目前分類:吉他教學 (38)

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在我們繼續往下詳談每個聲部的樂手之前. 我想插敘一些屬於概念性的東西.

雖然我談的主要是如何做一個 SESSION PLAYER. 但身為一個樂手, 或音樂工作者. 或音樂家. 很多的觀念是共通的. 雖然你現階段可能只是個對音樂很有熱情的樂手, 正想要以音樂為工作. 羨慕那些可以在台上幫藝人伴奏的樂手, 或是滿懷著熱情, 自認為有很多創作想要以音樂的方式來發表, 也可能是想要當個歌唱藝人.

音樂. 是你把你的感受表達出來的方法.

生活中不可能只有音樂.

你可能平常喜歡看看電影, 看書, 看小說, 遊山玩水, 或是很喜歡研究科學, 哲學, 欣賞油畫, 甚至是帶小孩, 或是身處在感情當中, 不管是甜蜜的, 痛苦的, 糾結的…

種種這些跟音樂無關的活動時, 你一定會有感受.

把這些感受轉化成音樂. 自然你的音樂才能感動不懂音樂的人.

音樂不是只做給懂音樂的人聽的. 你是利用音樂來表達情感,  如此音樂才會有靈魂. 所謂用心去做就能做到最好.

 我一直認為各種藝術是有關連性的. 如果你能多去深入欣賞圖畫, 或是攝影, 甚至只是挑選電器, 汽車, 另一半... 無一不牽涉到美感.

培養你自己對各種事物的審美觀. 相對地你在音樂上必定能更有深度. 有自己的定見. 這種練習會很有幫助.

如果你只是一味地在音樂裡分析音樂.

那末, 終究你最多只能成為一個音樂老師. 而非一個有創造力的音樂家.

在 台灣我觀察到很多音樂科班的學生常常因為畸形的教育觀念, 在吸收力最好的年紀只吸收了音樂. 其他的數理文學的科目幾乎都是草草略過, 只專心在肢體的技術及樂理上精進. 卻忘了這世間或生活裡其實還有很多事物是比音樂更重要, 或更美好, 絕對值得你停下腳步去欣賞研究的. 長此以往...終究只成為了一個樂匠.  只能照本宣科, 或創作出來的音樂沒有靈魂的音樂工作者…

所以希望大家在吸收音樂上的知識, 肢體肌肉的練習之外. 多去注意觀察身邊的事物, 用自己的方式去描述感受.

例如看到一幅畫. 去想像它給你甚麼感覺? 牽動你人生經歷中甚麼故事? 如果要你用文字敘述甚至是配合上音樂你可以做得到嗎?

透過這樣的訓練. 你創作出的音樂或是做出的伴奏自然能更從欣賞者的角度去思考, 更容易讓聽眾有共鳴. 是真正的用”心”去演奏.

而不是只有假高潮… 用心去體會每一種音樂帶給你的不同感受.

每種音樂會成為一種派別一定有其被人欣賞的地方. 雖然不要求你照單全收,

但身為一個SESSION PLAYER, 必須要應付各種音樂類型. 所以試著拓展你的心胸吧!


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來提提看譜這件事.

看譜當然是學樂器過程中不可或缺的一環.

但你真的會看譜嗎??

 

我會這樣說. 就是要請你檢視一下你自己的看譜能力. 很多人其實不是真的有在看譜~ 都是憑著自己聽過原音樂~~看譜看的很粗. 大概看看而已. 說中你了嗎?沒聽過音樂你就彈不出來了? 但在詳究看譜這件事之前. 我們必須先了解, 甚麼是"譜"?

其實. 演奏樂器就如同說話.

請問你是先會講話還是先會讀文章? 無庸置疑. 是先會說話. 從簡單的"爸爸媽媽" 到 "黃河之水天上來..."  更甚看到題目就可以自由演講.

所以其實演奏樂器來說是可以不需要會看譜的. 只要你有音感. 是可以自行在樂器上找出同樣的音高. 然後記住音的順序跟拍子再加以重新演奏.

那樂譜的目的? 基本上就是為了能讓你的音樂能流傳下去. 不至於失傳. 或是你可以學習其他人的音樂或是REPLAY其他音樂家的作品.

於是我們在學習樂器的過程中勢必要學習看譜這件事. 以便從模仿別人的作品開始. 漸漸可以培養出自己的風格,  無論是作曲或是演奏.

記譜這件事就如同各國文字一樣. 早期沒有統一. 只要自己看得懂就好. 但漸漸地在古典音樂的發源地歐洲記譜系統就形成了現在常用的五線譜. 這樣全世界學音樂的人都看得懂你的音樂. (對歷史有興趣的朋友可以自行GOOGLE)

所以五線譜裡的一些術語大多都是義大利文, 拉丁文.

而簡譜是以五線譜為基礎. 採用"級數"的方式來記譜. 以便快速轉調.

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回到"你真的會看譜嗎~ 這件事".

古典音樂的精神基本上是複製原作曲家的創作原意. 因此古典音樂的樂譜都會很詳細的告訴你哪裡該強該弱, 哪裡快哪裡慢...等等的訊息. 因為以前沒有留聲機嘛. 其實樂譜再怎麼寫也無法百分百記錄原作曲家的本意.

而JAZZ, 爵士音樂的精神是即興. 只需要透過簡單的旋律樂譜以及和弦便能給演奏者一個指引. 剩下的就是個人的自我詮釋及發揮了.

因 此我發現到很多的JAZZ樂手看譜能力普遍不佳. WHY? 因為他們已經習慣對原旋律作MELODY FAKE (旋律變奏. 自行變拍或加多一些裝飾音) 於是你要他老老實實地把譜上的音高跟拍子一個不差的演奏出來時, 變得很困難. 這點是JAZZ樂手在作流行音樂或古典音樂時要克服的一個毛病.

而流行音樂的SESSION PLAYER大多時候是要 COVER(模仿並重新演奏) 別人的音樂.

所以在寫譜, 抓歌的時候就必須判斷是不是要抓到一模一樣? 還是有些可以自行轉化成你的STYLE?

我的建議是. 在你還沒有把握可以作的比原編曲更好的時候. 最好是一個不差的把原來的東西寫下來並練習.

因為很多時候比如經典的前奏LICK(一些重複性有記憶點的樂句). 或是經典的間奏SOLO (例如加州大旅館的SOLO)

是沒辦法改變的.

而RHYTHM SECTION (鼓. 貝士. 和弦等負責作出節奏變化的樂器) 更要注意 彼此的GROOVE是否相配. 萬一你改了一點小東西很可能另外一個樂器也要跟著改.

不然很可能會讓整段的律動感跑掉. 喪失了原編曲的精神.

但這是很不容易講解的. 需要多加的練習以及實際上的經驗.

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來談談演唱會看譜

國外的樂手大部分習慣看分部譜. 就是類似古典樂團裡. 每一個聲部看自己的譜. 看不到別人的狀況. 所以常會有休息13小節 這種記譜.

於是在排練時就常常會發生一種糗事... 某一個聲部漏算了一小節..於是他跟其他人一直都差一小節但不自知且很麻痺地一直彈下去(不要以為沒有這種樂手.....)

分部譜的優點就是可以很詳細的譜寫每一個聲部.

但以國內的生態來說. 是習慣看總譜. 而且是很簡化的簡譜系統總譜. 大概一般的流行歌一首歌只需要 2~4張就可以寫完.

包含了簡單的鼓譜. Guide Line 的String...etc. 每個樂器的大致濃縮版.

好處是可以知道別的聲部在作甚麼. 你就可以從別人在彈的東西得到一點提示. 也可以很快作出相對應的自我詮釋. 不見得要照譜作.

像是可以看得到和弦. 對於和弦樂器來說就有很多種轉位(把位)的可能性. 也可以很快地像JAZZ樂手般作出即興的FILL-IN(過門插音).

所以每個樂手拿到總譜時. 對照著音樂把自己該彈該作的東西再更詳細的整理一下寫進總譜裡.

這樣一來. 排練時樂隊都是同一份譜. 要剪接段落或是討論音樂時便顯得很方便~~

結論就是流行音樂的樂手其實具備的是像古典音樂有作到跟原音樂一模一樣的能力, 但同時間又具備了像JAZZ樂手的即興發揮能力. 你的COMPING或是FILL-IN不見得需要每次都一樣~

這也就是為什麼流行音樂的演奏技術上看似簡單. 但其實不是所有的樂手都能勝任. 

需要靈活一點的心思~~

暨上一篇提到看譜. 本次來解釋及提到一些跟樂譜有關的事情.

以在台灣來說. 要當一個SESSION PLAYER到底該選擇會看甚麼譜?

建議當然是簡譜跟五線譜都精通就再好不過了. (廢話)

以我本身來說. 由於小時候學琴的時候就是看五線譜. 而且是電子琴(管風琴)的三行大譜表. 所以高低音記號譜都沒有甚麼問題.

甚至看和弦記號也是必備的. 這給了我後來轉看JAZZ譜甚至是彈古典樂譜都有還不錯的能力.

不 過踏入當流行音樂的編曲以及擔任SESSION PLAYER的工作之後. 開始學著習慣看簡譜. 一開始雖然也很痛苦. 到現在我自己作演唱會的總譜, 還是會把絕對的和弦寫在譜上. 或是比較多比較難的音自己在總譜上寫成五線譜. 避免有時候演唱會當中腦筋會轉不過來. 或是突然忘了身在哪一個調啊啊啊....

而在這過程中漸漸地發現其實簡譜有很多方便的地方.

因為簡譜是建基在"級數"上的樂譜.  也就是你必須知道這首歌的KEY CENTER(調性).才能夠把譜寫出來. 而且你要對順階音(DIATONIC SCALE)非常熟悉. (當然和弦記號我認為是該具備的基本常識就不贅述)

於是. 習慣看簡譜會增進你對歌曲的結構瞭解. 不再只是看五線譜一般地看到甚麼彈甚麼. 會促進你的大腦思考~~

對於玩JAZZ 的人來說. 也有很大的幫助. 像是JAZZ音樂裡有很多轉調的複雜結構. 你會更注意到KEY CENTER這件事. 也有助於你選擇即興演奏時所用的音階.

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開始來提一下譜面裡會用到的記號. 寫法跟讀法就不贅述~ 大致上是把五線譜簡化而來. 會看五線譜的人應該轉看簡譜沒太大問題~

比較注意的是簡譜一般我們習慣把小調直接當成大調的6級.  比如Am (A小調) 我們會寫C調的 6m (而不把他當主音. 避免有出現自然小調以及和聲小調..的差異)

首先來介紹拍號. (Meter, Time Signatue)4拍子的歌大概佔了8成以上吧.

