吉他上能學到的最難的東西：古典音樂，Zakk又和一個來自新澤西州Freehold市的傢夥學古典吉他，再後來是和曼哈頓的一個傢夥學古典吉他。整個高中他都在學古典吉他。

從一開始學吉他至今，Zakk最大的愛好之一就是與人一起即興演奏。即興早已是他創作與練琴的習慣，他的作品中的solo全是即興彈出的，甚至不願意刻意用心編排，更沒有搜索枯腸的情況。剛學吉他不久的Zakk是新澤西俱樂部的常客，當時那裏面高手如雲，從METAL到BLUES到JAZZ，各種風格都有。與許多吉他手的交流讓年輕的Zakk的技藝日漸成熟，他稱自己在俱樂部裏每看一個吉他手表演就是上了一堂吉他課。“我會問他們：‘嘿，兄弟們，《Flying High Again》中的solo是怎樣彈的？’於是便有人彈給我看。”

Zakk組的第一支樂團名叫“Stone Henge”，樂團在聚會上唱著名樂團的歌，像Ozzy的《Bark at the Moon》和Black Sabbath以及Rush樂團的歌。也就是那時，他開始約會一個名叫Barbaranne Caterina的女同學，後來她成了他的妻子。^^

1985年從傑克遜紀念高中畢業後，18歲的Zakk在當地的一家超市上班，當屋頂裝修工，還在若干樂團彈吉他。這時他開始寫自己的原創歌曲，並加入了一個名叫Zyris的樂團，替代了他們的吉他手Dave Linsk~後者離開去組了自己的樂團，現在他在給Overkill彈吉他。加入Zyris後，他開始叫自己做Zakari Wyland。他是從電視《迷失太空》中的Zachary Smith博士得到這個名字的。Zyris樂團在新澤西州南部有一些演出，但並不是太多，他們既玩自己的原創作品，也翻唱他們喜歡的樂團，如Black Sabbath和Led Zeppelin。那時，Zakk開始在新澤西的傑克遜城裏教吉他課。有許多人相信他們曾經在新澤西的整個東岸來回巡演，事實上他們沒有，儘管他們在著名的“Stone Pony”有過一次專場，這個地方是因Bruce Springsteen和Bon Jovi而大受歡迎的。

Zakk在電臺的Howard Stern節目中聽到Ozzy要試聽不出名的吉他手，但他只不過把那當成一個白日夢而已。在一次Zyris樂團的演出中，Zakk被搖滾攝影師Mark Weiss和Dave Feld發現了。Dave對Zakk的演奏感到驚訝，他找到Zakk告訴他Ozzy在尋找新吉他手，而他們會給Zakk一個宣傳資料袋。於是Zakk去讓Ozzy試聽了。他當時的心態是“我不過是在加油站幹活的，失敗了又怎麼樣呢？！”試聽中，Zakk彈了幾首Ozzy的歌，又彈了一些原聲和古典的東西。結束後，他回到家裏，覺得自己不會被看上。可是有一天他卻接到了Sharon Osbourne打來的電話，問他是否願意加入Ozzy的樂團。

1987年5月，年僅20歲的Zakk加入了Ozzy的樂團，開始了他命運的轉捩點。這時他有了一個姓叫做“Wylde”，而他給自己取這個姓的原因也是顯而易見的：“Wylde”與“wild（中文，狂野的）”同音，正是放蕩不羈的Zakk的性格。1987年12月15日，在紐約著名的Hard Rock Cafe（重搖滾咖啡館）Ozzy把Zakk作為他的新吉他手介紹給了公眾。而Zakk則在Ozzy的新專輯《No Rest for the Wicked》中初次亮相，這張專輯獲得了白金銷量。很快Zakk就以其獨樹一幟的重金屬聲音和風格在吉他界成了名。

1989年，Zakk作為Ozzy的吉他手巡演了全世界。基本上，他已經從一個在新澤西小俱樂部裏彈吉他的孩子變成了一個在巨型舞臺上演奏的明星。Ozzy與樂團在1989年夏天參加了莫斯科和平音樂節，參演的其他樂團還有Skid Row、Motley Crue、Bon Jovi，以及Scorpions等等。精彩的現場專輯《Just Say Ozzy》於1989年發行，其中的樂手是Ozzy、Zakk、Black Sabbath的貝斯手Geezer Butler和鼓手Randy Castillo，Zakk傾情的演奏極為出色，甚至有點過分華麗的感覺。這張專輯雖然精彩，但很短，一共只有六首歌，其中有三首歌來自《No Rest for the Wicked》專輯，一首樂團重新演繹的Ozzy的《Ultimate Sin》專輯中Jake E. Lee的名曲《Shot in the Dark》，它被包括Ozzy在內的人普遍認為比短小的錄音室原作要好，Zakk長長的吉他獨奏與原曲異常和諧而動聽。以及兩首Black Sabbath的經典之作《War Pigs》和《Sweet Leaf》~儘管有如此之多的吉他手演繹過這兩首歌，Zakk的吉他依然卓爾不群。