但為免混淆 我用3拍子最常見的3/4當範例.

寫法 : 3/4. 或上下的3 4. 前面的意思是一小節3拍. 後面的4是四分音符為一拍.

念法 : three-four. 四分之三拍. 或四分三. 或三四.   (很多人常反過來念~要小心)

但寫譜時拍號該怎麼定? 這是一門大學問.

這跟PULSE有關. 律動感. 雖然這樣講可能很多人還不太能瞭解~ 但我試著簡化說明.

當你不是一個樂手你只是純粹聽音樂時你會想怎樣打拍子?

自然的讓你的身體隨著音樂擺動. 這就是最自然的律動. 不管你是用點頭的方式還是抖腳~

就可以決定拍號該怎樣寫.  GROOVE!! GROOVE MATTERS!!

流行音樂常用到的拍子. 比較會遇到問題的常是在寫"SLOW ROCK" 這樣的節奏.

他是建基在三連音的一種節奏.

1. 你可以寫成4/4 然後裡面都用三連音的符號去寫. 比較麻煩就是一直要畫三連音的記號.

2. 也可以寫成6/8 或是12/8. 怎麼決定是6還是12? 通常是速度的關係. 比較慢的歌才會寫成6/8 或12/8.

  大概超過BPM 90就會用4/4拍來寫比較方便~

在4/4拍裡 如果速度是60. 代表一拍是1秒.

那寫成6/8時. 就是一秒內被切割成3個細拍.  但實際上的律動感卻還是 2拍.

以鼓來解釋: Hi-hat 打6下. 大鼓在第一下. 小鼓在第4下. 你會感受到兩拍的律動.

選擇拍號時當然也跟換和弦的時機有關. 一般都是一個小節一個和弦. 在寫譜時比較好寫.

所以當和弦是6小拍 換一次. 那就寫成6/8. 如果經常是12拍才換一次 那可以試著選擇用12/8 的拍號記譜.

希望同學們還醒著....先到這裡好了 記號下回再續~~

上篇提到拍號. 也有位同學提到SHUFFLE 的記譜.

就先從SHUFLE開始.

 

SHUFFLE 可以指一種節奏型態. 也可以是一種彈奏上節奏的變化.

我們都知道在STANDARD JAZZ裡頭常聽到的節奏就是 SWING了

一種2-beat 律動的節奏 常見以RIDE CYMBAL為主. 寫法是 一個4分音符. 後面兩個8分音符.

但. 實際的操作卻是把後面的平均兩個8分音符打成2:1 (一拍三連音裡的 前一個4分音符 以及後面的8分音符)

這時候記譜我們用一種特別的記法. 就是直接都寫8分音符. 但這8分音符卻不平均. 照上面所說程現一種2:1的比例.

在譜的最開頭我們寫上此記號:

8-beat shuffle(swing)

於是聽起來就有點SHUFFLE. 搖擺般的感覺. 有點像是你一隻腳受傷一跛一跛走路的樣子.

相對的把SWING快一倍記譜時 也可以寫成16-beat的. 當然以現在最常聽到的就是HIP-HOP音樂裡會用到的.

 

16-beat shuffle(swing)

 

或許有些常聽JAZZ或是BLUES的人會說. 我聽他們的RIDE 的8分音符打的有時候並不是2:1的比例而是更誇張的...3:1

早期記譜也有寫成直接以16分音符來代表SWING的. 或是一樣直接在譜的一開始就標明:

8-beat hard shuffle(swing)

 這種感覺叫作HARD SWING. 就是更誇張的3:1.

 

當然一般還是以三連音的SWING 聽起來自然舒服的多. 因為音樂當中經常也會有很多的三連音在裡頭~

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關於拍號. 其實都是記譜的方便.

有時候7/4拍子並不見得是7拍. 其實是4+3 的循環 PATTERN. 但一下子4拍一下子3拍. 記譜上是很麻煩的.

 

比如說小弟的作品 "Nightscape (夜景)" A段就是以4+3拍 但記譜上用7/4 的例子.

http://www.doms.com.tw/music/index.php?p=1&msn=10

另一首"Where's Michel"(米歇爾在哪?) 在A段則是3拍半的律動. 但記譜我就用7/8來表示.

http://www.doms.com.tw/music/index.php?p=1&msn=11

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再來提及總譜上會看到的一些的記號:盡可能我也把英文都寫出來. 以便日後同學站上國際舞台可以跟老外樂手溝通~

除了和弦記號(這我認為是本質學能~~不詳述)

再來就是分行寫上要譜記的樂器聲部. 最常用到的就是 段落記號以及返覆記號

最 常見的反覆記號 ||: :|| (repeat sign) 通常會配合 「1.  (First ending 或一返 或一房 都可以...).「2. 的記號 (second ending 二返..二房...3次以上以此類推) 看要反覆幾次在 :|| 右下角註明 X3之類的次數...

D.S.  全文 Dal Segno 可以到GOOGLE 用翻譯聽念法. (拉丁文的本意是 "到 那個記號去") Segno的意思就是 "記號"

也是在譜上會看到那個 很像長了怪東西的$.

通常會配合烏龜記號(一個圈疊上一個十字)...從 to 烏龜   然後跳到 下一個烏龜 .不見得會寫上CODA (尾奏之意) (烏龜的英文是 CODA SIGN )

D.C. 全文 Da Capo  (拉丁文的本意是 "跳到頭") 

通常會配合烏龜記號. 或是 "Fine"(義大利文的本意是 "結束" 要注意是念成"ㄈ一 ㄋㄝˇ". 不是英文裡的很好喔!!!)

段落記號呢通常用英文字母 外包一個方框來表示. 一般的習慣是從A 一直往下標. 不管是否都是主歌(Verse)或副歌(Chorus)

但. 我自己的習慣是 A 就代表 主歌(Verse) B 代表 Verse2 或是 副歌(Chorus) 有變化又是在唱主歌的段落 我會標上 A2 或是 A'

這樣一來剪接段落就很清楚. 

通常歌中還會有 沒有唱歌時的段落 ---BREAK (小喘息的橋段) Bridge(歌曲裡轉折的段落)或 Inter (間奏. 樂器SOLO...) 標清楚就可以.

Intro. (原字是introduction) 前奏

Outro.  尾奏 (ending也可以) 其實沒有這個字 只是相對於 "Intro" 所發明出來的一個字. 一進一出, 很一目了然吧?

rit. (原字是 Ritardando) 漸慢

rall. (原字是 Rallentando) 也是漸慢

至於這兩個漸慢的差別....請自行GOOGLE 之~ 沒有太決定性的言論... 

但有一說是 rall 是比較戲劇化的突然慢~ rit 比較是慢慢的變慢~

F.O. (原字 Fade out) 漸漸小聲  歌曲沒有斬釘截鐵的結尾. 採不了了之方式結束....

各種強弱漸快漸慢記號 也同古典的五線譜記法~~ 請自行參照之~

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當然其實我說過譜是給樂手看的. 盡量以易讀為原則.

要不要寫上國際化術語是看你的譜的應用範圍. 如果都是國人~~ 那全寫中文也無妨.  不要以為寫英文就多高級~

你看義大利文寫的東西也很淺顯. "從頭...結束...等等的" 都是很白話的方式.

所以一些現代的記譜也會有英文. 不是寫上英文就讓你的譜變高級~

愛自己的國家很重要~

當然因為那些術語已經用了好幾百年~ 已經被當成理所當然的記號了~ 所以我們還是要會看會用會寫.

增進自己的國際競爭力~

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補充說明:記譜的重要性~(四年前的文章)http://tw.myblog.yahoo.com/guitar-pan/article?mid=467&prev=574&next=362&l=f&fid=10

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開宗明義. 甚麼是SESSION PLAYER?這個字就是 日文的" 誰ㄒㄩㄥˋ" 並不是SECTION喔. 很多人搞不清楚.SESSION PLAYER原本指的是. 錄音室錄一個班. 我們稱為一個SESSION. (一個班)

比如演唱會排練. 一個SESSION 是訂6小時. 錄音室錄吉他也可能是2小時一個SESSION. 按SESSION 計費. 不一定按曲數計費. so, called Session Player. (鐘點樂手? 不是情人啊...)

Session 也可以指 樂器齊下的點. JAZZ 裡頭會說"KICK". 因為經常都是BASS或是大鼓KICK DRUM會齊下的地方. 也就是日文說的" 誰ㄒㄩㄥˋ" .

所以Session Player就泛指伴奏樂手.不專屬某一個團體或是歌手. 也就是哪裡有錢哪裡去~ Call Player...(應召樂手...) 所以拿人錢財與人高潮.

因為你不知道會遇到甚麼樣子的客人... 不是...是業主.很可能要你彈一點JAZZ. 一點LATIN. 或是ROCK.我們會希望 SESSION PLAYER 盡量是全能的. 各種STYLE 都有涉獵.

尤其以流行音樂來說. 幾乎包含了所有音樂種類的元素. 一下子抒情BALLAD. 一下子FOLK ROCK. 一下子可能又要FUSION JAZZ. 或是韓流舞曲.

所 以建議有心想成為SESSION PLAYER 的樂手們. 盡可能的去聽不同的音樂.並找到重點加以吸收. 當然每個人都有自己的好惡.像我自己就喜歡FUSION JAZZ. 所以其實FUSION JAZZ本身就融合了很多種音樂派別. 流行音樂對我來說是很快可以上手.

其實流行音樂的難度並不高. 但為什麼很多JAZZ 樂手常沒辦法勝任流行音樂的SESSION PLAYER?和聲或是和弦. JAZZ 音樂都高深很多.

但很多人忘記一個重點.伴奏樂手. 就是在伴奏. 不能喧賓奪主.

樂隊的功能就是在營造出一個良好. 好聽. 穩固的背景音樂 (MMO(Music Minus One). 或 KALA 原文 KARAOKE)能讓主奏樂器. 或是歌手. 很舒服的敞徉在其上.但當然該你表現的時候. 也要勇於站到前頭去表現.

先歸納出幾個必備條件:

1. 良好的視譜能力 (在國內最好是簡譜 number system. 五線譜最好也會. 這樣就有國際競爭力)

2. 良好的敏銳度. (有跟別的樂器和聲打架的情況能發現. 或是自己彈錯音能趕緊找到對的音. 甚至是自己譜看丟了能趕快找回來)

3. 大顆的心臟. (萬一你出錯了. 如何趕快在下一小節甚至是下一拍救回來. 不至於一瀉千里...甚至影響整天的心情)

4. 能呈現原本音樂的細度. 可不可以作到一模一樣? 音色. 拍子? (抓歌夠不夠用心?)