1990年，Ozzy、Zakk、Randy Castillo和貝斯手Bob Daisley以及貝斯手Mike Inez錄製了專輯《No More Tears》，這是Zakk現身其中的第二張Ozzy的錄音室專輯，而且這張有著《I Don't Want To Change the World》《Desire》《Road to Nowhere》等若干經典之作的專輯被認為是Zakk表現最好的專輯，不過我個人更喜歡Zakk在下一張專輯《Ozzmosis》中的吉他，音色更重、更加霸道，solo更加華麗。從這張專輯中極為熱門的同名曲《No More Tears》中驚人的獨奏，到雷鳴般的《Mr. Tinkertrain》，以及優美的、催我淚下的原聲民謠《Mama, I'm Coming Home》，這張專輯的和諧達到了完美。從專輯《No Rest for the Wicked》到《No More Tears》，Zakk的風格改變了許多。Zakk說自己是個“有點鄉村，又有點金屬”的人，他一直在很努力地練習指彈風格，彈班卓琴他亦是一把好手。在《No More Tears》專輯中Zakk的吉他有許多鄉村風味的“chicken picking”，而在前一張專輯裏極少。

Ozzy預計為宣傳新專輯而進行的名為“No More Tears”的巡演是他最後的告別巡演。其實當時的Ozzy正處在多年來最好的狀態，性格完全地冷靜（除了喜歡嗑藥，當時公眾還不知道這一點），健康地飲食，做運動，打拳擊，等等。Ozzy的嗓音也在最佳狀態，他比以前更多地在舞臺上下四處亂跑。整個現場充滿了激情。Zakk、Mike Inez和Randy Castillo的表現也都極好。許多人都覺得那是Ozzy一直以來最好的陣容。

巡演期間樂團就進了錄音棚錄製新作，想要加在現場專輯裏發表。當時錄的是歌曲《Aimee》 和《See You on the Other Side》，其中一首歌還有Jeff Scott Soto（這傢夥因Yngwie Malmsteen而成名）唱背景和聲。當時應該還錄了一些別的歌曲，但沒有標題曲。不幸的是，這些歌沒有合在《Live & Loud》中發表，事實上，這些1992年版的歌曲一直沒有發表。《Live & Loud》是Ozzy預想中的最後一場巡演的現場雙碟。

1992年Zakk與White Lion的James Lomenzo和Greg DeAngelo組了一個名叫Lynyrd Skynhead的樂團，當時他還在Ozzy的樂團。他們在一起即興玩經典搖滾樂團和南方搖滾樂團的歌，如Lynyrd Skynyrd、The Allman Brothers、ZZ Top和Mountain。他們這個組合中錄了一首歌《Farm Fiddlin'》，收在合輯《Guitars That Rule The World Vol. 1》，這張唱片現在已經絕版。

1993年8月1日，Zakk Wylde在The Allman Brothers樂團的一場演出中頂替Dickey Betts出場。這是一場地下演出，同時卻是一場Zakk表現極為驚人的演出。以後每當人們提到Zakk Wylde的著名樂團時，The Allman Brothers都會被提及，但事實上，他只和他們一起演了一場，何況The Allman Brothers成名時Zakk還只是個小孩子。

1994年Greg DeAngelo被更好的鼓手Brian Tichy代替了，樂團的名字也由Lynyrd skynhead變為Pride & Glory。Pride & Glory在Geffen公司發行了一張（也是最後一張）擁有自主產權的專輯。94年Zakk一個人在Headbangers' Ball音樂會上露面，唱了Pride & Glory的歌曲《Machine Gun Man》。Pride & Glory這支很好地融合了鄉村、南方搖滾、BLUES和重金屬的樂團只取得了有限的成功，儘管他們曾經與同樣的樂團如Lynyrd Skynyrd、Aerosmith、Ted Nugent以及Whitesnake這些大牌一起巡演過。1994年11月在一次日本巡演結束後貝斯手James Lomenzo離團而去。

Zakk找到了James的替代者，他多年的朋友J.D.，僅三天後“US Fall”巡演就開始了。1994年12月10日Pride & Glory在洛杉磯進行了他們最後的演出。Guns N Roses的吉他手Slash在演出中露面，與樂團一起即興玩了《Voodoo Chile》和《Red House》。預計中是有一張現場專輯將被錄製並發行的，但這個計畫最終被放棄了。

95年Ozzy從退休狀態中恢復過來，重新召募了Zakk、Geezer Butler和Deen Castronovo來錄製下一張專輯《Ozzmosis》。這張專輯以沉重的開場曲《Perry Manson》為特點。Zakk並沒有參與每一首歌的創作。其中一首《My Little Man》是Steve Vai寫的，其他的歌曲則是由若干不同的人寫的。以前錄過的《Aimee》和《See You on the Other Side》為了新專輯又重新錄製了。《Aimee》被作為B版歌曲發行，但最近收在了2002年這張專輯的重混版中（Zakk參與的四張Ozzy的五張專輯都有數百萬甚至白金銷量）。在錄製《Ozzmosis》期間，Zakk經常在一整天的錄音室工作結束之後去紐約一家名叫Brew's的餐廳，即興玩一些他自己創作的但沒能夠用在《Ozzmosis》中的素材，其原因是很明顯的，由下文可見，這些多半是些原聲的東東，不合《Ozzmosis》金屬而沉重陰鬱的氛圍。按店主Kieran Brew的安排，Zakk在淩晨三點半去到餐廳，當時只有很少人在裏面，他便一個人自彈自唱。這家餐廳成了後來Zakk的《Book of Shadows》專輯成型的基礎。

也就是在這段時間裏，Zakk開始和Guns N Roses樂團的一些成員jam。他們錄了幾首小樣，其中一首歌有《The Rose Petalled Garden》這首歌中的Riff的早期版本。於是Zakk在加入Guns N Roses和與Ozzy一起巡演之間兩難選擇。他等候雙方的答復等了很久，實際上，Ozzy另外找了一個名叫Joe Holmes的吉他手參加“Ozzmosis”巡演，而Zakk也接到了來自Guns N Roses樂團的消息：他們不需要他~Slash音色不瘟不火的吉他與Guns N Roses成員的聲音配合得簡直完美，他們或許更喜歡那種聲音，而Zakk的重型吉他太霸道了，似乎可以把其他人的聲音沖散，我想這也許是原因之一。

這時，Geffen公司希望Zakk出一張新專輯。於是他決定起用那些在一邊的曾經在餐廳裏自彈自唱的素材，把它們做成了一張原聲專輯《Book of Shadows》。Zakk找到前Pride & Glory樂團的貝斯手，請他在專輯中彈貝斯，又拉來了幾位經驗豐富的鼓手。96年Geffen發行了這張專輯。一個名叫Nick Catanese的吉他手給Zakk發了電子郵件，問他是否還需要一個吉他手。Zakk接納了他，讓他在“Book of Shadows”巡演中彈背景吉他。97年Zakk開始即興玩一首沒有發行的歌《Spoke In The Wheel》。巡演期間，一個名叫Phil Ondich的鼓手與Zakk見了面。在巡演進行到佛吉尼亞的Roanoke城而將近尾聲時，Phil第二次與Zakk會面，並交給他一盒Phil與一個名叫Raging Slab樂團演奏的磁帶。在Roanoke的一個廣播台外面，Zakk即興地彈《Beneath The Tree》，Phil則在自己的大腿上用力地打著拍子。這稀罕的表演有一個錄音，但沒有公開發表。97年秋天Zakk在日本進行了電聲的巡演，樂團陣容是前面自告奮勇加入樂團的Nick彈節奏吉他，Ina Mayo彈貝斯手，Brock Avery打鼓。其中一場名為“Rock Around The Bay ' 97”的演出錄製了video。Zakk還在97年11月17日為Jason Becker舉行的義演中獻藝。

98年1月31日，Pride & Glory以原班人馬重組，並在好萊塢的Whiskey舉行了一場重組演出。許多人認為他們會將這件事以私自違法地發行出版物（美國搖滾圈中的人似乎這樣幹的不少！）來紀念，但沒有任何video發行。

1998年初，《No More Tears》的班底：Zakk Wylde、Mike Inez和Randy Castillo又被Ozzy Osbourne召募起來進行新西蘭、澳大利亞和日本的巡演。但令人不解的是，當樂團從日本回來後，一夥人又被Ozzy沒有任何理由地解散。人們本來期望他們會在98年的美國Ozzfest上演出，但是沒有。98年五月初Zakk獨自一人去義大利演出，然後他給已經兩次毛遂自薦的Phil Ondich打了電話（也是因為鼓手Nick Catanese推薦他當一個“備用”鼓手），於是98年5月他們在佛羅裏達的Miama錄製了專輯《Sonic Brew》。Zakk很喜歡一年前與Phil在Roanoke一起jam的《Beneath The Tree》的歌詞，於是他寫了一首新歌，用了同樣的歌詞。

這首令人難忘的歌是在一個雷暴天氣中錄製的，而且它怪異得就如同地獄一般。你可以覺出那種毛骨悚然的感覺就像是那天晚上得到來自錄音室的天氣環境的靈感似的。Zakk和Phil決定給樂團取名叫Hell's Kitchen，而專輯則名為《Sonic Brewery》。Phil完成了專輯文本中所有的美術，以及文字內容。但是幾個星期之後，他們又決定把樂團的名字改為Black Label Society，因為他們無法為“Hell's Kitchen”這個名字得到注冊商標。

專輯前後的美術也都得改了，但裏面的文本大部分保持了原樣。如果你仔細地看，會發現小冊子中所有的圖畫都像是廚房的功能表。歡快的文字和美術（一個魔鬼正在啃吃一個廚師，等等）充滿了小冊子，並且如果你在許多地方把“society”換成“kitchen”，就更能理解了歌詞的本意了。

《Sonic Brew》1998年10月28日在日本發行。它有13首歌（但《Lost My Better Half》和《No More Tears 2000》這兩首歌當時還沒有），可怕的封面印在清晰的塑膠上，附有一份小冊子，封底燙金印刷，包裝比美國版要好得多。美國版的發行遲了許多，因為每個人都挑三揀四地覺得應該重新混音。鼓和人聲在許多歌中都被吉他和貝斯掩蓋了，所以他們決定將美國版重新混音。Zakk和Phil決定給美國版增加一首附加歌曲，便去加州的錄音棚錄了《Lost My Better Half》。它是迄今為止Zakk最重的一首歌。1999年5月4日《Sonic Brew》在美國發行。

樂團需要一個貝斯手，於是Zakk在所有的吉他雜誌上做廣告：“尋找貝斯手，想彈貝斯的吉他手更好，最好是用Fender P Bass的。試聽時間……如果你沒有研究過Cliff Burton，就不勞回復了。”很顯然，如此高的技術要求要讓一個不出名的貝斯手來滿足幾乎是不可能的，Zakk找來了他長期的朋友，也是前Pride & Glory樂團的貝斯手J.D.作為BLS的貝斯手。Black Label Society的陣容確定了：Zakk、Nick、J.D.和Philth。