5. 呈現原本音樂的細度之外. 能不能為原歌曲加分? 甚至作出更好的編曲?(很多時候歌曲是編曲者用MIDI 作出. 難免在LIVE 時不易呈現或是不合理. 這時候就需要樂手們的消化再呈現)

6. 擁有好的GROOVE. GROOVE 是一可以開一堂課講解的. 下回再戰.

SO FAR. 第一章的重點~~


"拿人錢財. 與人高潮"有道是~出錢的是大爺. 我們必須盡量滿足客人的需求. 但又要維持尊嚴以及自我專業的前提下.

SESSION PLAYER 粗分為 錄音室SESSION 跟演唱會SESSION.具備條件倒是有些不太相同~~

先從錄音室SESSION說起.

當一首歌完成了編曲. 或是完成了大塊的ROUGH(粗略的) 編曲.若需要搭上真實樂器. 中文叫"搭" 其實來自英文 dub(或dubbing).

所以你要作的可能是照著原本假的MIDI 樂器. 彈出一模一樣的東西. 只是轉化成真實樂器的語法 (Articulation).

但也可能本來你這個聲部是空的. 需要你提供製作人一些想法. 他好在其中作挑選.

但通常DUBBING 樂手來之前. 應召你的業主(製作人. 編曲)不一定會事先給你音樂讓你在家做功課. 所以你要具備:

1. 快速的採譜能力.快速聽寫歌曲段落.

2. 準確的拍子((這我想是基本功吧). 知道怎麼聽CLICK...不要覺得誇張. 錄音對CLICK不是件簡單的事). 充分瞭解你專長樂器的各式STYLE.以及熟悉你現有的器材. 能提供甚麼可能的音色變化?

3. 編曲觀念. ---雖然你只是一個樂手. 但如果你能多意識到你這個樂器的地位. 你可以作出比較適合的Dubbing .是要乖乖的COMPING(伴奏之意 字源是 Accompany).還是要很殺的SOLO? 還是只是作點氣氛? 作點效果音?

4. 大顆的心臟. (大顆心臟很好用吧? 這時候就怨嘆爸媽了)---以前很多人常說進錄音室就是照妖鏡. 很多你以為彈的不錯的樂手. 一叫進錄音室DUBBING馬上現形. 有的是一聽到CLICK(節拍器)就慌了手腳~~有的是勉強跟上但是完全變成呆瓜.東方人普遍臉皮比較薄. 比較沒辦法勇於表現自己. 這點需要多加練習.來到一個新環境或是認識新朋友當然難免會緊張會陌生. 所以要讓自己適應在新環境或是新業主的壓力下把自己的實力呈現出來.

5. 能對一個音樂架構. 丟出屬於你自己的創意. 並提供多樣不同的選擇給製作人.這點或許JAZZ底子的樂手可能比較吃香. 對於現場即興比較不陌生.

6. 製作人可能會有很多天馬行空的想法. 必須跟他充分溝通. 瞭解他到底想要甚麼. ----不是每個製作人都會知道音樂上的術語. 如果他能確實告訴你彈甚麼CHORD甚麼音. 那他自己來算了. 所以充分溝通是很重要的. 可能一個寫詞底的製作人會跟你說:" 可以給我一個藍色的氣氛嗎?" 這時你就必須去猜他說所謂"藍色"的感覺是甚麼? 怎麼呈現給他?作音樂的人常有盲點. 太過主觀. 有時候試著去接受外行人的想法看法. 反而會讓你成長. 你不會期待聽這些音樂的人都是音樂科班出身吧?

7. 提供屬於你自己的特色. ---如果你能提供的大家都會. 為什麼我要找你?特色非常重要~~找出你自己的專長. 當成賣點.

若能達成以上幾點. 大概你會是個還不錯的錄音室SESSION PLAYER了.

 

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演唱會樂手:基本上如果以上錄音室樂手的條件這幾點你都有.轉來作演唱會應該不會太困難.

但會有些不一樣的能力:

 1. 看譜快. 轉調快.---作演唱會會習慣有總譜. 或是公用譜. 也就是樂隊們看著同一份譜按圖索驥完成整首歌曲的伴奏.

常常也會遇到歌手狀況不好會需要臨時轉調的情形. 或是在嚐試找出最適合歌手的調.

2. 勇於表現. 能夠隨時很快進入最佳狀態.----勇於表現.演唱會當中除了伴奏的部分. 作甚麼STYLE 像甚麼之外.很多時候需要你挺身而出到前台去表現時. 就要不扭捏地呈現出你的最佳狀態.

演 唱會的歌序不見得是最適合你的肢體的熱身順序. 很快讓自己投入一種"演甚麼像甚麼"的狀態. 自我催眠其實是有效的. 當你告訴自己很投入在音樂當中. 很享受這首歌. 自然你會表現的比較有感情. 也就是用心去表現. 自然歌手或是聽眾會感受的到. 也會與你一起陶醉在音樂中.

3. 保持良好體態. ---演唱會是一種視覺跟聽覺的綜合表演. 觀眾也想看到好看的畫面.找出最適合你的穿著. 髮型. 打扮. 有時將為你的表現大大加分.不要覺得樂手注重外表很膚淺. 如果你能提供一個好看帥氣的選項. 你將比其他樂手能有更多的機會. 當然肢體的協調性以及韻律感也很重要.那也是一個觀眾覺得你是否投入的指標.

另外鍵盤手或鼓手經常是躲在後面. 鍵盤手來說盡量不要把琴或譜架放太高遮住自己的臉. 對觀眾來說如果我看不到你. 誰知道你是在彈還是根本是電腦放的?鼓手也可以坐的稍高一些. 把自己的上半身盡量露出. 投入的肢體及表情常常會為你加很多分.

4. 重視樂隊倫理. 保持樂隊良好氣氛.---尊重樂隊領班. 或是音樂總監的意見. 當然有音樂上的意見可以提出討論. 最好不要跳過領班直接跟歌手溝通. 畢竟總監是決定. 要負責任的那個人. 請尊重他的角色職位.即便他是比你年輕或資淺的.樂隊是一個團體. 大家如果彼此都有良好的關係. 氣氛佳自然音樂也會比較有默契.試著與你的同事們打好關係. 多交朋友絕對是好事.

5. 準時.---團體中總是會有遲到的那個人. (對...我自己也是常..遲到)不管是排練. 或是出國機場集合. 飯店LOBBY 集合.請準時出現. 遲到也是會影響一個樂手的分數.

萬一真的要遲到了. 請給領班一個通知. 好讓他能控制場面.

以上.想到再多補~


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心血來潮!用powerpoint打了兩張表,轉成圖檔解析度都很差!用了很久~
請大家將就點吧!

我的教學方式很簡單!學習的是音樂,吉他只是學音樂的工具之一而已!

音樂只有三種東西!從那三種元素去練就沒錯了!


ps:家中琴房中的一角!教課的所在!

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最近有幾位學生已經學了一段時間了,我開始教起即興的概念以及應用!我常常用學習英文語言(我是舉例不熟悉的母語)的方式來教導以及舉例。

 

我說:即興有點類似【用英文對話】(意旨不熟悉的語言)

 

你在學校學的很多很多的單字、文法,當哪一天你真正的跟外國人對話時,你會發現,到那時你以前在學校所學的會在瞬間全忘記!哈哈~~說不出幾句話來!你可以在家試試看,想像一下你全用英文來跟你週遭的朋友來對話!應該很難吧?因為不熟悉!!也不常使用。

 

即興也是如此,你學了很多單字(Lick),但當跟朋友JAM(即興)時,卻發現腦袋一片空白,因為不知道要怎麼彈?要用哪種SCALE?彈出來又俗俗的!!怎麼辦?

 

其實很簡單,即興就像在英文對話,本來的功課原本就要做好(節奏拍子要對、音階也要熟練),妳單字(Lick)會的越多,對於文章也會比較看得懂(歌曲的架構等),但這不代表著你就擁有對話的實力,因為看文章與對話還是有差異,就像大家都可以隨意的聊天,但要請你自己寫出今天聊天的重點,弄成一篇文章,這反而是比較難的!

 

說話是很直接性的,寫文章是要經過頭腦安排的,但多寫文章對於說出來的話語也會比較順!就如一些作者說出來的話常常就是會有涵義以及氣質!

 

所以平常就要多多【練習】英文對話(即興),你會的單字(Lick)越多,自然而然會說的句子也會比較流暢且比較通,一開始可以完全先套著你所學的單字(Lick),後來就可以試著改變不同的說法(音的排列、節拍組合),你會發現很好玩!

 

等到你已經用直覺性的反應來說話(即興),接下來就要試著寫寫文章了(創作)

 

音樂也是種語言,但卻沒有所謂文法的限制!這我常跟學生們說!

 

而說到即興,很久以前我就受到Gary Willis(很棒的BASS)的想法一直到現在,轉PO文章給大家參考!原文出自20012月號的Bass Player,是該雜誌舉辦的 "Bass Day" 活動中講座部分的節錄。原來是為了某BBS版面的討論所譯,轉過來給大家參考。

 

 

當你剛剛開始試著練習一種新的,不是母語的語言時,總是有著非先想好所有要講的東西,不然講不出來的時候。在越講越好之後,你就不會去考慮到所有構成這種語言的所有元素,例如拼字,文法,連結或時態等等;真正想要說的事情是自然流泄而出的。在音樂中,同樣的一開始必須非常專注於許多細節,漸漸地,運用它們會變成無意識的自然運作。

 

獨奏中,你不太可能每天都能創造出一個新的字眼,就像你在說話時,一定會常常反覆使用某些字彙一般;在一段時間之後,你會發展出屬於你自己的字彙集。學習一些理論當然有用,但是要是你被丟在一個無人島,身旁只有100CD的話,你還是能創造出字彙。

 

當我即興的不錯時,實際上只是讓 "想法" 自然出現。如果不是我"聽到" 一個想法,然後在我演奏時 "看到" 它的話,就是我會先"看到" 一個想法,接著我在把它彈出來之後 "聽到" 它。如果我在想的是手指在指板上的指型,那我一定彈的一蹋糊塗。為了要讓想法出現,所有這些關於技巧的部分都必須達到無意識的程度。你能夠哼出或是吹出一個比你能彈出的東西更好聽的獨奏嗎?如果是的話,那你已經有想法了,剩下的只是如何用手指把它們彈出來。能夠讓你的想像力立即呈現在指板上,那是最理想不過的了。