Black Label Society 1999年5月1日在日本東京Shibuya的Quattro俱樂部舉行首場演出。在日本演出的最後一天，在應觀眾要求再唱一次Black Sabbath的《Paranoid》時，一支八十年代的搖滾樂團Ratt的主唱Stephen Pearcy上臺加入到BLS一同演唱。日本巡演之後，樂團又到了歐洲巡演，在“Dynamo Open Air ' 99”演出中面對著的是他們有史以來同時也是今後最大的觀眾群。

歐洲巡演過後，原計劃的美國巡演日程統統取消了，他們開始等待美國巡演。關於Phil在做噴氣式滑雪時摔斷了胳膊的說法開始流傳，但這是一個徹頭徹尾的謠言~Phil從來沒玩過什麼噴氣式滑雪。差不多在這時，Johnny Walker威士卡公司傳來文書，要求Zakk終止在專輯封面上使用他們的商標，因為封面圖案中的酒瓶看上去確實很像有Johnny Walter的黑色商標。

於是樂團決定另用一張封面來發行專輯，並且出於另外的動機，他們想為希望買到專輯新版本的歌迷錄一首加歌。Zakk、Phil和Mike Inez錄了歌曲《No More Tears 2000》來作附加歌曲。這張重新發行的專輯可以早於商店在巡演現場的貨臺上買到。買得早的歌迷會發現那些出版得早的碟中有一個吉他Pick。Black Label Society樂團終在長期大談其美國巡演之後於1999年9月開始了他們的美國巡演。他們演奏了《Sonic Brew》專輯中的大部分歌曲，一些Pride & Glory的歌曲，還翻唱了Ozzy的《Miracle Man》，這首歌中的Riff是Zakk加入Ozzy的樂團後寫的第一個Riff。

1999年和2000年交際的冬天，Zakk和Philth前往加州做第二張專輯《Stonger Than Death》。紐約一個棒球團的接球手Mike Piazza也同他們一道在錄音棚工作，並在標題曲中唱了背景和聲與咆哮。Axl Roses是下一個進這間錄音棚的，他與他們在一起呆了一段時間，但雙方沒有合作。Phil再一次做了全部的美術。《Stronger Than Death》於2000年3月8日在日本發行，在美國發行的時間是2000年4月18日。鼓手J.D.決定離團去搞他自己的其他興趣，他的替代者是Steve "S.O.B." Gibb~BeeGss樂團的Berry Gibb的兒子。2000年6月14日Black Label Sociey樂團開始了在日本的名為“Penchant For Violence”的巡演。樂團演奏了新專輯和前一張專輯中的歌曲，以及Ozzy的《Demon Alcohol》的另一個令人驚訝的版本。

日本巡演於6月21日剛剛結束，美國巡演緊接著就開始了，儘管從日本回來的整團人馬都在病中。第一場演出是兩天以後的6月23日在加州西南部的阿納海姆市舉行，觀眾擠滿了當地的太陽劇場。五首歌之後，Phil就因其胃疼和精疲力竭而虛脫。與Black Label Society一同巡演的極端金屬樂團Crowbar的鼓手Craig Numenmacher上臺援手直到演出結束。第二場演出本來已經取消，但樂團又回來了，並做了被贊為其一直以來的最好演出的表演。但是當樂團在7月6日巡演到印弟安那州時，Zakk和Phil在舞臺上激烈地吵了起來，結果Phil被當場開除出團。Graig又上來幫手演出了幾首Black Sabbath的歌，後來他就一直頂替Phil成為BLS的鼓手。

2000年10月，Black Label Society的現場專輯《Alchol Fueled Brewtality Live》錄製了，並於翌年1月16日發行。在當年夏天的Ozzfest音樂節上，Black Label Society在主舞臺上進行了演出~能在Ozzfest的主舞臺上演出被看成是一種榮譽！他們演奏的歌曲《Superterrorizer》被錄了下來，收在當年的Ozzfest現場CD中發行；這首歌的前奏後來成為一首名叫《Battering Ram》的歌。Steve Gibb在Ozzfest巡演中途離團，而以前曾是Ozzy和Alice In Chains樂團的貝斯手的Mike Inez加入樂團來接替貝斯手一職。可是Mike Inez又不得不在巡演中途飛回加州，因為他在那裏還有一個樂團，於是貝斯技師Frey Theiler加入進來直到Ozzfest巡演結束。

在Ozzfest期間，Zakk與一個名叫Christian Werr的鼓手錄了幾首小樣。他把它們拿給Ozzy聽，希望能夠用在Ozzy的下一張專輯中。其實Ozzy當時已經有了整張專輯的歌~Ozzy自己沒有寫歌了，它們幾乎全是別人寫的，只不過是Sharon要Zakk為《Down to Earth》寫幾首附加歌曲。結果Ozzy嫌Zakk的歌太重、太陰暗、太“愚蠢”，便拒絕了，事實上是很不客氣地拒絕了。Zakk對Ozzy老大的選擇沒有表示異議，他留下這些歌，後來把它們都用在了Black Label Society的下一張專輯中。當時錄的歌有《Bleed For Me》《Life/Birth/Blood/Doom》和《Demise of Sanity》，還有一首《Bridge of Cross》的鋼琴版，以及一首沒有名字的小樣。後兩首一直沒有發行。與Zakk一起在Ozzy的樂團彈貝斯的Robert Trujillo也在《Life/Birth/Blood/Doom》中演奏。