 

在練習的時候,一定要花一些時間訓練你的想像力。練習的方法,是讓你的耳朵(不是樂理或是指型) 能夠介入想像力被演奏出來的流程之中。與其擔心即興時如何搭配和弦進行,不如只用兩個和弦來練習。不用一開始就擔心節奏,你會漸漸地找出如何把樂句塞進節奏裏,讓它們能互相調和的方法。不去試著寫出你的即興內容也是個好方法,這樣能避免你老是落入同樣內容的窠臼。



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調式音階 Mode Scale

音階有相當多種!在此介紹常用的調式音階

很多學習了一段時間電吉他的朋友,一定會開始接觸到一個英文單詞:Mode(調式),可能在幾乎所有的電吉他教材上都或多或少會出現什麼Lydian調式、 Dorian調式、Phrygian調式的練習,其實調式本不神秘,也不難以理解,當然要實際加以運用,還是需要一定的音樂基礎的,並不是一件難的事情。

調式的由來及概念

The Modes,又叫做教堂音階,它起源於歐洲古代星期基督教讚美詩,是當今大小調的先驅,自從大小調式在16世紀以後逐步確立了統治地位之後,其他各個調式都慢慢被融入統一到大小調中了。但是隨著現代音樂的發展,特別是JAZZ樂的興起,以各種形式重新開始獨立出現,並被大量運用在現代的音樂形式中。

1. Ionian Mode1 2 3 4 5 6 7 =1級音階

2. Dorian Mode1 2 b3 4 5 6 b7=2級音階

3. Phrygian Mode1 b2 b3 4 5 b6 b7 =3級音階

4. Lydian Mode1 2 3 #4 5 6 7=4級音階

5. Mixolydian Mode1 2 3 4 5 6 b7=5級音階

6. Aeolian Mode1 2 b3 4 5 b6 b7 =6級音階=自然小調音階

7. Locrian Mode1 b2 b3 4 b5 b6 b7=7級音階

在學習理解這些調式之前,我們首先要知道幾音樂概念

1. 調式:按照一定關係連接在一起的許多音(一般不超過7個),組成一個體系,並以一個音為主音,這個體系就叫做調式。

2. 平行大小調(同主音關係調):主音相同,調式結構不同的調。比如C大調和C小調。

3. 關係大小調:主音相距小三度的兩調,都以同一音階材料構成,或者說用同樣音組成的大小調,我們叫做關係大小調。比如C大調和a小調。

在瞭解了這些基本概念之後,我們就可以來理解The Modes了。

首先,根據第一個調式的概念,我們就可以知道不管是Dorian調式還是Locrian Mode,它們無非就是以一個音為主音,然後按照各自特定的音階排列規則組成的一種調式而已。

比如:C大調,就是以C音為主音,按照大調的排列規則組成的一個調式,它的排列規則就是:

1 2 3 4 5 6 7 1

C D E F G A B C

全音 全音 半音 全音 全音 全音 半音

那麼C Lydian調式,就是以C音為主音,按照Lydian調式排列規則組成的一個調式,

1 2 3 #4 5 6 7 1

C D E #F G A B C

全音 全音 全音 半音 全音 全音 半音

其實說白了,就是同樣以C音為主音,但是按照不同(各自規定的規則排列)的全音、半音的排列方式,這樣我們就得到了兩個不同的調式,一個C大調,一個是C Lydian調式。這就是同主音關係調。

同樣的,我們可以根據這樣的道理推出A Aeolian調式,也就是A小調的音階排列

1 2 b3 4 5 b6 b7 1

A B C D E F G A

我們發現它的組成音和C大調是完全一樣的,這就是關係大小調。

其實很多時候我們還是習慣這樣來寫小調的排列

6 7 1 2 3 4 5 6

也就是把小調看作是用大調的6級音為主音,用和大調一樣的音組成的調式。

同樣的,我們也可以把其他調式也用大調的概念來理解

這樣,我們就可以得到下面這排列

1. C Ionian Mode1 2 3 4 5 6 7 =C D E F G A B

2. D Dorian Mode2 3 4 5 6 7 1=D E F G A B C

3. E Phrygian Mode3 4 5 6 7 1 2=E F G A B C D

4. F Lydian Mode4 5 6 7 1 2 3 =F G A B C D E

5. G Mixolydian Mode5 6 7 1 2 3 4 =G A B C D E F

6. A Aeolian Mode6 7 1 2 3 4 5 =A B C D E F G

7. B Locrian Mode7 1 2 3 4 5 6 =B C D E F G A

也就是我們可以把大調中的每個音都看作是主音,然後就可以組成7個調式,也就是我們平時說的這些旋法調。

但是這個方法只是為了使我們更容易理解記憶調式,而絕不能認為D Dorian Mode就是C大調,無非是從2開始而已。這個是概念性錯誤!因為D Dorian Mode無論主音還是音階的排列都有自己的系統,它是和C大調完全不同且獨立的。只是剛好由於它們是關係調,組成音一樣,因此我們可以利用這點來方便理解和記憶,但心裏必須要區分清楚,不要混淆在一起。


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超久沒PO教學文章了!今天看到有人問SOLO與和弦之間有何關聯~~就想到PO這文章!
希望對各位都有幫助!

因為這是很重要的課程阿!!!!!

兩個音之間的距離,我們叫它【音程】(Interval),單位為度(Degree),因為有了音程,我們才會有和弦(Chords)、和聲概念(Harmony)以及旋律(Melody),在一個八度內,我們可以分成十二個均等的半音,我們從Do開始,會得到上表之結果。

音程的算法,是按減→小→大→增來推算的,譬如在純理論上,小二度應該也叫增一度,大二度也叫減三度,大三度也叫減四度,小七度也叫增六度等,增四與減五是一樣的音程,因為同樣都包括六個半音,而小六度我們時常也以增五度看待。增和弦 Augmented Chords)或變化延伸和弦(Altered Chords)部份,它會扮演著很重要的角色。

至於完全音程【一度、四度、五度、八度這四種】,因為他們所產生的音響非常之穩定,所以古典音樂理論家便已 完全(Perfect)稱呼,自己去用樂器試試,就能聽出來了!

這些音程是非常重要的,因為我們就是用它們來架構和弦以及旋律,在一個八度內你必須清楚知道哪裡到哪裡是幾度、包含幾個半音或幾個全音。

至於超過一個八度的音程呢?就變成我們在講和弦時的【延伸音】(Tensions),八度以上的就是延伸音。

常見超過八度之名稱

算法

和弦上常看到的記法

小九度

八度+小二度

b9

大九度

八度+大二度

9

增九度

八度+小三度

#9

完全11

八度+完全四度

11

11

八度+增四度

#11

13

八度+小六度

b13

13

八度+大六度

13

完全15

兩個八度


熟悉音程真的非常重要!

其實大部分的人都是相對音感(Relative Pitch)的,不可能像具有絕對音感(Perfect Pitch)的人一樣,聽到什麼音就是什麼音,所以強迫式的音程熟悉訓練就相形更顯得重要,辛苦一段時間,讓每種音程的聲響都深植腦海之中,甚至按任何一個音,然後演唱/演奏指定的音程,對於即興演奏絕對有莫大的幫助。

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兩個月沒發文章了><~~一早就起來發一篇吧!

也是很久以前的文章!

 

幾乎所有吉他手都熟悉的最基本的12小節BLUES形式說起,每個對BLUES、民謠、鄉村或者搖滾感興趣的吉他手都應該把12小節BLUES牢記在心裏,就像自動駕駛一樣隨心所欲的彈奏。

在最簡單的形式下,12小節BLUES包含AAB形式的三段式結構,第一部分的4小節是一個樂句動機的反復,第二部分4個小節重複這個動機,做一些簡單的變化,最後4個小節引入一個新的樂句動機和一個結束樂句。如果我們把和弦級數放在這12個小節中,那麼是如下的形式:

1   2  3  4

| I / / / | I / / / | I / / / | I / / / |

5    6   7  8

| IV / / / | IV / / / | I / / / | I / / / |

9     10   11  12

| V7 / / / | IV7 / / / | I / / / | I / / / |

I級,主和弦,或者是你所彈的那個調的主音

IV級,附屬和弦

V7級,屬7和弦

如果我們把上面的和弦級數應用到具體的調中,我們可以得到以下和弦:

E-majorE大調):

I = E

IV = A

V7 = B7 (B7=H7 某些歐洲國家用H7表示B7)

 

A-majorA大調):

I = A

IV = D

V7 = E7


D-major
D大調):

I = D

IV = G

V7 = A7

 

G-majorG大調):

I = G

IV = C

V7 = D7

 

C-majorC大調):

I = C

IV = F

V7 = G7

 

有注意到從E大調開始嗎?(除了好彈之外,也是藍調常見的調),然後沿5度圈逆時針轉動到下一個調(也就是四度)。你們都會注意到某個調的附屬和弦(IV級)就是五度圈下一個調的主和弦,屬七和弦(V)就是五度圈上一個調的主和弦。

 

仔細聽一聽屬七和弦和主和弦的關係,聽一聽屬七和弦是怎麼導向主和弦的(7為導音),如果你對樂理感興趣,就會注意到通常一個調中的7音和4音之間不和諧的減5度音程將在回到主音時解決。(音階中7音和4音是屬七和弦3級音和7級音)。(如:C大調之屬七和弦G7GBDF

 

讓我們再次把這個關係應用到5個調中去(括弧裏是屬七和弦),每個調的7音、4音和主音列在冒號後面

 

E-major (B7)D# A EEE#GB(B7BD#FA)

A-major (E7)G# D AAAC#E(E7EG#BD)

D-major (A7)C# G D DDF#A)(A7AC#EG

G-major (D7)F# C GGGBD)(D7DF#AC

C-major (G7)B F CCCEG)(G7GBDF

 

彈一下兩個有關係的和弦:屬七和弦和主和弦,先上行(音符7 4 1),然後下行(音符1 4 7),組成一個迴圈,每次都會解決到主音1

 

試試在這個音程中用II級代替IV級,也就是用2音代替4音(這裡用看原調~),聽一聽效果

E調:AF#代替

A調:DB代替

D調:G E代替

G調:C A代替

C調:FD代替

 

屬七到主和弦的關係對任何西方音樂都是非常重要的,不僅是BLUES而已。所以要仔細聽,在聽音的時候鍛煉你的耳朵去識別它。

 

現在,讓我們回到12小節BLUES,再看一看最後一行的4個小節,第912小節,像寫出來得一樣,屬七和弦在第10小節到11小節的時候解決到主和弦,音樂也被導回到開始的部分。最後一個小節的屬七和弦將在你重新一次12小節段落反復的時候解決到主和弦,最後一段看起來試這樣的:

9    10   11   12

| V7 / / / | V7 / / / | I / / / | V7 / / / |

 

屬七和弦的作用是一個回轉和弦(Turnaround),如果你在第12小節的第一拍還保持著主和弦,到第二拍再轉到屬七和弦,那麼效果聽上去還會更好。

你不能就在屬七和線上結束這首歌,所以你還要再彈一次反復,如果你不想再反復了,那麼可以在主和弦上結束了。

 

最後一段經常在第10小節的時候用附屬和弦替代屬七和弦:

9     10   11  12

| V7 / / / | IV / / / | I / / / | I V7 / / |

 

在我的耳朵聽起來,最後一段還是用一個回轉和弦聽起來舒服一點,如果你第1012小節都彈屬七和弦,那可能屬七顯得多了些,不過這是個口味問題,第10小節不用回轉和弦的話應該也不錯。

如果我們再回到第一段,你可以在的第4小節的最後三拍中用主音的七和弦替代三和弦(例如E調中用E7取代E),這一段就變成這個樣子:

1   2  3  4
| I / / / | I / / / | I / / / | I I7 / / |

 

聽一聽效果:你加了一些壓力到這一段的最後三拍上,這種壓力只有你在換到第二段的屬七和弦時才得到解決。如果你回過頭來再看看各調之間的關係,就會明白主音的七和弦同時也是屬音為主音的那個調的屬七和弦。所以你要做的就是在進入第二短的時候,引入一些屬七和弦到主和弦的關係。我對樂理懂得不是太多,不能肯定這是不是僅僅是同一個調中和弦的改變。也許事實上是從主和弦到附屬和弦的時候移調了,然後再回到原來的調,比如說從E大調移到A大調,第7小節的時候再回到E大調。不過我認為這並不重要。

 

BLUES中,附屬和弦經常由七和弦替代,在E大調中常常用A7替代A。如果現在把12小節加上回轉和上面所說的變化,那麼就是這樣的:

1   2  3  4
| I / / / | I / / / | I / / / | I I7 / / |
5
   6    7  8
| IV7 / / / | IV7 / / / | I / / / | I / / / |
9
    10   11  12
| V7 / / / | IV7 / / / | I / / / | / V7 / / |

 

如果是E大調,那麼就是:

1   2   3   4
| E / / / | E / / / | E / / / | EE7 / / |
5
   6   7  8
| A7 / / / | A7 / / / | E / / / | E / / / |
9
   10  11   12
| B7 / / / | A7 / / / | E / / / | / B7 / / |

 

經常也會聽到第2小節會用附屬七和弦替代主和弦,這樣第一段就是:

1    2   3  4
| E / / / | A7 / / / | E / / / | E7 / / / |

 

聽一聽和弦的效果,聽一聽別人是怎麼彈的,試試判斷他們在第2小節彈主和弦還是附屬七和弦,他們在第4小節是不是彈主音的七和弦,第10小節他們彈附屬七和弦還是屬七和弦,他們彈沒彈回轉和弦。

你很快就會意識到,很多BLUES風格的歌曲並不符合上面所說的任何一種形式,你應該記住12小節BLUES形式,而不是BLUES演奏者的規則,只是貼在一個通用的BLUES形式上的標籤而已。但是你可以把注意力轉到鍛煉耳朵上,如果你聽得音樂大致的、不是完全的符合你所知道的BLUES的形式,那麼你就知道去聽什麼了:變化在哪里?彈了什麼和弦?等等。

 

一個吉他手,你必須鍛煉自己的耳朵,不僅僅是你的眼睛和手指。

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當你拿到電吉他的時候…你應該想到的是怎麼去演奏他,對吧?學琴最重要的一點是~要有耐心!

 

首先第一階段:基本功是最重要的,在這個階段,大家要學習一些基本的樂理,包括音階和和聲,每天要有3個小時以上時間是在練習基本功 (這也是以後不能間斷的) :

1.     爬格子:熟悉各把位的音階,練習一些吉他教程上面的小練習,活動開你的手指,這段時間應該是最痛苦的,但是為了以後可以揮發自如的彈奏,這些是必須的,而技巧的練習也是必須的,比如垂、勾弦、顫音(揉弦),推弦之類。

2.     熟悉和弦:把你知道的所有和弦,要明白他在各個調,是幾級和弦,也就是吉他一開始所需要的和聲學,轉調,和基礎樂理!如:一首歌C大調的和弦為1  6m  4  5 也就是 C  Am   F  G那麼到了A調和聲是不變的,但是和弦已經變了!就應該為A  Fm#  D  E大家應該好好學一下這部分,這是以後即興演奏的基礎!

 

第二階段:歌曲的練習、節拍的掌握、速度與素材的累積

1.     這個時候就可以試著演奏一些歌曲了,包括彈唱和主音SOLO的練習,來說下彈唱的時候:記住一定要用和弦的標準按法來練習,保證每一個和弦的每一個音都能準確無誤的發聲出來,然後就要掌握好強弱拍和節奏類型,一首歌可以由好多種節奏類型的,再有就是要學著記和弦走向,就是分析這首歌的和弦,試著練習換調之類的,在練習主音SOLO的時候要注意,不可以只記把位的按法,要學著去記譜,就是說要名字自己演奏的每一個音的唱名,讓你寫出旋律的時候,可以用簡譜來表達出來    記住一定要有節拍器,譜上是怎麼寫的,就要把節拍放到什麼位置(可以由慢到標準速度),還有就是~感覺!也就是SOLO的味道,這個時候你可以模仿原版~

2.     速度:速度是由慢而生!這句話的意思就是說,想上速度的話,必須把基本功打穩,比如說一個SOLO的標準是 每分鐘200的速度,但是你是無論如何也達不到這個速度,這個時候你就應該先把速度放慢,從80/分 開始,一點一點加到200/分,你要說了,一個練習就練這麼久??  對!你練上去一個速度,這個時候你的速度已經上去了,再拿到很熟的SOLO的時候,應該很快就可以練到標準速度

素材的累積:大家一定要問為什麼人家即興SOLO的時候會有那麼多的句子可以彈出來?這跟素材累積和和聲的學習,音階的練習是分不開的,練一條要記一條的旋律  拿到哪個把位都可以彈出來~~換到哪個調都可以彈出來

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常看到一些人說自己又翻彈哪位大師的曲子原版了,誰誰誰的sweeping好快了,誰的速度200幾了,那麼恭喜你,你已經對電吉他這種樂器感興趣了,對這種樂器的一部分屬性有了認識,但這些卻不是電吉他的全部.

 

問你幾個問題:

1.        你會彈伴奏嗎?請不要笑!電吉他其實是現代科技發展的產物,那麼它做出來的音樂其實就是現代音樂,現代音樂充斥著電子方面的東西,而且現代音樂的節奏多樣化,和聲學以及音色其實都具有了新時代的意義,他更國際化,所以這就要求吉他手不段接受新的東西,比如新的節奏,你能否為一首歌很快找出一些很合適的節奏,讓人耳目一新,這可是直接決定了你能否彈好金屬這種風格,特別是現在的新金屬風格,節奏的應用比以前更多樣化,如果你不會彈節奏,就算你solo彈得再好也沒用,你掌握了funk 的節奏嗎?你能把他應用在流行、punk、金屬的歌曲上嗎?這是節奏!可能會考倒很多人還有和聲的應用!你懂7和弦、9和弦的用法嗎?你能為爵士這種風格的歌曲伴奏嗎?如果還不能,那你得補補這方面了,不要成天編個歌就用幾個三和弦,這樣的歌就像老鼠愛大米,大師的曲子為什麼好聽?除了聽他的主奏外!伴奏上也豪不含糊,聽聽john petrucci的曲子、vai 等大師的曲子,你就會發現伴奏和主奏同樣重要 !

2.        你創作力好嗎?其實應該是從剛彈吉他就開始創作,電吉他這種樂器不像古典吉他,電吉他的音樂生命在於創作,那些翻彈曲子的人就算彈得再原版,充其量就是展現了自己的基本功過硬。

3.        你對音色的把握好嗎?你知道哪種音色適合那種彈奏方式嗎?沒有絕對意義上的壞音色!只有不會把握音色的吉他手。

4.        你的solo人性化嗎?先說說速度,速度沒有一個定量的標準,你速度能彈200,那麼這200的速度是建立在你彈奏什麼的基礎上的!半音階?跨弦?琶音?就算你速度很快了。但你在一首歌中知道什麼時候該快,什麼時候該慢嗎?不要一快起來就是些老掉牙的套路,solo更講究的是呼吸,良好的應用節奏彈出的東西,比200多的東西更能打動人心,其實速度是一個基本功,就像顫音,推弦,當你翻彈別人的東西時,慢慢的一個一個音穩,慢慢的手指的能力提高了,不要太在意自己速度彈到多少,其實慢慢的自己的速度就上去了(說基本功上去了更合適)

5.        終於你有自己的作品,要錄音了,可是你知道錄音的調TONE技巧嗎?你知道一首歌各個聲部怎樣編配才不打架嗎?你能保持你錄音時的節奏準確性嗎?(錄過音的吉他手可能都知道錄音時和排練時感覺絕對不一樣。)你知道怎樣去加效果嗎?幾千塊的效果器可不是就讓你調個失真和幹琴音色玩玩。還有有些solo和節奏需要再加上一軌嗎?怎樣加?還有..................不要什麼都靠錄音師,只有你自己才最知道你想要的效果!

 

總括來說:吉他水平標準的高低其實就是對各種音樂風格的駕禦能力!!

 


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1.          基礎:基礎是先前條件,沒有基礎再怎麼說都過不去。雖然常聽到這句話,但卻是最重要的!