2001年夏天Zakk與Ozzy錄製了Ozzy的新專輯，但是他沒有為這張專輯寫任何歌曲。《Down to Earth》於2001年10月16日發行，Ozzy與Rob Zombie樂團進行了名為“Merry Mayhem”的巡演。

這時，可能在“Merry Mayhem”之前或之後，Zakk與Graig進棚錄製了後來收在Black Label Society的新專輯《1919 Eternal》的一些歌。專輯名本來想叫做“Deathcore Warmachine Eternal”，但因“9‧11”悲劇而改了。（9‧11事件想必觸動了不少美國樂手的心，Manowar在2002年最新專輯中亦有為之寫的一首歌。）這張專輯於2002年3月5日發行，其標題曲是Zakk獻給其父親以及二戰一代人的。

Black Label Society現在又出現在2002年Ozzfest的主舞臺上，Robert Trujillo彈貝斯，他也是Ozzy的貝斯手。你會發現Zakk還在Ozzy的樂團裏演出，比如Ozzy的武道館現場新專輯。

Zakk Wylde是Gibson Les Paul的忠實擁戴者，他使用自己的簽名款Les Paul，EMG的拾音器。人們似乎覺得肌肉發達、性情狂野、演奏重型音樂的他如果在舞臺砸 一兩 把琴的話，那不僅是正常，而且幾乎是應該的！但Zakk從來沒有在舞臺上砸過琴，而且將來他也不會：“我可不會砸任何一把Les Paul，那會是一種褻瀆！”上留著大鬍子、活像個維京人~有人說他是“拿著Les Paul的北歐雷神Thor”的Zakk，已經是大大的吉他英雄、金屬界大名鼎鼎的人物，每天不可能抽出12個小時來彈琴了，因為他有接受不完的採訪、經常要坐著汽車從一場演出趕往另一場演出。他怎麼對付練琴時間的減少呢？

隨時他手裏都拿著把Les Paul，即興地彈。“如果你是一個吉他手，你就得彈！”

PS：年輕的時候超帥…

吉他常用木材介紹~  

Body木材：

SWAMP ASH  沼澤梣木(或稱沼澤槐木)：

主要分佈於美國東部各個地區。美國Ash的外觀與歐洲Ash相似。白木質部份顏色淺淡，接近白色。新的顏色自棕灰色至淺棕色，至夾帶棕色木紋淡黃色變化。這種木材通常平直，帶有粗糙均勻紋理。淺色白木質的色度及其供應情況，隨產地而變。Ash擁有相當清楚的低音、優美的中音以及非常明亮的高音。當你撥動琴弦時，它的attack相當的迅速~這項特性對某些吉他手很好，但相對的也不適用在某些吉他手身上。它是一種擁有非常洪亮的共鳴的木材，所以它的聲音相當的乾淨。相當適合Funk、Surf Music、Blues with a bite、Country twang、vintage Rock以及clean smooth Jazz。此外，沼澤梣木較其他種類梣木的重量較輕，木質上的氣孔也比較精緻。沼澤梣木的外型非常的好看而且它的色彩是淡金黃色的，在外表分佈著深咖啡色的長線條木紋，是相當清澈透明的顏色。

ALDER  赤楊木(或稱赤樺木)

分佈於美國西部海岸，主要分佈於太平洋西北岸，是該地區最常見的商用闊葉木。Alder剛砍伐下來時近乎白色，經空氣接觸後迅速變為淺棕色、帶有黃色或淡紅色的色調。高齡樹才有新材形成，白木質與新材之間無明顯分界。這種木材頗直，紋理均勻。Alder本身適合使用在各種樂風的音色上。一般所知就是它特別出色的Blues以及Rock tone。他是唯一一種body木材，可以讓你在今天晚上彈奏Death Metal，隔天彈奏Country，再隔天彈奏Blues，再隔天彈奏Rock。Alder通常很輕盈卻擁有緊密的顆粒。

POPLAR黃楊木(或稱鵝掌楸木)

主要分佈於美國東部各個地區。Poplar的白木質為奶白色，可能會有條紋，新材為淡黃棕色至橄欖綠色。新材的綠色見光後將變暗並轉變為褐色。Poplar紋理密度中等，直木紋。Poplar白木質層的大小及其某些物理特性將隨產地而變化。這種木材具有許多理想的特性，適合用於多種多樣的重要用途。Poplar形狀像歐洲楊木（European poplar），因此亦稱為美國黃楊。它的音色聽起來並不壞，但是我們將它歸類在”較差勁的Alder(赤楊木)" 而且通常是使用在原型或標準型上。

MAHOGANY桃花心木

除了一般空心吉他的背面板和側板使用外，常用於電吉他的body和neck的部份，尤其是Gibson的電吉他常使用此類的木頭。由於重量及共鳴度皆有相當的屬性，使其成為僅次於玫瑰木的吉他選用材。特別一提，Gibson吉他特有的淡雅香味就是桃花心木散發出來的。桃花心木適合於演奏任何不同型態的Rock以及Jazz，特別是在經過了幾年的彈奏之後，它的聲音會更加的好聽。桃花心木擁有較其他木頭尖銳的高音、美妙的中音，以及相當肥厚的低音(類似舊時期Queen的歌曲音色)。有時候我們建議使用1/4吋的 Maple top(楓木指板)在桃花心木的neck上，藉以留住一些桃花心木本身較容易消失的聲音。桃花心木這種木頭開始變的有名是在五○年代時被使用在24 3/4琴格的吉他。適中的咖啡色裡帶著些些紅色及橘色。它的重量並不算太重，算是在中等及中上。