2.          理論知識:對於搞音樂的人來講,感覺固然重要,可是沒有理論的深厚功底,難以創造出有個性的音樂,難道國外的大師,比如:JOEVAI。他們光憑感覺能演奏出讓人人折服的音樂嗎?他們哪個不是學習了很久的現代音樂。

3.          節奏感:有很多人忽略了這一點,但是它確實很重要的!!沒有好的節奏感怎麼跟樂團合奏,許多彈琴的人彈慢的東西還行,但是一快就亂,其實這是基本功問題,不要一味的圖快,要從慢到快,先彈清楚、乾淨了再講究速度。

4.          速度:很多年輕人彈吉他就是“速度論英雄“,我個人堅決反對這種態度   雖說速度很重要,但是速度高手不等於吉他高手,說到速度,也許會有人說  那個大師速度不快,其實也是,但你要明白 你能已經彈那麼快,但不是所有的演奏歌曲都非要那麼快”

5.          技巧:技巧可以比作是文章的畫龍點睛之筆,沒有技巧出來的作品會很枯燥  不華麗,但是也不要過於注重技巧而忽略了基本的嘗試,比如說 無影手”什麼的,確實很經典,但是你演奏的時候只用無影手不彈別的嗎?他只能當作修飾罷了,還需要本質的襯托。

6.          視奏:很多人自己玩起來的時候很不錯,但給他一張從來沒見過的譜,就彈不出來了,這也是基本功差的一個具體表現,平時多照著生譜彈彈,適當多練習一下~~就會有很大的改善。

7.          即興:即興是音樂的最高境界,想做好即興音樂的演奏,你的頭腦裏的思路也應該是清晰的他不是順手的亂彈和靈感乍現,他是源于深厚的理論功底的一種現場創作,必須是在其他所有的吉他基礎都十二分穩固的基礎上形成的。

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一位博學的音樂家曾經說過,“你已經掌握了你所知道的所有理論、音階和調式……把它們都忘了吧!”確實是這樣,吉他上的那些知識是很有用的,但它們也只能把你帶到這裏了。想想這麼多年來你一直彈奏的東西,它們只起到練習的作用。如果你完成了所有準備工作,那麼現在就應該把它放到一邊,開始你掌握吉他的旅程。   

     

從現在起,你應該把自己當作一個藝術家,而不是吉他手。把你自己想像成一個畫家,吉他就是你的畫筆,吉他知識就是你的調色板,聽眾的耳朵就是你的畫布。畫家永遠都不會用那些吉他手彈琴的方式去畫畫。“讓我看看,我要畫這個圖案,並把它跟另一個圖案連到一起,然後用我的刷子弄一些很酷的東西,它將非常新穎,會讓所有人都張大了嘴巴!”   

 

成為任意一類藝術家都要進入到靈魂,和你的作品一起生活、理解它,然後讓它像堤壩崩潰一樣傾泄而出。

 

給你提幾個問題:你知道怎樣才能不再去彈那些連複段、音階和調式,而進入旋律和感覺嗎?你如何表達你的憤怒、驚恐、悲傷和喜悅,並且把它們融入到一首歌曲中?為什麼有的音樂能夠強烈地改變我們的情緒呢?——由快樂變得內省、由傷感變得樂觀。

 

上面這些問題的答案就是“感情”!

 

你所體會或表達的每一種感情都能放到一段solo或者一首歌曲之中。規則如此簡單,但是很多人偏偏卻忽視了它。“你的感情→你的solo→聽眾的耳朵→聽眾的感情”,如果你把這個技巧練好了,他們就會感受到你在演奏時你所感覺的東西。這可能就是所謂的“心靈感應”吧。

 

任何人都可以用相同的方法讓任何一首歌或者solo的色彩得到增強或者原汁原味地表達出來。

 

“紅辣椒”樂團的貝司手Flea提出了一個令人驚訝的、在演奏中推動感情的技巧。以下是我對他的方法的理解。跟很多練習一樣,記錄譜例很簡單,但是真正去彈的時候就完全不一樣了。因此,不要只看那些練習,要真正動手去彈,然後產生你對它們的理解,也就是你的演奏版本。當然,你也不要太拘束,讓那些音符出來吧!

 

首先,拿起你的吉他,接好線,準備solo;然後,目標是在吉他上彈奏出你所感受到的情感。

 

1、        你的女友(或者男友)告訴你,在你們相處5年之後,她/他想與你分手。現在,在吉他上彈出你的感覺。體會、想像、感覺,並且使這些情感在你的吉他上具體化。將每個練習彈1分鐘左右。另外,你還做這些可以嘗試:

2、        表達你初吻的感覺

3、        你最喜歡的食物的美味

4、        第一次坐火車

5、        仇恨

6、        在一個涼風的晚上仰望星空

7、        喝醉了的感覺

8、        被人打了一耳光

9、        激烈的辯論

10、   跳進了冰冷的湖水。

 

你還可以繼續補充屬於你自己的感覺,然後彈奏它們。

如果你堅持用這些練習進行實驗,你很快就會發現在吉他上表達自己的感情其實並不是一件多麼難的事情。使用這些技巧帶著你的聽眾到充滿感情的世界裏走一圈吧。

 

Steve Vai也使用一種相似的技巧,但他是反著來的。表面上,他是表達他的吉他彈奏(說話)的感情。如果你曾經看過這位大師演奏,你就能看到每個音符都變成了他本人。

 

無論你玩什麼類型的音樂,搖滾、激流、鄉村,任何一種……你都要永遠記住吉他只是一個表達你感覺的工具。

 

真正的樂器是你自己!

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GUITAR SPEED TRAINER裏的一篇文章,看原文:

 

Think of how u walk and how u run...

when u walk u always hv either one or both feet on the ground

when u run u are eigher on one foot, or u r off the ground altogether

the points is: running is NOT fast walking. Running and walking are different process

For example, if u try to walk faster and faster u will reach a limit, and if u want to move faster than that u must stop walking and start running.

Now something similar happens with fast guitar picking

 

Slow and fast picking are different processes.

if u simply take a generic picking motion and try to speed it up, u will soon come to a limit -- just like the limit of how fast u can walk.

 

if u want to play faster than that, u must make certain changes -- stop walking and start running.

 

a lot of guitarists are frustrated because they cannot cross this barrier...

 

u must understand: if u want to build speed you can not just speed up whatever you are doing, u need to make certain changes in your picking motion....

Unquote

 

挺簡單的一段文字,一針見血,大致翻譯一下主要意思:

想一下你怎樣走路和跑步

當你走路的時候,你起碼有一隻腳或兩腳同時著地

當你跑的時候,你的情況只有一隻腳著地或兩腳同時離地

我們要說的是:跑不是快步走,他們是不同的階段

 

例如:如果你走得越來越快,你將會到達極限,想更快點的話,你必須停止走路並開始跑,這和快速彈奏吉它裏的Picking運動相類似。

 

慢撥和快撥是不同的過程,如果你只是簡單地用一般的Picking方法並不斷加速,你會很快遇到瓶頸,和你走路的原理一樣,如果你要更快地彈奏,你必須調整:停止走,開始跑,很多吉它手失敗的原因是他們沒能越過這個障礙。。。

必須明白:你不可能一成不變地在原來的動作上加快再加快,你必須調整你的Picking方法(高速和低速的Picking方法是不同的)

 

我們大多數人都知道要想彈得飛快,必須先得放慢,一點點地提速,但是為什麼速度到了一定之後總上不去呢?? (大部分的朋友都約在120-十六分音符左右痛苦地徘徊),我之前一直堅持的想法是慢速彈奏,彈穩了後一點點加速,總有一天會彈得飛快的,但忽略了一點:180120下彈十六分音符,Picking的方法是不同的,在高速下Picking弦的角度會更大,低速時角度基本很小,甚至平行,而且感覺右手震腕的幅度也不同,高速時幅度更小,真的和震動差不多。

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作為匹克的初學者,你一定遇到了一個難題:在用匹克演奏旋律和分解和弦時,匹克往往找不凖弦,該彈的弦沒撥到,而不該彈的弦又給撥響了。那麼如何解決這個問題呢?下面,供初學匹克的朋友參考。

1.右手的位置要固定。在用匹克彈分解和弦時,一般右手小指應支在吉他1弦下邊的面板上(彈掃弦節奏除外)。彈奏時,靠改變右手小指的傾角而使右手(撥片)能稍微上下移動以便能撥到16弦。應注意三點:

l右手小指只起一個右手位置的定位作用,只可輕輕支在面板上,不能讓它隨重力,否則會造成右手的緊張和疲勞。

l小指在面板上支點位置離1弦遠近要據個人手型及大小而定,並以匹克撥奏1弦和6弦時右手不過於緊張,費力為標準。

l右手小指在面板上的支點的遠近直接決定了吉他的音色,要根據歌曲的情緒和個人喜好而定。一般來說,彈奏分解和弦時,觸弦位置應稍稍偏向琴橋一側,使音色明亮;而彈掃弦節奏時觸弦位置應靠近音孔,以求得音響效果更加豐富。

2.匹克的拿法要講究。在用匹克彈分解和弦時,右手握匹克要多些,即匹克露出部分要少些(當然也不可過少),這樣我們更容易掌握匹克,對控制撥弦力度和準確找到該彈的弦都是有利的。

3.撥弦方向要固定。在用匹克彈華彩和分解和絃時,我們一般要用匹克一上一下地撥弦。這一上一下可不是隨意的,要加以科學安排,這便於演奏並有利於前後動作的連接。但無論你怎樣安排,只要練熟了就不要輕易改變。因為在實際演奏中,哪怕只有一個音的撥弦方向與練習時不同,都可能會讓你陣腳大亂甚至彈不下去。

4.進行專門的、有針對性的練習。

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電吉它技巧中最重要的推弦和推揉技巧

推弦技巧與揉弦技巧一樣,都是電吉他吉他演奏中,絕對不可缺少的技巧,很多電吉他的演奏要靠推弦來產生它獨特的味道,所以說不會推弦技巧就等於你不會演奏電吉他。

推弦技巧之所以能產生其獨特的味道,就在於運用這種技巧把一個音推到另一個音所經過的音程。

在音樂中最短的音程是小二度音程,這樣我們所演奏的各種技巧,它的最小單位都是小二度,所以聽起來非常的自然,而推弦技巧不同與其他的演奏技巧,它是靠手指的推力使琴弦的張力增大從而改變不同的音高,音高的不同與不同的推弦力成正比,從一個音到另一個音要經過很多非常小的音程,這樣會產生一種不和諧的感覺,正因為這種不和諧,才產生了推弦的獨特魅力。在改變音高的時候,音所在琴品的位置不改變,這也是推弦不同與其他技巧的地方。

1.        滑音技巧(SLIDE):推弦時的音準要靠我們的體力來控制,所以在我們學習推弦技巧之前,必須學習一個參照技巧,通過它來檢驗推弦的音準,這種技巧就是滑音技巧。一條短斜線連接的兩個音,表示滑音技巧,滑音的第一音需要彈出來,而第二個音用手指滑出來,這樣就形成了滑音技巧。

2.        推弦的基本技巧:推弦一般最常用的是無名指推弦,一些沒有經過正規訓練的同學在推弦的時候,只用一個手指,這樣會產生推弦力度不夠,雜音很大的現象,之所以出現這些問題,就在於推弦的基本手型,如果我們的推弦手型不正確,就會導致出現嚴重的問題,而使這種推弦技巧在演奏中無法應用,所以在學習推弦技巧之前,推弦手型的正確與否是成功的關鍵。在無名指推弦的時候,中指和食指要做兩種不同的工作來輔助無名指的推弦,中指要按在無名指所在琴格下一格的琴格上,在無名指推弦的時候,中指也同時進行推弦運動,用這種運動來增加無名指的推弦力度,食指要斜著虛按在推弦所在弦及上方的兩根弦上,用這種動作來消除推弦運動所造成的,上方兩根弦的噪音,在推弦的時候,這三個手指,哪一個出現問題,都會使推弦技巧產生嚴重的問題,所以我們在做正式推弦技巧之前,一定要做這三個手指的配合練習,當配合相當默契的時候,才能準確的完成各種不同的推弦技巧。另外,推弦時手指的力量也是能否準確掌握這種技巧的關鍵,特別是在進行長音推弦的時候,如果我們足夠的推弦力量就不能準確的保持所推上去的音高,在以後推弦加揉弦的技巧中,如果手指沒有足夠的力量就根本無法完成這種技巧,所以培養推弦時的手指力量,也是我們進行基本推弦訓練時,應必須完成的訓練項目。練習時,可用推弦保持的方法來訓練自己手指的力量,當我們把一個音推弦一定的音高時,我們可以進行12分鐘的保持練習,檢查自己手指的力量是否能完成這樣的練習,開始時可能非常困難,但經過一段時間的練習之後,手指的力量就可以逐步適應這種練習。當我們具備足夠的手指力量時,才能完成各種不同的推弦技巧。練習要領:應反復的對比滑音技巧練習中的滑音技巧,以判斷所進行推弦的音是否準確,使自己能夠準確的控制不同音程的推弦力度。

3.        連續推弦技巧:連續推弦是一種常用的推弦技巧,這種技巧的難點在於第一次推弦與第二次推弦的連接部分,這個部分一旦處理不好就會出現非常不和諧的下行音,下行音的出現會使整個的推弦技巧前功盡棄,所以我們在練習時要特別注意。我們在處理連接部分時,第一個音推弦完畢之後的下行動作要快,然後馬上進行第二個音的推弦,而且下行動作不用完全達到第一個推弦的最初位置,只要下行一點就可以了,只有這樣才能準確的完全連續推弦技巧。

4.        同音推弦技巧:同音推弦也是推弦技巧中非常典型的一種技巧,這種技巧的主要特點是推弦音與第二個音或與推弦同時發出的音是同一個音,這樣就會推弦味道不同而音高相同的雙音色彩,這樣技巧的難點在於食指不參與推弦,這樣由推弦音所造成的噪音和中指與無名指的力量問題就整個關鍵。中指與無名指在推弦之後的下行動作要小,而且這兩個手指最好不要離開三弦,這樣可以防止由於推弦而造成的三弦噪音。

5.        加入小指的推弦技巧:帶有小指的推弦技巧要比其他的推弦技巧難一些,主要的難點在於小指在其他手指推弦的時候必須按在相應的品上,這樣就要求手指之間的配合必須非常默契,而且對推弦手指的力量也要求比較高,特別是這種技巧運用在強失真音色的時候,由於一弦和二弦同時發聲會有非常大的干擾,所以在演奏這種技巧時,小指必須隨時離弦或按弦,這樣的技巧對於初學者有相當的難度。

6.        推弦中的揉弦技巧:這種由兩種技巧組合形成的技巧是推弦技巧中,難度最大的一種,它除了對於推弦的力量要求之外,還要求推弦時的揉弦速度,由於這種技巧在演奏中經常使用,所以這種技巧是我們這個階段必須過關的一種技巧。

l        手腕轉動式推揉技巧:是這種技巧中,最標準的一種方法,我們在練習時,先把一個音推到一個大二度的位置,然後運用手腕轉動的方法進行揉弦,我們要想掌握這種技巧,手指推弦時,必須有非常充分的力量,如果我們大二度推弦的力量都非常勉強,那麼推弦之後的揉弦技巧就根本無法進行,所以推技巧的關鍵在於推弦手指的力量。這種技巧的另一個難點是兩種技巧的銜接部分,由於這兩種技巧是兩種不同的用力方法,所以兩種技巧在銜接的部分會有一個很短的間隙,為了使這種間隙不影響正常的演奏,必須非常刻苦的練習兩種力量的銜接。

l        前臂式推揉技巧 :這種技巧是靠前臂的力量推弦使音達到所需的音高,然後借助前臂的力量進行揉弦技巧,這種推揉技巧由於推弦和揉弦的用力方向相同,所以推弦和揉弦之間沒有間隙,但由於前臂的力量要比手指的力量大,所以推弦或揉弦時的力度控制就成為這種技巧的關鍵。

l        三度推弦的柔弦技巧:在推弦技巧中,三度推弦是難點最大的一種,在三度推弦中,又分小三度推弦和大三度推弦,這種技巧的推弦方法與前面講的的推弦方法相同,只是的音高不同。

l        推弦中的休止技巧:在推弦中,一些特殊的推弦技巧為了表達在樂句中的特殊感覺,往往在推弦中加入快速的休止技巧,如果我們不能掌握這種技巧就無法彈出樂曲所要求的特定味道,所以熟練的掌握這種休止技巧也是練好推弦的關鍵。

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護弦會直接影響到一個吉他手彈琴髒不髒,其實按道理說,彈琴髒的人一般都是學琴時間不長的人,而有長時間琴齡的人,應該會很好的掌握護弦了,下面談談護弦的好多種方法,這些方法有的是必須做到的,有的則是需要自己的研究,根據自己的彈琴習慣和手的條件來找出自己的護弦方法。

1.        彈單弦的護弦:彈單弦的時候,比如彈1弦,我的食指按第5格,中指按6格,無名指按7格,小指按8格的這種半音階,這個時候我的食指按著1弦,指尖應該稍稍頂住2弦,這樣的話,1弦和2弦就解決了。再來看看其他4根弦,其他4根弦用右手拇指的內側和手掌的外側的肉(就是彈Power chord悶音的地方)來消音,這樣護弦的話,就很乾淨了,其實彈別的弦的時候也一樣,彈2弦的時候我的食指按著2弦,指尖頂住3弦(不按響它)然後食指的中間指節輕觸在1弦上(不按響它),這樣的話1.2.3沒有問題了,然後4.5.6弦的護弦方法和前面說的一樣。彈3.4.5弦的時候都是一個道理,我就不說了,我說說6弦,彈的時候食指按著6弦,然後用食指的整個手指輕觸5.4.3.2.1(類似按封閉和弦,但只是輕碰),然後用右手的手掌外側來消音,這樣的話,六根弦的消音就都沒問題了。其實方法可以靈活的運用,比如彈SOLO的時候也是一樣的道理。

2.        揉弦時的護弦。揉弦時的護弦其實很簡單,最重要的就是揉的那根弦相臨的兩跟弦的消音,方法和前面說過的是一樣的。

3.        點弦時的護弦:是用右手拇指在琴頸的上方支撐,然後中指點到指板上之後向下垂勾,然後這樣的話消音就會非常的容易,就是用中指(或食指)來點1弦,拇指在琴頸的上方支撐,其他的2.3.4.5.6弦就用右手的內側來護弦就可以了。

4.        掃弦時的護弦:其實彈琴有多年的朋友都應該會把掃弦時的消音做的很好的,主要就是幾個方面,比如從6弦掃到1弦,彈響6弦以後和彈響5弦的同時要把按6弦的手抬起來,但是手指抬起來之後不能離開琴弦,要放在6弦上,但是不按,然後,每次彈過的弦都要用右手來消音(和上面提到的一樣)同樣,其他的弦都是依此類推。

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首先對於半音階來說,每天對著節拍器苦練,的確能達到一定的速度,但是大部分人經常出現漏彈、彈錯音、跨錯弦的現象。為什麼呢?主要還是音的基礎沒有打好。
怎麼練呢?長音是最重要的。具體做法是把節拍器開到60,甚至可以開的更低,在這個速度下彈【全音符】,就是【一小節一個音。】注意!不是一拍一個音!


要求每個音的【頭】都要明顯,延音不許出現滋滋的打弦聲,而且在音的延音過程中從響到輕是很平穩的,不許出現突然停頓的狀況。還要注音節拍,搶拍和拖拍都是不允許的。在這個速度彈穩以後,再將速度上升一點,接著練。
這很難!許多人會因為忍受不了而放棄,但只要堅持下來,就會發現原來提高速度是一件很容易的事。

其次就是左手的手型,按完一個音在按下一個音的時候,這個手指還是保持在指板上,依次類推,包括換弦的時候也是如此。這樣練有三個目的:
1.練習指勁(力度)
2.打開手指(就是跨音)
3.強制養成一個手指幅度小的習慣(手指抬的低否直接影響速度)當然在實際運用中是不可能這樣彈的,

這樣彈就是為了強制性的養成良好的手型。在速度達到120以後,可以看情況放開。

再次就是右手。由於人身體結構的限制,所以左手在換把位時容易連帶運動,所以在換把時需要右手強化一下,具體可以在彈半音階時右手做重拍移位。
舉例:重+++ +重++ ++重+ +++重 +重+重 +重重+ 等等。
通通慢練到快。可以把左右手不均的毛病徹底改掉。

以上三樣綜合練習,可以說是速度的倍增器,注意嚴格按照做。另外,在彈到120的時候是個瓶頸,需要多做練習。當然這不是最終的,人們往往會找到舒服又適合自己的手型,但這樣做是養成良好手型的基礎。

千萬不要把練琴當作苦差事,要保持愉快的心情練琴,注意休息,累了就休息,這是為了讓疲勞的雙手保持最佳狀態的辦法,想想看,在你累的要死的時候再讓你背著煤氣罐爬20層樓梯~~~~如果不垮才怪呢!手也一樣。千萬不要練的恨琴,這樣是練不好琴的。你都恨他了,還指望他為你唱歌嗎?

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歌曲與和弦之間是一種什麼關係?