BASSWOOD  椴木(或稱菩提木)

一個擁有相當好共嗚的木材。通常使用在Metal及Hard Rock吉他上。它擁有很肥厚的低音，而且有時候由於拾音色的類型不同，也可以擁有較柔軟模糊的低音。但是總體的音色是非常細緻漂亮。但是，你不要它的外表看起來很硬，只要你用指甲去刻它，它也許就會出現凹痕的，因為這它的木質相當的軟。菩提木在八○年代時變的非常的普及化，而且幾乎所有的locking tremolo guitar(固定座)都是使用這種木頭。它的重量十分輕巧，很多人都覺得這種木頭的外觀配上兩個雙線圈的拾音器時，它的外型就非常的好看，但這是相當主觀的，而且和音色無關，所以並不代表basswood使用單線圈拾音器就不像雙線圈那麼好。在八○年代末，有一些種類的木材常被誤認為是basswood，而且造成了basswood在市場上的普及率大幅度的衰減。無論如何，真正的basswood能夠產生出一個非常任人喜愛的中頻 tone，而且深受Tom Anderson Guitarworks的青睞。Basswood的自然顏色是淡金黃色到接近白色的，以及只有些許可以辨識的紋路，有時甚至是沒有。因為這個原因，大部份的basswood body都使用透明漆來使它的木頭能清楚的被看到。

REDWOOD紅杉木

紅杉木所製作的Jazz空心吉他所產生的音色非常的溫柔好聽。它漂亮的紅色以及美麗的木紋很適合使用透明漆來使它的木紋顯露出來，但這種木材的木質很軟，所以任何以它做成的空心吉他，只要表面被敲到摔到，都很容破裂。一般而言，以紅杉木做成的吉他是很難保存很久的。

MAPLE 楓木(或稱槭樹木)

楓木幾乎被普遍地使用在所有的弦樂器上，它可用於琴身、琴頸、指板以及body面板部份，甚至是佛朗明哥及古典吉他也都有使用。它的特性是堅固耐用、聲音明亮清晰。Fender電吉他尤其喜愛使用楓木作為其系列吉他的選材。楓木的種類也有許多，一般知名的就是bird eyes、tiger eyes、虎紋、火焰以及雲狀楓木。如果使用它來當做吉他的body，這樣就會產生80年代那種尖銳撕吼的重金屬音色。

指板木材(Fretboard)：

ROSEWOOD玫瑰木

玫瑰木質地堅硬、密度大，共鳴良好，可用於一般空心吉他的背面板、側板及指板。我們有許多不同種類的玫瑰木，但較傾向於使用印度馬達加斯加和巴西所出產的玫瑰木。我們並不建議在吉他的body上使用玫瑰木，除非你想要做成一把Telecaster style body的吉他。玫瑰木在顏色上色調非常的一致 (深咖啡色、葡萄酒色, 棕褐色)，而可以是完全沒有紋路或是擁有非常華麗的紋路。它本身油性以及多氣孔的特色，可以抑制楓木neck本身所擁有較尖銳的音色，進而產生出非常平滑的音色。在電吉他上看到未上漆的玫瑰木指板，通常巴西玫瑰木會呈橘棕色。一般Gibson吉他Les Paul Classic Model就是用巴西玫瑰木來做為指板材質。而Fender或者是Ibanez的吉他則比較常使用印度玫瑰木，顏色較巴西玫瑰木深。

EBONY黑檀木：

黑檀木主要產於非洲及印尼一帶。材質烏黑，略顯白色紋理，光澤華麗，是一種材質特別堅硬而且質量相當的緊密的高級木材，耐衝擊，不容易加工，常使用為鑲嵌裝飾用，價格極為昂貴。黑檀木是許多電吉他指板所喜愛選用的材質。它不同於其他木材所製作的指板需要上一層漆來避免磨損和沾染汙物，黑檀木是不用上漆處理的。黑檀木密度高、質地硬，使得音色能夠渾厚而平穩，但是它的缺點就是較容易龜裂，吉他使用者若使用黑檀木指板的吉他應該多加注意這一點。

PAU FERRO  玻利維亞紫檀木

這種木材很適合給那些喜歡Maple neck音色，但卻想要是深色的指板的朋友。它適合使用在Maple neck上，而且它有著像巧克力般接近黑色的咖啡色，當然它的顏色並不只有一種，從黑色、深咖啡色到棕褐色都有，相當適合使用在無琴格的bass上。因為它的堅硬以及較黑的顏色，有時容易被誤認為是黑檀木，但是它的音色是無法像黑檀木那麼明亮的。它的音色類似黑檀木，但比較溫柔一點。

挑一把適合自己的吉他之小常識

一、Body 有什麼要挑的：

最重要就是木材了。可以從木頭的顏色、紋路等來判斷。常見用來做琴身的木材大概有 Ash、Alder、Mahogany、Basswood、Maple 等等~

二、Body常見木材、特性：

1.    Ash 音色清楚明亮，通常是淺褐色有深而大的紋路。通常不會太重。Stratocaster、Telecaster等常見。

2.    Alder 較 Ash 輕，有豐富的音色，中低頻的共鳴不錯。也是淺褐色有較細的紋路。Stratocaster、Telecaster等常見。

3.    Mahogany 算是相當重的木頭，音色豐富甜美，中低頻明顯。通常是紅褐色帶有黑色細紋。Les Paul、PRS等常見。

4.    Basswood 很輕的一種木頭，顏色白晰幾乎沒有班點細紋。中頻明顯是他的特色。Ibanez Jem系列等常見。

5.    Maple 音色清楚明亮，高頻表現很好。但重量太重，通常是一層薄片貼在 Body 上 ( Top )，會有美觀的紋路。常見的有 Flame ( Curly )、Quilted、Bird's Eye 幾種，或是沒有特殊紋路 ( Plain )的。 Les Paul 通常會貼一層 Maple Top