歌曲與和弦之間的關係就像是人與衣服之間的關係一樣:

Ø        一個形象好的人穿上得體的衣服會給人以美的享受;同樣一首好的歌曲配上適合的和弦會給人以舒服的感覺。

Ø        精心選配的衣服可以彌補一個人形象上的缺陷;同樣精妙的和弦編配可以彌補歌曲的某些不足。

Ø        一個人可以穿上不同風格的衣服以展現不同的風采;同樣一首歌可以採用多種配和弦的方法以取得不同的效果。

Ø        有的人因身材、相貌等原因,為他設計服裝較容易,而有的人則正相反;同樣有的歌曲比較容易配和弦,而有的歌曲則不容易配和弦。

 

所以一個編曲人就像是一名服裝設計師,不管這個人的形象如何,你都能為他設計出好的、滿足他要求的、流行的服裝。

 

Ø        該學會的和弦大體:

1.        先會使用主和弦、下屬和弦、屬和弦(或屬七和弦)等正和弦及ⅡⅢ、Ⅵ級小和弦等副和弦的初級模仿階段。即在C調中只會使用:C、Am、Em、F、G、G7、Am7、Em7、Dm7、D7、C7和弦。

2.        學會使用了掛留和弦、大七和弦、六和弦、九和弦的中級階段。即在C調中會使用:Csus4、Cmaj7、Fmaj7、C9和弦。

3.        之後是學會了降Ⅶ級和弦、增、減和弦的成熟階段。即在C調中會使用:bBCaugCdim和弦。

4.        其他和弦以及BASSINE等。

 

和弦編排的發展除了使我們會用更多的和弦外,還使我們對和弦之間的連接有了更深的認識。

Ø        和弦之間較好的連接方式(按程度排列):

1.        完全四度連接:C→F,D→G,E→A,F→bB,G→C,A→D,bB→F等。

2.        大三度連接:C→Em,D→#Fm,E→#Gm,F→Am,G→Bm,A→#Cm,bB→ Dm等。

3.        大六度連接:C→Am,D→Bm,E→#Cm,F→Dm,G→Em,A→#Fm,bB→ Gm等。

4.        掛留4和弦轉同名大三和弦:Csus4→C,Dsus4→D等。

5.        完全五度連接:C→G,D→A,E→B,F→C,G→D,A→E,#B→F等。

6.        在二度連接中,這樣的二度連接是比較OK的:

   (1)下屬和弦→屬和弦,屬和弦→下屬和弦。如在C大調中,F→G、G→F。在Am小調中,Dm→Em、Em→Dm等。

   (2)Ⅲ級和弦→下屬和弦,下屬和弦→Ⅲ級和弦。如在C調中,Em→F,F→Em。

 

Ø        和弦之間不好的連接方式(按程度排列):

1.        “關係小和弦”轉接“關係大和弦”不好:即Ⅵm→Ⅰ不好。Am→C、Dm→F、Em→G這樣的連接都是不好的,要避免使用。注:段落間出現這種情況可除外。而A→C、E→G、D→F這樣的連接在某種特定情況下是好的。如:在G調中D→F是好的,在D調中A→C是好的,在A調中E→G是好的等。

2.        屬和弦後接二級小和弦不好,即:Ⅴ→Ⅱm不好。如:在C調中G→Dm,在G調中D→Am等,這樣的連接是非常彆扭的,因為它屬於“逆向連接”。

3.        二級小和弦後接一級大和弦不好,即Ⅱm→Ⅰ不好。如:在C調中Dm→C,在G調中Am→G等,這樣的連接也是惡劣的,要避免使用。注意:Dm→C這樣的連接在C調中是不好的,而在F調中卻是好的,同樣,Am→G這樣的連接在G調中是不好的,而在C調中卻是好的。

4.        同名和弦之間的“逆向連接”是不好的。如:G7→G,Cmaj7→C,Am7→Am等。

5.        大調歌曲中三級和弦後接二級和弦一般來說是不好的,即在大調歌曲中,Ⅲm→ Ⅱm不好、Ⅲm→Ⅱ7不好。如:在C大調中Em→Dm、Em→D7,在G大調中Bm→Am、Bm→A7等,這樣的連接也是非常彆扭的。(注:在小調歌曲中Ⅲm→Ⅱm是可以的

6.        一級大和弦後接二級小和弦一般來說也是不好的,即Ⅰ→Ⅱm不好。如:在C調中C→Dm,在G調中G→Am等,不過類似這樣的連接是可以的:Ⅰ→Ⅱm→Ⅴ→Ⅰ。此外,Ⅰ級大和弦後接Ⅱ級大和弦則是可以的,即Ⅰ→Ⅱ是可以接受的。如:在C調中C→D,在G調中G→A等。

 

 

介於上述“好”與“不好”之間的其他和弦連接都是可以的。

如:bB→G,Em→bB等。

 

以上的皆為參考!也是目前流行音樂常見的編排方式!

音樂只要好聽就是好音樂!


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LEAD(主奏)吉他重要的技巧練習!

 

對於那些要掌握吉他的LEAD吉他手來說,必須發展演奏技巧使其能演奏出他想像中的東西,任何音符連接。一個連續的佈局應能有效的運用設備中的已存在的能力,而不是分開地學習每一個技巧。

 

技巧練習:

通過正確的練習,能使你在幾星期或幾個月,而不是幾年,獲得不錯的成績。

1.  減速:慢慢地演奏,不要出錯。你的手指將依你的訓練而移動。如果你快速練習,甚至100次,你能說在101次時,你突然就能正確而清晰地演奏嗎?然而,假如你正確、慢慢地練習100次,你可以保證接下去的一次一定是完美的。

2. 避免心理障礙:假如你過分集中注意力,你會緊張、焦慮,這種壓力會使你犯更多的錯誤,反過來有加重了焦慮。不要壓迫自己。保持平穩而流利的節奏。與節奏結合的自然運動會阻止心理障礙的產生。

3.  注意練習的目的:既然練習是為了提高某種技巧而設立的,你應該明白練習的目的是什麼?然後在你練習的時候,集中注意力。

4.  不要在某一練習上用太多時間:如果你練習某種技巧太多的時間,你實際上會開始走向反面。最好是在練習之後放鬆肌肉。演奏一些不同的東西,然後再回到原來所練習的,就會發現原來並不難!

 

左手的基礎動作:

1. 大拇指位置:左手有兩個基本位置,一是將大拇指放在琴頸後;二是將大拇指勾住琴頸頂部。大拇指放在琴頸後面這種位置給你的手指更多的活動空間,並能更準確地控制。用在需要更寬的爬音階或即興樂段。另一種指位可以更有力量並控制推弦。

2. 手指運動:移動手指越遠,到達目的的時間會越長。距離等於拍子,將手指盡量貼近弦。當你槌或鉤弦時,不要讓一個手指離弦太遠。

3. 手指的流暢性:練習在下一個音符來臨時抬起先前的手指。將幫助提高左手的圓滑與流暢,更加自然地移動。

4. 手指的準確性:養成習慣,讓每一個手指按在相應的位置上。這使你左手更加堅定而正確。盡量用指尖垂直指版。

5. 手指獨立性練習:左手的每個手指在移動時不影響其他手指,被稱為手指的獨立性。有了很好的手指獨立性,你的手指將會更加放鬆,而新的音符形式能很快地被掌握。

6. 把音箱調到清晰無失真的音色,使你能瞭解手指所做的:大拇指用頸後式。慢慢地練習,保持穩定的節奏。關鍵是準確度和控制力,而不是速度注意:正確按,用指尖練習,當下一個音來臨時,抬起每一個手指

7.顫音(抖音)練習:顫音是指快速交替演奏兩個音符(電吉他演奏通常是上下交替的)。將演奏較低那個音符的手指固定在格子上。為了消除不必要的雜音,用食指輕輕地按,並消音相近的弦。

8.槌音至新的弦:可以不用演奏預先的音符而使用槌音的方法演奏。注意發出的聲音要平穩。必要時,用食指消音相近的弦。

9.連續性練習:一個連續是指一系列旋律重複演奏,除非必需降一音程或升一音程開始演奏。以三個音符組(三連音)連續的音階是很好的左手練習。

10. 推弦練習:對於LEAD吉他來說,推弦和顫音是必需掌握的最重要的技巧。練習時,演奏第一個音符,然後推弦至要的音高。到正確的音高後,加入顫音。(一系列推弦和鬆弦。在你將弦推至所需音高時,輕輕的放弦,然後在推至所需音高,如此反復。)

11.移動與跨弦:通常演奏使用同格的兩個音符,但又在相連的弦上。演奏時,不要讓弦同時發出聲音。必須移動你的手指到新的弦而離開先前的弦,不要離開指板。離開指板,跨弦會使兩個音符之間有一個停頓,而因此聽起來不流暢也不準確,且也可能會有雜音!

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要談一手好琴就必須放鬆,要放鬆就要慢慢練!!

 

彈琴本為很放鬆很投入的一件事情,為於"放鬆"這個詞大家並不會感到陌生,對於放鬆大部分吉他愛好者只是理解成純粹的手放鬆狀態,其實心理的放鬆是操縱整個運動過程放鬆的關鍵性因素!

單一的手放鬆只是一種表面的狀態.因為彈琴雖然只是手在彈,但是牽涉到的是整個身體!如果彈一個技術含量比較大的曲子,彈完後發現手比較累,那就說明彈琴的方法還是不正確的,如果整個身體感覺都累的話那就對了

 

造成緊張的因素有那麼幾個~先是對彈的曲子不熟悉,我們另當別論,其次是對技巧的掌握不夠而造成的不自信心理!

 

怎麼去克服緊張狀態和保持全身的放鬆!如題"慢慢練"

 

慢練有很多好處,規範的慢練有助於彈好每一個音,注意每一條連音線,每一個切分,每一個推弦及picking的上下的順序,慢練還可以在你練習的過程中把整個曲子或者是那麼幾小節給你更寬的感覺!這種寬的感覺,直接給你心理上的放鬆!

 

特別的對電吉他連音線的問題是左手放鬆的一個大關,含糊不清,不連貫,都是因為沒有慢練沒有放鬆的後果,這種後果直接導致把連音線彈的很擠,說白點給人感覺很難受,旋律參差不齊,然而,慢練和放鬆是一個永久性存在的問題,練琴之前先做些熱身運動,等熱完身再上手彈琴的時候,會感覺到一種緊張於緊張後放鬆的對比,更好的體會到放鬆的狀態和慢練的重要性!

 

如果picking的技巧掌握的好,通過正確的慢練,可以把每個音彈的更美,而不是那些癟的,乾澀的音也更加好的達到放鬆的效果。

FUNK吉他的慢練,可以讓你掃出來的不管是一個,兩個,三個或者是更多的音更加整齊,更加跳躍,而不是那種沒有強若對比的死和硬的感覺的音!一遍又一遍的反覆的練,反覆的琢磨,等練到了一定火候,一段流暢寬廣的旋律就出現在你的手中!

加油!!共勉之!


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