三、Neck 用什麼木材：

Neck 用的木材對音色一樣有影響。但因為 neck 還要承受弦的張力，所以木材常用 Maple 和 Mahogany。因為這兩種木頭較不易變形，能承受弦的張力程度較大。尤其是 maple，最常被拿來做 neck。而 mahogany 的優點是較不易扭曲，所以在一些 Fender 的 maple neck 後面有一條 mahogany，就是有加強 neck 的作用。這種 neck 又被稱作" Skunk Stripe "，很有趣。常見的 Fender 一般都是 maple neck，而 Gibson 就常用 mahogany neck。

四、選擇指板有什麼該注意：

通常在 neck 上面，有一層薄薄的木片，就是所謂的 Fretboard ( 有些琴是 neck 與 fretboard 同一塊木頭叫做 one-piece ) 。它是和 player 直接接觸的部份，因為上面有一條條的" Fret " ( 俗稱為銅條，雖然不一定是銅做的 )，所以這一片木頭被叫做 fretboard。它對音色以及手感有相當程度的影響。

五、Neck常見木材、特性：

1.    Maple 音色清晰明亮，高頻明顯。木質細密，從淺白到金黃色都有。有些琴會用 Bird's Eye 或 Curly Maple 來增加美觀。

2.    Rosewood 聲音溫暖平順，中低頻較強。從紅褐色到深咖啡色都有，通常還有明顯的" 毛細孔 "。

3.    Ebony 中高低頻都很清楚，音色明亮 attack 明顯。木質細密，從深咖啡到黑色都有。

4.    Pau Ferro 音色類似 Ebony 但比較溫順。大多為紅褐色。

六、不同的 neck 接法有何差別：

    一般 neck 和 body 的接合，有三種常見的方式：

1.    鎖接式琴頸 ( bolt-on )：例如 Fender 的 Stratocaster 和 Telecaster。通常是用 4 根螺絲鎖接在一起。這種作法最簡單，sustain 較差是缺點。好處是可以拆換 neck、容易調整琴頸角度。

2.    粘合式琴頸 ( set-in / glued-on )：Gibson 的 Les Paul 和 SG 就是 neck 和 body 用頭相接，然後粘起來。這種作法會有較好的 sustain，但是 neck 等於被固定住，不能換也無法調整。(所以買此類型的琴保養要特別特別注意！彎掉很難調整！)

3.    穿透式琴頸 ( neck-through-body )：這是最困難的作法，能得到最好的 sustain。方法是用一整塊 ( 或數塊 ) 木頭作一個長條形的 neck，琴身由兩邊的木頭相接組成。也就是說，琴頸從頭到尾都是一整塊木頭。代表作有 Gibson 的 Firebird。1941 年 Les Paul 在紐約 Epiphone 工廠做的 "The Log" 就是一把典型的穿透式設計。

七、什麼是 neck 的 "Profile" ：

    所謂 "Profile" 就是 neck 的形狀，它影響到音色和手感。一般喜歡速彈的人可能會喜歡比較薄的 neck，喜歡藍調的人可能傾向較厚的 neck。Eric Clapton 最喜歡的 "Blackie"，neck 握起來感覺像三角形，就是所謂的 "V-Shape"。要注意的是，較薄的 neck 雖然比較好彈 ，卻比較容易變形，sustain 也會較差。

八、Scale 的長度有什麼影響：

    Scale 就是從 nut(上弦枕) 到 bridge(琴橋) 的長度。它的影響主要在於弦的張力大小和 frets 之間的距離。Fender 的標準是 25.5"，Gibson 的標準是 24.75"。當我們用相同粗的弦調相同的音高時，在 Fender 上，弦的壓力就比較大。所以一般 Fender 都較 Gibson 難彈。(這只是說弦壓力而已，Gibson的Neck比較厚，所以有些人會認為比較難彈)另外，音色也因此受影響，所以 Fender 有明亮、清脆和 harmonics 豐富的特色；而Gibson 則顯得較溫暖柔和，attack 比較小。另外，長 scale 琴的 frets 間距較大，短 scale 琴則相反。所以在一把 scale 是 24.75" 設計有 24 格的琴上，彈到高把位手指頭可能都擠在一起了。有些創新設計的廠牌例如 PRS，定 scale 為 25"，可以截長補短。不過有趣的是，PRS 的 Santana model 是一把 24.5" 的 24 格琴。

九、什麼是 "Radius"：

    簡單地說，就是指板的彎曲弧度。一般的 Fender 都是 9.5"，vintage Fender 通常是 7.25"。數值越大表示弧度越【小】，也就是越平、越好彈。通常喜歡玩高技巧的 player 會喜歡較平的 radius，適合速彈和一些誇張的技巧。

十、Neck 的寬度也有影響：

    一般說來，越寬的琴頸，越方便我們彈一些誇張的技巧，像是較大的推弦、點弦等等。這是因為弦和弦之間的距離較大，做這些技巧時，手指比較不會碰到其他弦了。但是太寬的琴頸不容易壓和弦，所以有些人喜歡窄一點的 neck，若是手掌較小也比較容易彈。較窄的琴頸比較容易讓我們掌握、感覺順手。許多吉他手喜歡 vintage 琴的原因也在於它的順手好彈。

十一、Fret 有什麼大學問：

    通常 fret 是用銅和其他金屬合成的材料做成，但 player 比較關心的是它的形狀大小。一般來說，較粗大的 fret 能提供較好的 sustain，也能使 player 彈奏點弦、捶弦、勾弦這些技巧時更容易。但是並不是每個人都喜歡這種 jumbo fret；一方面是它可能使打弦的情形增加，另一方面，高把位會因 fret 太粗而不好彈。此外，形狀也會影響手感，例如有些古老的琴會用較方的，不過現今大多數的琴都使用比較圓的 fret 了。買琴時注意一下 fret 的邊有沒有修磨平整，可以知道它的做工細不細。至於 fret 可能打歪，造成音不準的問題是不用擔心的，因為現在都是用機器打的。一把琴彈了好幾年，它的 fret 若是磨損嚴重而有打弦或雜音出現，就要拔掉舊的 fret 換新的，這就是 refret。refret 沒做好可能讓整支 neck 報廢。

十二、關於旋鈕 "Tuner"：

    簡單說，它就是用來調音準的，不過這可是一點也不能馬虎。一個不好的 tuner 容易讓弦走音，這就夠讓 player 傷透腦筋了。常見的廠牌有 Schaller、Gotoh、Grover、Sperzel 等等。現在有許多好產品，大都能保持弦的穩定，不易走音，像是 PRS 和 Sperzel 的鎖定型旋鈕。此外，還有許多旋鈕不但穩定，還兼具美觀、順手好用的優點，這都是各家廠牌努力改良的結果。

十三、Bridge 那麼多種有什麼差別：

    Bridge 就是琴橋，我們可以大致區分為固定式 ( fixed ) 和浮動式 ( floating ) 兩種。所謂 floating 的就是俗稱有 "搖杆" 的，像是Stratocaster。固定式的大抵不外是 Gibson 的 Tune-O-Matic 和 Fender Telecaster 型這兩種。fixed 的好處是簡單穩定，容易控制而 sustain 好。

floating bridge 常見的有 Fender ( 俗稱小搖杆 )、Floyd Rose ( 俗稱大搖杆 )、Kahler ( 漸漸被 Floyd Rose 取代 ) 等幾種。當然他們都可以做出相同效果，只是程度有別。一般地說，小搖杆比較穩定 ( 或謂不靈敏 )；大搖杆則比較靈敏 ( 也可說是不穩定 )，他們各有優缺，利弊互見。選擇當然要視 player 的 style 而定，沒有哪一種是最好的。有一些廠牌 ( 例如 Wilkinson 和 PRS ) 為了兼顧穩定和靈敏，也改良出一些相當不錯的搖杆。player 必須衡量自己的需要來選購。bridge 對一把琴的影響重大，除了 floating bridge 能夠做出 fixed bridge 不能做的效果以外，對音色也有很大影響。固定式的琴橋，一般都會有比較好的共鳴。【傳統式】小搖杆有 6 支螺絲鎖在 body 上，相對於大搖杆只靠兩根支柱鎖進 body，弦和 body 的共鳴自然有差。

初學者常犯的錯誤～記譜的重要性！創作的基礎！

很多朋友根據六線譜可以翻彈很多作品，但是沒有養成記譜的好習慣，沒有總結，只是技術上的提高，讓他換個調，甚至換個把位就無法彈了。這是因為沒有把譜子的學習和樂理結合起來。

學琴你就要看譜，現在六線譜很多，每天學習吉他，盲目的和六線譜上的數字打交道，曲子可能彈下來了，自己感覺很爽，技術也練出來了，但是腦子裏並沒有真正吸收進來多少，原因就是沒有把譜和相關的樂理部分結合起來，你彈一首曲子 應該把和弦進行，曲式，調式等多都吸收進腦子，先分析譜的調 和弦，曲式，然後寫出簡譜對照著練，無論是彈節奏還是solo 儘量把六線譜轉換成簡譜，單寫出來，這樣對於你自己的總結，尋找編曲的規律很有好處（個人經驗：在作場子時亦或者錄音室發的譜皆為簡譜）。（上面的圖是我個人手寫Hotel california solo的簡譜！！我寫Am，原曲為Bm）

即興的基礎在於大量的積累樂句，然後現場作曲編曲，把樂句串起來。

所以當練一首曲子時，記得不只是練它表面的東西（和弦，技巧），還要練裡面的東西（樂理，和弦與solo之間的關希，瞭解為何要這樣編）

當你的【外功】已經紮實了，就要加強【內力】了～（這讓我想起張無忌！啥都會～真強！！）

在創作時，簡譜可以幫助你很多，由於已經有了分析的手法，接下來就把想法用簡譜寫下來吧！如果這時候的你～已經有了想法，但卻不會寫簡譜～難道還要寫六線譜嗎？豈不是累死人～～

（個人經驗：一般練某個曲子，就用印表機把譜印下來，翻成簡譜寫到背面。感覺一段時間後，就會發現，樂理，即興等都有了明顯得提高。）